Nuevo Cine Danés en el Museo del Cine

El Museo del Cine “Pablo C. Ducrós Hicken” cierra la temporada cinematográfica 2013 con el ciclo SOMBRAS Y LUCES, UNA MIRADA AL NUEVO CINE DANÉS, compuesto por ocho películas destacadas dentro de la más interesante y reciente producción proveniente del país europeo. Organizado en colaboración con la Embajada de Dinamarca, el ciclo se desarrollará desde el sábado 7 al domingo 29 de diciembre, todos los sábados y domingos del mes a las 16 hs, en la nueva sede del Museo del Cine (Caffarena 49).

Programa:

Sábado 7: 

Solo otra historia de amor, de Ole Bornedal (2008, 100')

Un hombre casado y con hijos tiene una vida placentera, hasta el día que sufre un espectacular accidente de tránsito. Aunque él no sufre mayores heridas, quedará inevitablemente ligado a la otra persona involucrada en el choque.

Domingo 8: 

Aplausos, de Martin Zandvliet (2009, 85')

Una madura y aclamada actriz (la gran Paprika Steen) termina su rehabilitación al alcoholismo y se enfrenta a la difícil misión de recuperar la custodia de sus hijos.

Sábado 14: 

Flame y Citron, de Ole Christian Madsen (2008, 130')

Narra la historia de dos héroes de la resistencia danesa en Copenhague, tras la ocupación alemana el 9 de Abril de 1940.

Domingo 15: 

La Hermandad, de Nicolo Donato (2009, 90')

Un hombre busca su lugar en el mundo y encuentra el amor en el peligroso marco de una secta fascista. 

Sábado 21: 

El silencio de la niña, de Hella Joff (2009, 85')

Cuatro chicas internadas en un centro de rehabilitación se embarcan en un viaje redentor por las carreteras de Dinamarca.

Domingo 22:

Submarino, de Thomas Vinterberg (2010, 110')

El director de La celebración narra en este film la historia de Nick, un hombre que intenta

convivir con el recuerdo de las tragedias que sufrió desde niño.

Sábado 28: 

Luchadora, de Natasha Arthy (2007, 97')

Aicha, un joven estudiante de medicina, descubre su fascinación por el mundo del kung-fu y quiere dedicarse a él, confrontando el deseo de sus padres.

Domingo 29: 

Terriblemente feliz, de Henrik Ruben Genz (2008, 90')

A Robert, un policía de Copenhague con problemas de conducta, le asignan cumplir servicio en una pequeña ciudad, y su llegada genera una extraña curiosidad en los habitantes locales, dueños de inquietantes secretos.

Todas las funciones se realizan a las 16 hs en Museo del Cine (Caffarena 49, barrio de La Boca), con entrada libre y gratuita. Para más detalles sobre las películas, visitar la web del Museo.

Mar del Plata 2013 - Bright Day

Bright Day (Rooz e Roshan / Irán, 2013)
Dirección: Hossein Shahabi
Sección: Competencia internacional

“She calls out to the man on the street:
Sir, can you help me?” 

Así comienza “Another day in paradise”, la canción de Phil Collins que se escucha en la última escena de Bright Day, acordes que nos devuelven fugazmente al inicio del film, como para recordarnos que toda esta historia fue posible porque esta vez el desconocido dijo que sí, que quería ayudar (a diferencia de la canción…he walks on, doesn’t look back). Él es Kiani (Mehran Ahmadi), un remisero a quien una mujer le pide que la acompañe en su angustiante raid por la ciudad de Teherán. Ella es Farhoudi (Pantea Bahram), una maestra que quiere evitar que el padre de un alumno sea condenado injustamente por homicidio: su misión es convencer a los testigos para que declaren a favor del acusado. Debe probar que se trató de un accidente y tiene una pocas horas para lograrlo. La sentencia llegará esa misma noche.

Todo la acción se desarrolla en el interior del auto y en las calles de la ciudad, pero lo singular aquí es que el drama gravita en torno de un incidente del pasado que nunca presenciamos y al que sólo accedemos a través de las sesgadas alusiones verbales de los personajes, una "escena del crimen" que muta en nuestra mente ante cada nuevo diálogo, ante cada mirada que busca esconderse. Es la palabra de uno contra la del otro. Discusiones, confesiones, plano y contraplano: éste es el diseño básico de la opera prima de Hossein Shahabi. Al tener como eje el diálogo confrontativo y las repercusiones incontrolables producidas por un episodio elidido, la película remite al estilo de otro iraní, el realizador de La separación, Asghar Farhadi. Claro que Farhadi tiene aquello que precisamente a su colega le falta: seguridad narrativa. El objetivo de Bright Day es exponer la corrupción que reina en Irán y la connivencia entre el poder económico y el sistema judicial, pero la denuncia política termina disolviéndose en medio de las oscilaciones del relato y el desfile de personajes poco definidos. El blanco de la furia se fragmenta y la crítica se debilita al volverse demasiado indirecta.

Al mismo tiempo, lo más rico del film no pasa tanto por el caso en sí mismo sino por el registro de las voluntades que llevan a los sujetos a entregarlo todo en su reclamo de justicia. O a elegir el silencio, en el otro extremo. Sería difícil comprender el enganche inmediato que el remisero tiene con el conflicto si no fuera porque intuimos cierta atracción hacia la maestra. Y lo mismo sucede con ella y la relación oculta que la une al acusado. Nos gustaría creer que, en el fondo, el gesto puramente ético, racional y humanitario es posible en este mundo, y que estos personajes son simples ciudadanos desprotegidos conmovidos por una causa común. Sin embargo, la película está muy lejos del idealismo, y si bien no ahonda demasiado en este aspecto, la sensación que deja es igualmente desoladora. No tenemos nada, salvo esa vehemencia imprevisible que sólo depende del deseo personal. Todo lo demás es miedo.

Curso: Cine español bajo el franquismo - Febrero 2014

El cine español bajo el franquismo

Cuatro autores esenciales:

Bardem - Berlanga - Saura - Erice

Taller de análisis cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici.

Desde el lunes 7 de febrero / Cuatro encuentros, en el barrio de Almagro

En el año 1955, la revista de cine "Objetivo" impulsó un acontecimiento que se convirtiría en un hito para el cine español: las Conversaciones de Salamanca, un encuentro nacional al que acudieron realizadores, intelectuales, críticos de cine, organismos de Estado y representantes de la industria. Hacía décadas que la cultura cinematográfica española no se reunía para debatir en serio sobre su funcionamiento, y allí fue donde Juan Antonio Bardem pronunció el célebre manifiesto en donde establecía que el cine español de la época era “socialmente falso” y “políticamente ineficaz”. Muchos directores jóvenes necesitaban cambiar el foco y empezar a reflexionar sobre las oscuras transformaciones del hombre bajo la dictadura de Franco, una sociedad sometida a la opresión política, las heridas de la guerra civil, la pobreza, el patriarcado, la hipocresía y la censura.

Les propongo viajar a la España de los años '50 y '60 para pensar y discutir cuatro de las películas más importantes en la historia de este país, estrenadas en un período de asombrosa creatividad que quizás hoy no es tan recordado merecería serlo. Del melodrama social a la comedia negra, del cine metafórico al relato de iniciación, en este taller vamos a analizar la obra de cuatro cineastas fundamentales, dueños de una mirada provocadora, lúcida y comprometida.* 

1 - Análisis de Muerte de un ciclista (1955), de Juan Antonio Bardem

2 - Análisis de El verdugo (1963), de Luis García Berlanga

3 - Análisis de La caza (1965), de Carlos Saura

4 - Análisis de El espíritu de la colmena (1973), de Víctor Erice

 

Inicio del taller: 
Lunes 7 de febrero (hasta el lunes 28 de febrero)

Horario: 19 a 21 hs.

Lugar: Barrio de Almagro (ambiente con aire acondicionado).

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa. 

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller también ofrezco copias de las películas (que pueden retirar en el momento de la inscripción).

Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Curso: PEDRO ALMODÓVAR - Febrero 2014

El cine de 

Pedro Almodóvar

Taller de análisis cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici

Desde el jueves 6 de febrero
Cuatro encuentros, en el barrio de Almagro

Es increíble, pero todavía existen enormes pruritos y prejuicios con relación a Pedro Almodóvar. Parece despertar temores por ser demasiado “retorcido”. Y es cierto que sus últimos relatos se vienen enredando cada vez más y que cada nueva película suya derrama un manantial de ideas desconcertantes que no sabemos bien cómo atajar. Pero íntimamente Pedro la tiene clarísima, porque es un artista de los grandes, de los que siempre ven más allá, y como tal ha explorado cada paradoja, cada nudo, cada fibra de la condición humana para permitirnos pensar nuestra época como pocos, combinando hondura y extrañamiento sin perder jamás el humor. En este taller los invito a transitar y discutir en grupo el genial universo del manchego. En cada encuentro, además del recorrido histórico y estético, haremos un análisis en profundidad de una película, con el objetivo de sumar herramientas teóricas para el ejercicio crítico.*  

1- Los primeros años. La herencia de los cineastas antifranquistas. Neorrealismo y comedia negra. La mujer en la nueva sociedad. Análisis de ¿Qué he hecho yo para merecer esto! (1984).

2- La madurez de los '90. Autoconciencia creadora. La pulsión del bolero, el color, el melodrama. El kitsch y el mundo real. Volver al pueblo para volver a empezar. Análisis de La flor de mi secreto (1995).

3- Amar en soledad. Una nueva complejidad narrativa. Intertexto, comunicación y silencios. Construcción y destrucción de estereotipos. Moralidad y justicia poética. Análisis de Hable con ella (2002).

4- El último Almodóvar: entre la oscuridad y la resistencia. El vértigo de la ciencia, el mito, la locura y la cinefilia. ¿Cuánto puede un cuerpo? Análisis de La piel que habito (2011).

Inicio del taller: 
Jueves 6 de febrero (hasta el jueves 27 de febrero)

Horario: 19 a 21 hs.

Lugar: Barrio de Almagro (ambiente con aire acondicionado).

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa.

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller también ofrezco copias de las películas a trabajar (que pueden retirar en el momento de la inscripción).

Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Curso: Comprender el Cine - Verano 2014

Comprender el Cine, Explorar el Mundo
Una introducción al lenguaje cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici*

En enero, desde el miércoles 8
En febrero, desde el viernes 7

Cinco clases, en el barrio de Almagro

Un curso intensivo pensado para entrenar al espectador en la apreciación, interpretación y disfrute del cine. Los contenidos buscan formar una mirada crítica a partir de un recorrido por la historia, los directores, los conceptos teóricos y las corrientes estéticas fundamentales del arte cinematográfico.

Algunos temas a desarrollar:

• El nacimiento de un nuevo lenguaje. La imagen cinematográfica y su relación con lo real.
• La función creadora de la cámara: encuadre, campo visual, ángulos, movimientos.
• La representación del espacio y el tiempo fílmicos. La puesta en escena.
• El montaje: funciones, estilos, ideología.
• Elementos de guión: tipos de conflicto, estructura, personajes.
• Relaciones entre el relato y la historia. Los puntos de vista: óptico, narrativo, predicativo.
• El sistema de géneros. Del cine clásico al cine moderno. La teoría del autor.
• El rol del espectador: identificación e interpretación. El concepto de "obra abierta".
 

En todas las reuniones se proyectarán fragmentos de films. Para el análisis de películas completas, cada asistente recibirá una copia del título en cuestión para visualizarlo de forma particular.

En el curso analizaremos fragmentos de: Cortometrajes de Lumiére y Méliès, El nacimiento de una nación (D. W. Griffith), El Padrino / Drácula (Francis Ford Coppola), La pasión de Juana de Arco (Carl T. Dreyer), Carancho (Pablo Trapero), El secreto de sus ojos (J.J. Campanella), El Ciudadano (Orson Welles), Octubre (Serguei Eisenstein), La cifra impar (Manuel Antín), J. Edgar (Clint Eastwood), Umberto D (Vittorio de Sica), Hiroshima Mon Amour (Alain Resnais), Mientras estés conmigo (Tim Robbins), Elephant (Gus Van Sant) y muchos más.

Inicio del curso: 
En enero, desde el miércoles 8 (hasta el miércoles 5 de febrero).
En febrero, desde el viernes 7 (hasta el viernes 7 de marzo).

Horario: 19 a 21 hs. 

Lugar: Barrio de Almagro  (ambiente con aire acondicionado)

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa.

Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Quinta Semana del Cine Europeo en el Gaumont

Del 3 al 10 de diciembre en Cine Gaumont se realizará la quinta edición de Semana de Cine Europeo en Buenos Aires, presentada por el INCAA, en la que se exhibirán destacados títulos que aún no se han estrenado en el país. Como todos los años, el ciclo contará con la presencia de Thierry Fremaux, Director General del Festival de Cannes y este año lo acompañará Abdellatif Kechiche, director de "La vie d'Adele".

Programa:

La vie d'Adele, de Abdellatif Kechiche (Francia/Bélgica/España, 2013). Duración: 177 minutos.
La película narra la historia de Adele, una chica de 15 años cuyo mundo se transforma al conocer a Emma, una joven con el pelo azul, que le permitirá descubrir el deseo, y empezar a encontrarse como mujer y como ser adulto. Gran ganadora del último Festival de Cannes. 
Martes 3 a las 20 hs. (Solo con invitación)
Sabado 7 a las 20 hs.

Miele, de Valeria Golino (Italia). Duración: 96 minutos.
Irène vive sola en una casa a orillas del mar, no lejos de Roma. En su familia creen que estudia. En realidad, con el nombre de código MIELE, ayuda clandestinamente a personas en fase terminal a morir con dignidad.
Miercoles 4 a las 20 hs.
Domingo 8 a las 20 hs.

Borgman, de Alex van Warmerdam (Países Bajos, 2013). Duración: 113 minutos.
Camiel Borgman aparece en las calles tranquilas de una periferia acomodada para golpear en casa de una familia burguesa. ¿Quién es él? ¿Un sueño, un demonio, una alegoría?
Jueves 5 a las 20 hs.
Lunes 9 a las 20 hs.

La grande bellezza, de Paolo Sorrentino (Italia/Francia, 2013). Duración: 142 minutos
Damas de la aristocracia, arribistas, políticos, criminales de alto vuelo, periodistas, prelados, artistas e intelectuales - auténticos o supuestos - tejen la trama de este film, envueltos en una Babilonia desesperada que se agita en los palacios antiguos, las inmensas villas, las terrazas más hermosas de la ciudad.
Viernes 6 a las 20 hs.

Jeune & Jolie, de François Ozon (Francia, 2013). Duración: 95 minutos.
El nuevo film del prolífico Ozon pinta el retrato de un joven de 17 años a través de cuatro estaciones y cuatro canciones.
Sabado 7 de diciembre 18.15 hs.
Martes 10 de diciembre 20 hs.

Todas las funciones se realizan en el Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635). La información de prensa no indica el valor de las entradas.

Mar del Plata 2013 - Choele / Los insólitos peces gato

Choele (Argentina, 2013)
Dirección: Juan Sasiaín
Los insólitos peces gato (México, 2013)

Dirección: Claudia Sainte-Luce
Sección: Competencia Latinoamericana

Primer domingo del festival. Primeras dos películas exhibidas en la Competencia Latinoamericana. Llegábamos con todas las ganas de sorprendernos, o de empezar a entusiasmarnos, al menos. Pero ocurrió algo curioso y a la vez incómodo. Probablemente sintomático. En una escena de Choele, el púber protagonista le pide a una joven (unos diez o quince años mayor que él) que le enseñe a dar un beso en la boca. La escena en sí no tendría nada de memorable si no fuera porque la película proyectada justo antes de Choele, Los insólitos peces gato, había mostrado una escena idéntica, casi calcada: chico en el umbral de la adolescencia, chica linda con experiencia, madre ausente, y el beso-ensayo-cliché. No es una mera coincidencia, sino la evidencia de que ciertas fórmulas anodinas del cine ternurista afligen incluso a aquellas películas que aspiran a lucir frescas y personales. 

Luego de co-dirigir junto a Federico Godfrid esa pequeña gran película llamada La Tigra, Chaco, Juan Sasiaín se lanza en solitario con un film en donde los arrobadores paisajes de Río Negro ocupan un rol central en el diseño de la ficción, a tal punto que en muchos momentos el bordado de las acciones parecería importar menos que la forma en que los rayos del sol rebotan sobre el lente de la cámara. Por esta geografía de lagos, puentes y gozosos verdores corretea y se escabulle Coco (Lautaro Murray), a quien todavía le cuesta aceptar que papá (Leonardo Sbaraglia) no regresará nunca más con mamá (que tiene peso en el drama, aunque permanece siempre fuera de campo). Para colmo, papá ahora tiene una novia muy joven y bella (Guadalupe Docampo) por la cual Coco siente celos y fascinación. “No andes enamorándote así, a lo loco”, le dice al chico un carnicero del pueblo, un personaje que con su dicción y singularidad logra recuperar provisoriamente esa autenticidad artesanal que enaltecía La Tigra, Chaco y que no es tan fácil de hallar en el nuevo trabajo de Sasiaín. Porque Choele es un film esencialmente convencional, con intenciones nobles y un buen ritmo narrativo pero condicionado por su ostensible voluntad de agradar, con una música tan almibarada como invasiva y con clips ilustrativos del clásico candor infantil que se acercan más al efecto publicitario que a la emoción real que debería nacer naturalmente del devenir cinematográfico.

Al igual que Choele, la opera prima de la mexicana Claudia Sainte-Luce, Los insólitos peces gato, podría insertarse en esa zona que los anglosajones denominan feel-good movies, la clase de películas que parten de un dolor profundo para luego matizarlo con adecuados atisbos de esperanza. Aunque se trate de un esquema muchas veces propicio para la manipulación del espectador, no creo que éste sea el caso. La realizadora quiere de verdad a sus personajes, los cuida, los deja respirar para que edifiquen sus subjetividades, y así consigue activar una empatía que se sostiene a lo largo de toda la película, más allá de algunas concesiones de guión ya mencionadas al inicio de esta nota. Y allí donde el film argentino prefiere el marco seguro de la fábula de iniciación, la película mexicana intenta en un principio preservar la ambigüedad sobre el contexto existencial de su protagonista, la veinteañera Claudia (Ximena Ayala). Debido a un malestar físico que no puede combatir, ella termina internada en un hospital en donde conoce a Martha (la notable Lisa Owen), una mujer que tiene cuatro hijos y padece HIV.

El cariño es instantáneo, y apenas Martha recibe el alta médica, le propone a Claudia ir a almorzar con los suyos en su casa. A través de un lúcido plano-secuencia, la cámara nos introduce en ese hogar desde la perspectiva de la invitada, quien flota en medio del bullicio familiar como si ese abrigo fuera algo totalmente ajeno a su imaginario. Y lo es, de hecho. Más tarde descubriremos hasta qué extremo la vida de esta muchacha está marcada por la soledad. Es la elegante enunciación fílmica, en esa primera reunión alrededor de la mesa, la que afirma la relevancia de ese espacio vacante que Claudia ahora viene a llenar. Un rol, un lugar, un esencia. Ella será, alternativamente, hija, amiga, hermana mayor, confidente y madre. La prueba de que la familia no brota de la sangre sino del afecto franco y de las funciones que el sujeto es capaz de asumir en esa red de solidaridad.

La película fluye con gracia, dueña de un humor tan sobrio como efectivo. Aunque las recaídas de la madre son recurrentes, llega un momento en que esos episodios están tan incorporados a la rutina que los hijos parecerían no tener real dimensión de la inminente pérdida. Y ahí es cuando la narración nos estremece al filtrar una escena en donde vemos cómo Wendy (Wendy Guillén), la hermana más chispeante del clan, se prepara un licuado con bananas, alcohol puro y pastillas de todo tipo. Es Claudia quien logra frenarla con un gesto sutil, sin emitir palabra, y entonces sí, la película se hace cargo del miedo que necesariamente se viene incubando en ese hogar. Es cierto que en diversos tramos de la historia y en el final el tono sobrevuela lo típicamente dulzón y colorido, pero eso no le quita mérito a la mirada inteligente y sensible que supo imponer la directora sobre el conjunto del film.

Curso: ANTONIONI / FELLINI - Enero y Febrero 2014

Tiempos Modernos:

Redescubriendo a 

Antonioni y Fellini

Taller de análisis cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici. 

En enero, desde el jueves 9
En febrero, desde el miércoles 12

Cuatro encuentros, en el barrio de Almagro

Este taller propone una indagación en la obra de Michelangelo Antonioni y Federico Fellini, dos directores imprescindibles para comprender cómo y por qué el cine necesitó transformarse radicalmente a mediados del siglo xx. Nos concentraremos en la primera etapa de la producción de estos autores (1950-1965) para estudiar cuáles fueron sus principales aportes en la construcción del paradigma moderno de representación. En cada encuentro, además del recorrido histórico-teórico, haremos un análisis en profundidad de una película.*  

1- Herencia y superación del neorrealismo. La crisis del clasicismo y los nuevos regímenes narrativos. De la acción al vagabundeo. Los nuevos roles del hombre y la mujer en la ficción. El espacio psíquico interior. Análisis de El grito (1957)

2- La revolución del tiempo fílmico a partir de La aventura. El camino hacia la abstracción. Paisaje, subjetividad y… ¿progreso? Análisis de El desierto rojo (1964)

3- La realidad como artificio. La fascinación por las formas populares de representación. Deseo, mistificación y autoconciencia. Análisis de Las noches de Cabiria (1957)

4- Fellini, sus dobles fílmicos y sus mujeres. Del film-episodio al film-fresco. Hibridación de estilos. La conquista de lo onírico. Análisis de La dolce vita (1960)

Inicio del taller: 
ENERO: desde el jueves 9 (hasta el 30 de enero)
FEBRERO: desde el miércoles 12 (hasta el 5 de marzo)

Horario: 19 a 21 hs.

Lugar: Barrio de Almagro (ambiente con aire acondicionado).

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa.

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller también ofrezco copias de las películas (que pueden retirar en el momento de la inscripción).

Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Curso: WERNER HERZOG - Enero 2014

Apuntes sobre Werner Herzog
Taller de análisis cinematográfico

A cargo de Carolina Giudici.

Desde el lunes 6 de enero
Cuatro encuentros, en el barrio de Almagro

“Las películas no cambian el pensamiento de la gente, no originan revoluciones, aunque pueden cambiar nuestra perspectiva de las cosas, y en última instancia pueden ser valiosas. Pero también tienen mucho de absurdo. Me convierten en un clown, y eso le pasa a todo el mundo. Mira a Orson Welles o incluso a Truffaut: se han convertido en clowns. Debe ser que lo que hacemos como cineastas es inmaterial, es sólo preservar la luz, y hacer eso toda tu vida te convierte en un clown, y es casi un proceso inevitable.” Cuando Werner Herzog dijo esto, en 1979, ya sabía que su obra no iba a poder despegarse nunca de su excentricidad como artista, y eso que ni siquiera se había embarcado aún en el intricadísimo y hoy célebre rodaje de Fitzcarraldo. Y es así nomás: Herzog es un poeta y a la vez un soldado del cine, y no debe existir otro realizador en la historia que ponga el cuerpo como lo pone él. El suyo es un cine atlético, expansivo, imprevisible, frondoso, complejo, hermoso.

Herzog realizó más de 60 películas en diferentes formatos, inmensidad ante la cual solo podemos responder con humildad. Este taller aspira a recorrer algunas zonas temáticas de su filmografía a través del análisis de cinco películas que nos permitan aproximarnos a su mundo. Éstas son algunas de las cuestiones a comentar: El Nuevo Cine Alemán - Colonización y encuentro con el otro - Individuo y naturaleza - Paisaje y cultura - Subjetividad, mito y lenguaje - Romanticismo, existencialismo e ironía - Los cruces entre ficción, documental y ensayo fílmico - La obsesiva búsqueda de la "verdad extática".*

Además de hacer de recorrer su obra y comentar sus títulos emblemáticos, nos concentraremos en estas películas:

1 - Análisis de El pequeño Dieter necesita volar (1997)

2 - Análisis El enigma de Kaspar Hauser (1974)

3 - Análisis de Donde sueñan las hormigas verdes (1984)

4 - Análisis de La Soufrière (1977) y El diamante blanco (2004)
 
 
Inicio del taller:
Lunes 6 de enero (hasta el lunes 27 de enero)

Horario: 19 a 21 hs.

Lugar: Barrio de Almagro (ambiente con aire acondicionado).

Las vacantes son limitadas y se reservan con inscripción previa. 

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller
también ofrezco copias de las películas (que pueden retirar en el momento de la inscripción). 


Para más detalles llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

Saludos desde la ruta...

...hacia un nuevo festival.

Nos vemos en unos días.

Imperdible: retrospectiva Pierre Étaix

Hace tres años, en el festival de cine de Mar del Plata, cuando vi la extraordinaria YOYO, del francés Pierre Étaix, sentí lo que muchas veces siento al encontrarme con un maestro que no conocía: la culpa por mi ignorancia mezclada con la ansiedad por devorar toda su obra. Y luego el oasis del festival desaparece, y la vida nos atropella, el tiempo corre demasiado rápido, y crece en uno la certeza de que no nos alcanzarán los años para ver todas las películas maravillosas que deseamos ver. Perdón si me puse un poco melancólica, pero creo que el recuerdo de YOYO me transmite eso: el anhelo loco de poder despertar (¿volver a nacer?) cada nuevo día en una sala de cine.

La noticia es que Pierre Étaix viene este año al festival de Mar del Plata, y además estará presente en Buenos Aires para acompañar una retrospectiva suya en la sala Leopoldo Lugones. "Redescubrir a un genio" es el título de esta muestra que comienza este martes 19 de noviembre, integrada por cinco largometrajes y tres cortos de este gran representante de la comedia francesa. El ciclo arranca con el film El puerto, de Aki Kaurismäki, en el que Étaix tiene una participación especial.

Programación:

Martes 19
El puerto (Le Havre, 2011) (93')
Dirección:  Aki Kaurismäki
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

Miércoles 20
El suspirante (Le Soupirant, 1963) (83’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs
La función de las 19.30 será presentada por Pierre Étaix.

Jueves 21
YOYO (Francia, 1965) (92’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

Viernes 22
Basta la salud (Tant qu’on a la santé, 1966)(68’)
+
En plena forma (En pleine forme, 1966/2010) (13’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs.

Sábado 23
Ruptura (Rupture; Francia, 1961) (11’)
+
Ese loco, loco deseo de amar (Le Grand Amour; Francia, 1969) (87’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs.

Domingo 24
Feliz aniversario (Heureux anniversaire, 1962) (12’)
+
País de Cucaña (Pays de Cocagne, 1971) (76’)
A las 14:30, 17 y 19:30 hs

El ciclo se desarrolla en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo).

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.

Se estrena Tanta agua

Este jueves, en la sala Leopoldo Lugones (Av. Corrientes 1530), se estrena Tanta agua, estupenda película uruguaya exhibida en el Bafici de este año. 

Aquí puede leer una nota sobre el film, con una entrevista a Ana Guevara, una de sus directoras.

La película tendrá 19 funciones:
Jueves 14 de noviembre, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

Viernes 15, sábado 16 y domingo 17, a las 14.30, 17 y 19.30.
Del martes 19 al domingo 24, a las 22.

Refugio

"...ahora pienso que la sala de un cinematógrafo es el lugar que yo elegiría para esperar el fin del mundo."

Adolfo Bioy Casares (en su relato "Amores imposibles")

La imagen pertenece a Take Shelter, notable film de Jeff Nichols.

Elia Kazan en la sala Lugones

Kazan Olvidado es el nombre de este breve ciclo que estará compuesto por seis films poco difundidos del cineasta Elia Kazan (1909–2003), recordado especialmente por sus grandes clásicos, como Un tranvía llamado deseo (1951) y Nido de ratas (1954), pero cuya obra incluye otros films destacados que ameritan una revisión.

“Después de dos décadas en las que su influencia comenzó a desvanecerse en la memoria oficial, podemos volver a ver las películas de Elia Kazan exclusivamente a través de la luz del cine. Y bajo esa luz, su fuerza y su belleza no hacen sino incrementarse”. Kent Jones en "Cinematheque Ontario" (2009). 

Programación: 

Lunes 11 
Lazos Humanos (A tree grows in Brooklyn; 1945) 

A las 14.30 y 19.30 hs 

Crónica de una humilde familia de inmigrantes irlandeses que viven en Brooklyn a comienzos del siglo XX. El padre es un hombre amable pero con problemas de alcoholismo, la madre es una luchadora, mientras la hija pequeña es una brillante muchacha que sueña con otros horizontes.

Crimen sin castigo (Boomerang!; 1947) 

A las 17 y 22 hs

Dijo James Agee: “Una obra de arte periodístico. Un triunfo notable para Dana Andrews en su mejor interpretación a la fecha, acompañado de un reparto de actores de Broadway que entrega el más inmaculado puñado de actuaciones naturalistas que haya visto en una película”. 

Martes 12 

Lo que la carne hereda (Pinky; 1949) 

A las 14.30 y 19.30 hs 

Pinky, una mujer de raza negra de piel clara, se hace pasar por blanca, pero no le será tan fácil ocultar su verdadera raza cuando regresa a su hogar natal en Mississippi, a una ciudad llena de fanatismo, prejuicios y racismo. 

Pánico en las calles (Panic in the Streets; 1950)

A las 17 y 22 hs 

Una noche, en los barrios bajos de Nueva Orleáns, un partido de póker termina con el asesinato de un inmigrante. A la mañana siguiente, el doctor Clint Reed (Richard Widmark) confirma que el muerto estaba infectado con una enfermedad que disparará una operación de prevención en la ciudad. 

Miércoles 13 

Un rostro en la muchedumbre (A face in the crowd; 1957) 

A las 14:30 y 19:30 hs 

Una cadena de televisión convierte en estrella televisiva a un vagabundo. La sorprendente reacción del público hacia el personaje cambiará su vida por completo, convirtiéndolo en una víctima de los medios de comunicación. 

Río salvaje (Wild river; 1960) 

A las 17 y 22 hs 

Chuck Glover es un agente de la organización del Valle del Tennessee, encargado de expropiar las tierras ribereñas. El objetivo es construir una presa hidroeléctrica que garantice el progreso de la región. Pero este proyecto exige la demolición de las viviendas de una pequeña población y la evacuación de sus habitantes.

El ciclo se desarrolla en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo). 

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.

Crecer

"Digamos la verdad: ¿qué significa ese moralismo de convertirse en adultos? 

Y, aun admitiendo que sea posible convertirse en un adulto, 

¿qué se hace cuando se consigue?"

Federico Fellini

En las imágenes: Los inútiles (I vitelloni).

Estar

No hay silencio aquí
sino frases que evitas oír.

 Alejandra Pizarnik
("Estar")

La imagen pertenece al film Never Cry Wolf, dirigido por Carroll Ballard.

Pablo Bernasconi...

...es realmente un genio.

Esta obra de arte apareció hoy en el diario La Nación. La leyenda cita una frase de Raúl Alfonsín: "Los hombres pasan, las ideas quedan y se transforman en antorchas que mantienen viva a la política democrática".

Aquí pueden acceder a la web oficial del autor.