lunes, 11 de diciembre de 2017

Tercera edición de LA IMAGEN ARGENTINA - Jornadas para pensar el cine argentino, en la Enerc

Los próximos 13, 14 y 15 de diciembre se realizará en la ENERC (Moreno 1199) la tercera edición de "La Imagen Argentina", una serie de encuentros organizados por el Ministerio de Cultura de la Nación y el Instituto Nacional de Cinematografía. La actividad se propone como un espacio de discusión que invita a investigadores, críticos, historiadores, pensadores y realizadores a reflexionar sobre cuestiones vinculadas al cine argentino y la identidad nacional. 

Bajo el nombre “Genealogías, territorios y rupturas”, esta tercera edición apuesta a explorar las influencias recibidas y ejercidas, la configuración de nuevos cines en los 60 y los 90, las tensiones recurrentes entre cine y realidad social, las estrategias y demandas de la institucionalización y el porvenir de la imagen.

PROGRAMA:

Miércoles 13 de diciembre 
Jornada 1: Genealogías 
A veces, el imperativo de novedad es un legado recibido de otros cines o la salpicadura de otras olas. A veces, ocurren circunstancias (la censura, el desfinanciamiento) que, desde afuera del cine, determinan qué se filma y que no, qué se mira y qué no. A veces, hay creadores cuya influencia permanece activa (se actualiza) a lo largo del tiempo, de manera excepcional. A veces, incluso, la renovación no es sino el restablecimiento de estéticas y tramas conservadoras. 

15:00 a 17:00: Tradiciones americanas 
Cecilia Fiel - Nicolás Suárez - Pablo Piedras - Diego Trerotola 

17:30 a 18:45: Ecos del viejo mundo
Emiliano Jelicié - Hernán Gaffet - Lucio Mafud 

19:15 a 21:15: Los nuevos cines 
Clara Kriger - Adrián Pérez Llahi - Gustavo Postiglione - Nicolás Prividera

Jueves 14 de diciembre 
Jornada 2: Rupturas 
El cine (lenguaje o industria) no es inmune a los ruidos de la historia. En ocasiones los amplifica o los reinterpreta. En otras, espera el momento para restablecerlos. De manera voluntaria o involuntaria, el cine cuenta la historia a través de las clases sociales a las que presta su ojo y su voz. A través de los muertos a los que devuelve el cuerpo y el nombre. Colándose entre fantasmas, el cine disputa sentidos y ausencias.

14:30 a 16:00: Trabajadores filmados 
Marcela Visconti - Guillermo Korn - Mariano Metsman

16:30 a 18:30: Espacios en disputa 
María Valdez – Pao Margulis – Javier Trímboli – Paula Félix Didier

19:00 a 20:30: Fundido a negro 
Alejandra Guzzo - Emilio Bernini - Sebastián Russo

21:00 a 22:00:
Nicolás Prividera entrevista al cineasta Julio Ludueña

Viernes 15 de diciembre 
Jornada 3: Territorios 
¿Qué responderíamos hoy a la pregunta Qué es el cine? La hibridación tecnológica y su impacto en los modos de la recepción, ¿obliga a repensar el concepto y las instituciones del cine? ¿El digital afecta el lenguaje? ¿Se trata de cine o de campo audiovisual? ¿Hay un espectador diferente? ¿Sigue siendo significativa la disputa entre cine y TV?  

14:00 a 16:00: El cine y sus instituciones 
Ana Broitman - Adrián Muoyo - Fernando Madedo - Daniela Kozak 

16:30 a 18:30: Campos en controversia
Roger Koza - Gustavo Aprea - Diego Rossi - Pablo Ratto 

19:00 a 20:30: La novedad permanente
Paula Croci - Eduardo Russo - Oscar Cuervo

21:00 a 22:00:
Roger Koza entrevista al cineasta Julián D’Angiolillo


La cita es en la Sede Centro de la ENERC, ubicada en Moreno 1199. 
La entrada es gratuita.

martes, 5 de diciembre de 2017

Quinta Semana del Cine Portugués

Comienza una nueva edición de esta muestra dedicada al cine lusitano, que se desarrollará del jueves 7 al domingo 10 de diciembre en el Malba. "Las películas que se presentan este año -proponen los programadores- dan cuenta en múltiples formas del estigma de la crisis que sufrió Portugal e identifican una suerte de poética de resistencia que pone al humanismo en primer plano". Se verán films de Filipa Reis, Pedro Pinho, Salomé Lamas, Rita Azevedo Gomes y Pedro Cabeleira, entre muchos otros. 

Este año, junto a la proyección de las películas, se realizarán una serie de actividades especiales dedicadas a la formación con el título "Cine Portugués Hoy – Gulbenkian", que contarán con la presencia de directores y productores invitados. El miércoles 6 a las 18 hs habrá una charla a cargo de la directora Rita Azevedo Gomes y el crítico Álvaro Arroba titulada "El espejo cinematográfico portugués", en la Universidad el Cine (Pasaje J.M. Giuffra 330). Azevedo Gomes también acompañará la proyección de su película Correspondencias, que recibió excelentes críticas cuando se exhibió en el último Bafici.

En la programación también se destaca O ornitólogo, de João Pedro Rodrigues (autor de la genial Morir como un hombre), São Jorge, de Marco Martins (invitado al ciclo), Colo, de Teresa Villaverde, y la notable A fábrica de nada, de Pedro Pinho, que vi en el reciente Festival de Cine de Mar del Plata y que recomiendo mucho.

Programación:

JUEVES 7
19:30

Cidade, de Filipa Reis, João Miller, Leonor Noivo y Pedro Pinho (55')
Presenta Luisa Homem
22:30
A fábrica de nada, de Pedro Pinho (158’)
Presenta Luisa Homem

VIERNES 8
18:00
Retrospectiva de cortos de Salomé Lamas (105')
Presentación + Preguntas y respuestas
21:00
São Jorge, de Marco Martins (115')
Presentación + Preguntas y respuestas
00:00
Verão danado, de Pedro Cabeleira (128')

SÁBADO 9
16:00
A 15ª pedra, de Rita Azevedo Gomes (124')
Sesión de preguntas y respuestas
18:45
Correspondências, de Rita Azevedo Gomes (145')
Presentación + Preguntas y respuestas
22:00
Diário das beiras, de João Canijo (133')
00:30
O ornitólogo, de João Pedro Rodrigues (113')

DOMINGO 10
16:00
O cinema, Manoel De Oliveira e eu, de João Botelho (78')
18:00
João Benard da Costa. Outros amarão as coisas que eu amei, de Manuel Mozos (75')

21:00
Colo, de Teresa Villaverde (137').

Las funciones se realizan en el auditorio del Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415). La entrada general tiene un costo de 60 pesos (30 para estudiantes y jubilados). Para más detalles sobre el ciclo y las actividades pararelas, consultar la web http://www.vaivem.com.ar

lunes, 4 de diciembre de 2017

Semana Manuel Antín en Filmoteca, por la Televisión Pública

FILMOTECA dedica esta semana a uno de los realizadores fundamentales de la "Generación del 60" en el cine argentino: MANUEL ANTÍN. El ciclo hará un repaso por sus películas, desde sus trabajos más reconocidos hasta algunos rarezas que hoy son difíciles de ver, y contará con la presencia del propio Antín en el estudio para comentar su obra y discutirla con Fernando Martín Peña.

FILMOTECA se emite de lunes a viernes a las 0.30 horas por la pantalla de la Televisión Pública.

Lunes 4
Los venerables todos (1962)
Con Walter Vidarte, Lautaro Murúa, Fernanda Mistral y Maurice Jouvet.

Martes 5
La cifra impar (1961)
Con Lautaro Murúa, María Rosa Gallo, Sergio Renán, Milagros de la Vega y Maurice Jouvet.
La estrella del desierto (1965). Incluído en la película Psique y sexo.

Miércoles 6
Circe (1964)
Con Graciela Borges, Alberto Argibay, Walter Vidarte y Sergio Renán. Sobre el cuento de Julio Cortázar.

Jueves 7
Don Segundo Sombra (1969)
Con Adolfo Guiraldes, Juan Carvalledo, Luis Manuel de la Cuesta, Luis Medina Castro, Juan Carlos Gené, Soledad Silveyra, Héctor Alterio y Alejandra Boero. Sobre la novela de Ricardo Güiraldes.

Viernes 8
Trabajos para televisión de Manuel Antín

domingo, 3 de diciembre de 2017

Una teoría de Jean-Luc...

Por Jean-Luc Godard*

En líneas generales, hay dos tipos de cineastas. Los que caminan por la calle con la mirada en el suelo y los que lo hacen con la cabeza alta. Los primeros, para ver lo que ocurre a su alrededor, están obligados a levantar la cabeza a menudo y repentinamente, y a girarla tanto a derecha como a la izquierda, abarcando con varios vistazos el campo que se ofrece ante ellos. Estos primeros ven. Los segundos no ven nada, miran, fijando su atención en el punto preciso que les interesa. Cuando se disponen a rodar una película, el encuadre de los primeros será aireado, fluido, (Rossellini); el de los segundos estará calculado al milímetro (Hitchcock). Se encontrará en los primeros un desglose de las escenas sin dudas disparatado pero tremendamente sensible a las tentaciones del azar (Welles); y en los segundos, unos movimientos de cámara no sólo de una inaudita precisión en el trabajo en estudio, sino que tienen su propio valor abstracto de movimiento en el espacio (Lang). Bergman formaría más bien parte del primer grupo, el del cine libre; Visconti, del segundo, el del cine riguroso.
 

*Fragmento del artículo "Bergmanorama". 

Hoy es el cumpleaños del realizador francés. Cumple 87.

El texto fue publicado originalmente en la revista Cahiérs du Cinéma (julio de 1958). Integra la recopilación de artículos editados por Paidós en el libro La política de los autores. Manifiestos de una generación de cinéfilos. Antoine de Baecque (comp.)

jueves, 30 de noviembre de 2017

Curso: HITCHCOCK - Descubrir al genio / Enero 2018


Taller de análisis cinematográfico
ALFRED HITCHCOCK - DESCUBRIR AL GENIO

Cinco encuentros, desde el jueves 4 de enero
En el barrio de Almagro

Alfred Hitchcock quizás sea el director más estudiado de la historia del cine. Sin embargo, en el expeditivo contexto hipermediático que nos define hoy, su figura siempre está al borde de convertirse en un frío monolito, en una celebración constante de citas repetidas e interpretaciones predigeridas. Y lo cierto es que Hitchcock fue uno de los más sublimes inventores de formas que ha dado el cine. Estudiar en serio su obra implica volver sobre el origen de nuestra experiencia como espectadores para pensar de qué manera el cine nos enseñó a mirar. Recordemos que, como postuló Gilles Deleuze, “Hitchcock aparece en la historia del cine como aquel que ya no concibe la constitución de un film en función de dos términos, el realizador y la película que se ha de hacer, sino tres: el realizador, la película, y el público que debe entrar en ella, o cuyas reacciones deben hacerse parte integrante del film (y éste es el sentido explícito del suspense, pues el espectador es el primero en conocer las relaciones)”.

En este curso los invito a recorrer el universo del director e indagar en algunas de las zonas menos transitadas de su carrera, contemplando los inicios en Gran Bretaña, la transición del cine mudo hacia el sonoro, sus diversas búsquedas creativas en Hollywood y los desafíos técnicos que encaró. Vamos a explorar la poética del autor (rasgos temáticos y estilísticos) a partir del análisis en profundidad de cinco películas, y además mencionaremos y veremos fragmentos de otros títulos que resulten pertinentes, con el objetivo de trazar asociaciones y posibles caminos de lectura dentro su riquísima filmografía. Este taller aspira a ser un primer acercamiento a la frondosa obra del maestro. La idea es continuar estudiando su cine en un siguiente curso en febrero en donde analizaremos sus películas más emblemáticas.

Programa:
Clase 1: Introducción a la figura del director y análisis de Asesinato (1930)
Clase 2: Análisis de Rebecca (1940)
Clase 3: Análisis de La sombra de una duda (1943)
Clase 4: Análisis de Notorious (1946)
Clase 5: Análisis de La soga (1948)

Lugar: Barrio de Almagro
Fecha: desde el jueves 4 de enero al jueves 1º de febrero.
Horario: 19 a 21:30

Las vacantes son limitadas y se reservan solo con inscripción previa.

*Es importante asistir a los encuentros con las películas vistas, por eso como parte del taller también ofrezco copias de las películas en dvd (consultar).

Para más detalles por favor llamar al teléfono 4865 - 3317 (dejar nombre y número de contacto), o escribir a: datosparacaro@yahoo.com.ar

martes, 28 de noviembre de 2017

Mar del Plata 2017 - Lumière! L'aventure commence


Lumière! L'aventure commence
(Francia, 2016)
Dirección de la compilación: Thierry Frémaux
Sección: Proyecciones especiales

La historia del cine ha petrificado la obra de los hermanos Lumière con definiciones que son, por lo menos, imprecisas. Suele afirmarse que Louis y Auguste querían capturar la realidad y respetaban estrictamente la regla de no intervenir en lo que aparecía frente a la cámara. Su objetivo era dejar testimonio de la vida en movimiento, aunque nunca fueron conscientes del potencial creativo latente en el cinematógrafo. Ese hallazgo -el diseño de una puesta en escena para el cine- le correspondió al mago George Méliès, dicen los libros. Pero en este trabajo de compilación y reflexión teórica, Thierry Frémaux intenta aportar otra idea: los hermanos de Lyon no sólo inventaron una nueva técnica sino que también pusieron en práctica una gran cantidad de recursos que merecen ser considerados “modernos”. 

Entre 1895 y 1905 la compañía Lumiére rodó más de 1400 films de 50 segundos de duración cada uno. Ya en 1996 se había editado una selección de 85 cortos guiados por la narración de Bertrand Tavernier, con un enfoque en parte similar al de esta nueva antología exhibida en Mar del Plata. Para este proyecto de restauración y divulgación, Frémaux eligió 108 films, los agrupó por temáticas y agregó comentarios en off tan ilustrativos como divertidos. Su recorrido me resultó fascinante de principio a fin. Sin embargo, y dado que él es un hombre de poder, pues cada año marca la agenda del cine mundial como director el Festival de Cannes, parece que debemos sospechar de su buena fe. Algunas reseñas cuestionaron el film por el tono “chauvinista” del narrador y por ignorar la incidencia que otros realizadores (Porter, Griffith, el propio Méliès) efectivamente tuvieron en la evolución del lenguaje fílmico. (1) Pero ésta es una lectura demasiado literal del discurso de Frémaux, que está muy lejos de pretender forjar una contrahistoria que desbanque a otros pioneros. Lo que quiere es desmontar el aura de "científicos escépticos" que siempre ha perseguido a los Lumière para reivindicarlos como ávidos buscadores de imágenes significativas. Esencialmente, se trata de conocer algunas notables filmaciones muy poco difundidas y a la vez redescubrir la inagotable vivacidad de muchos planos que ya creíamos cristalizados en nuestro -claramente pobrísimo- saber cinéfilo.


Frémaux rastrea las herencias pictóricas (Cézanne, Turner, Renoir, la fotografía de los hermanos Bisson) en las composiciones de Lumière, y a la vez se lanza a sugerir que ciertos encuadres y motivos visuales de sus cortos anticiparon la poética de cineastas como Eisenstein, Ozu, Kurosawa, Visconti e incluso James Cameron. Y sí, de alguna manera Frémaux juega a que los Lumière fueron los precursores de todo el cine por venir (exageración pícara que molestó a algunos críticos), pero queda claro que sólo es eso, un juego, un gozoso ejercicio de apreciación que incita a ensayar conexiones posibles a lo largo de la infinita trenza que enlaza el mundo material con la historia de las imágenes. ¿Por qué algunos temas vuelven siempre en las imágenes? ¿Cómo vuelven? ¿Por qué insisten? ¿Cuál es la trama que persiste? Pienso en ese inquietante corto situado en una aldea de Vietnam, que para Frémaux es el film más bello de todos los rodados por Lumière. Se titula Le village de Namo: Panorama pris d’une chaise à porteurs (El pueblo de Namo: Panorama visto desde un palanquín). Véanlo y después seguimos:


El film fue rodado en 1900 por Gabriel Veyre, que fue uno de los operadores más destacados del equipo Lumière, junto a Alexandre Promio y Constant Girel. Ellos se ocupaban de viajar con el cinematógrafo a distintos puntos del globo para documentar las culturas de cada país. (El dato abre la pregunta sobre quiénes deberían ser considerados como verdaderos autores de muchos de estos films, discusión que no voy a resolver aquí). Ubicado en una silla portátil en movimiento, Veyre filmó a un grupo de niños y niñas que lo siguen mientras la cámara realiza un travelling hacia atrás. Esas sonrisas son puras, sí. Son hermosas. Pero el film me generó angustia, e intuyo que a ustedes también, pues la palabra Vietnam asociada a la figura de una niña corriendo desnuda remite inevitablemente a la icónica “Niña del napalm”, eternizada en aquella brutal fotografía de Nick Ut. En el corto vemos a una niña desnuda y también a otra, vestida con harapos. Ambas corren hacia nosotros, atraídas por la cámara. La niña desnuda abandona el plano. Y luego vuelve, hasta que desaparece por completo y deja que la otra colme la escena con su rostro iluminado. Yo temblé en esos instantes, sintiendo que la Indochina colonizada de principios del siglo XX se cruzaba con la premonición de la guerra de Vietnam, dos momentos históricos encarnados en esas niñas que corren. Dos niñas postergadas. Dos fantasmas. Pero hay que aceptar que allí, justo allí, en esa pantalla frente a mí, esas niñas son muy felices. Y así es cómo yo debería poder abrazarlas ilusoriamente. Ellas no tienen la culpa de que mis ojos estén desbordados de catástrofes. 

Thierry Frémaux (a la derecha del panel) en la charla con
el público posterior a la proyección, en el teatro Auditorium.

lunes, 27 de noviembre de 2017

Proyección de TITO, un film para pensar la televisión argentina


"TITO" es una ficción documental sobre la televisión argentina protagonizada por Luciano Rosso y dirigida por Cristian Loiácono. El film incluye 16 entrevistas a distintos protagonistas del medio y especialistas en comunicación, quienes intentan analizar la televisión como fenómeno cultural y su relación con la vida cotidiana.

La película se proyecta, con entrada libre y gratuita, este miércoles 29 de noviembre a las 18.30 en la sede del PSOE en el microcentro (Perón 940). También se exhibirá en el café "El Gato Negro" (Av. Corrientes 1669) el jueves 7 de diciembre a las 20.30.

Pueden ver el trailer de la película en YouTube.

domingo, 26 de noviembre de 2017

Novena edición de la Semana del Festival de Cannes en Buenos Aires

Por noveno año, el cine Gaumont será sede de la Semana de Cine del Festival de Cannes, que se realizará desde el lunes 27 de noviembre hasta el domingo 3 de diciembre. En paralelo a la muestra de películas se desarrollará Ventana Sur, el primer mercado del cine de América Latina, también organizado por el Festival de Cannes, el Marché du Film y el INCAA. La programación y presentación del ciclo está a cargo de Thierry Frémaux, director general del Festival de Cannes y del Instituto Lumière.

Las localidades se venden de forma anticipada en las boleterías del complejo Gaumont (Av. Rivadavia 1635). La entrada general cuesta 30 pesos, y 10 pesos para jubilados y estudiantes.

Programación:

Lunes 27 de noviembre, a las 20.30
LOVELESS, de Andrey Zvyagintsev (100')
Premio del Jurado 2017

Martes 28 de noviembre, a las 20.30
IN THE FADE, de Fatih Akin (106')
Premio a la Mejor Interpretación Femenina

Miércoles 29 de noviembre, a las 20.30
120 BATTEMENTS PAR MINUTE, de Robin Campillo (140’)
Gran Premio del Jurado 2017
Con la presencia del argentino Nahuel Pérez Biscayart, protagonista del film.

Jueves 30 de noviembre, a las 20.30
GOOD TIME, de Benny & Josh Safdie (100’)

Viernes 1º de diciembre, las 20.30
WESTERN, de Valeska Grisebach (120')

Sábado 2 de diciembre, a las 20.30
REDOUBTABLE, de Michel Hazanavicius (107')

Domingo 3 de diciembre, a las 20:30
120 BATTEMENTS PAR MINUTE, de Robin Campillo (140’)

Para más información, consultar el sitio de Cannes.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata - Anticipo (II)


Volver a los orígenes. Desandar la historia de las imágenes. Sentir sus mutaciones, sus huracanes, sus resistencias. Hallar su impulso vital. Teoría y deseos. Nostalgia y desconcierto. La frescura inaugural, la modernidad reflexiva y la vocación experimental. Tres películas sobre el cine.

Lumière! L'Aventure commence (Francia, 2016) 
Compilación y restauración a cargo de Thierry Fremaux
Sección: Proyecciones Especiales 
“Los hermanos Lumière -escribe Peter Scarlet- han sido universalmente considerados los padres del cine: su primera serie de películas de un solo plano y de menos de un minuto marcaron el primer paso de una revolución artística. Pero pocos espectadores hoy tienen idea de lo increíbles que son estas películas.” En el festival vamos a poder ver esta compilación que presenta 108 de los más de 1400 cortos que realizaron los hermanos Louis y Auguste y sus operadores. El trabajo de análisis y restauración estuvo a cargo de Thierry Frémaux, historiador y actual director del festival de Cannes, quien vendrá a Mar del Plata a presentar la película. Imperdible. 

Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma 
(Francia, 1986) 
Dirección: Jean-Luc Godard
Sección: Panorama – Autores 
Cine que piensa el cine. Es decir: Godard. Siempre atento a las transformaciones tecnológicas y sus inevitables efectos sobre el discurso audiovisual, el realizador francés concibió esta obra “como un manifiesto inquieto y profundo en defensa del cine, frente al avance arrollador de la televisión”, sostienen los programadores en el catálogo del festival. Protagonizada por Jean-Pierre Léaud, la película fue rodada hace tres décadas pero permaneció inédita hasta este año. En Mar del Plata será proyectada en pantalla grande por primera vez en nuestro país. 

Réquiem para un film olvidado (Argentina, 2017) 
Dirección: Ernesto Baca
Sección: Competencia Argentina 
El realizador argentino Ernesto Baca, reconocido por obras experimentales como Cabeza de palo y Samoa, explora en su nuevo film el impacto que le provocó una noticia: Kodak dejó de producir celuloide. ¿Qué consecuencias tiene para el arte del cine la supremacía de la tecnología digital? Según informan los programadores, en esta película el director “intercala elementos biográficos (su vida en Florencio Varela, la relación con su madre, sus maestros, la influencia de Claudio Caldini, y… ¡hasta su propio velorio!) con otros de (ciencia) ficción, en la que el propio Baca aparece como un científico en su laboratorio...”. 
  
Más información en el sitio del festival: http://www.mardelplatafilmfest.com/en/

lunes, 13 de noviembre de 2017

32º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata - Anticipo (I)

En unos días comienza la 32º Edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Luego de recorrer el catálogo y la programación, puede percibirse claramente una reducción en el número de películas que integran la muestra, aunque en lo personal no creo que la cantidad sea un valor en sí mismo. Sí debo decir que lamento mucho la ausencia de todas esas notables películas argentinas -clásicas, modernas o raras- que hasta el año pasado curaba y presentaba Fernando Martín Peña (hoy alejado del festival), un espacio imprescindible para poder descubrir y apreciar la historia de nuestro cine en óptimas condiciones de proyección. Ojalá ese espacio pueda recuperarse, aunque sea en parte, en futuras ediciones del festival.

Mientras tanto, aquí estamos, con muchas ganas de sumergirnos nuevamente en las salas oscuras para nutrirnos de cine. Hay diversos criterios que conviven en la selección que uno hace de las películas, al menos desde el deseo inicial (luego habrá que confirmar si la grilla de horarios y las fechas permiten ver todo lo que uno anhela). En la elección se mezclan la afinidad con un autor, las recomendaciones de otros críticos, la intuición, las apuestas personales e incluso la curiosidad de último minuto que puede despertar una sinopsis del catálogo.Y también están aquellos títulos que, por algún motivo en especial, parecen resonar desde hace meses en mi memoria, pues me llamaron la atención a lo largo del año a través de las distintas coberturas periodísticas de los principales festivales del mundo. Aquí van cinco de esas películas: 

120 battements par minute (Francia, 2017) 
Dirección: Robin Campillo
Sección: Panorama - Autores 
ACT UP fue una organización fundada en 1987 en Nueva York para concientizar sobre la problemática del HIV. Esta película narra las actividades de un grupo de militantes de esa organización en Francia, a principios de los '90. Ganó el premio FIPRESCI en Cannes y cuenta con una interpretación muy celebrada del actor argentino Nahuel Pérez Biscayart, quien viene trabajando en Europa desde hace unos años, y a quien vimos en Grand Central, por ejemplo. El director, Robin Campillo, también escribió junto a Laurent Cantet los guiones de El empleo del tiempo y Entre los muros. 

Visages, villages (Francia, 2017) 
Dirección: Agnès Varda y JR
Panorama: Autores 
Dice el catálogo del festival: “Recorriendo la campiña francesa en una camioneta transformada en un laboratorio fotográfico improvisado, Agnès Varda y el artista callejero conocido como JR se dedican a tomar fotos de personas cuyos rostros no se ven habitualmente en cine. Obreros, ex mineros, mucamas, todos se ofrecen a que sus facciones sean impresas en gigantescas fotografías que forman collages en paredes y fachadas.” A sus 89 años, Varda sigue muy activa, dispuesta siempre a dejarse sorprender por la belleza del mundo para regalarnos obras emotivas y refrescantes. Ganadora del premio al Mejor Documental en el último festival de Toronto. 

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Reino Unido, 2017) 
Dirección: Martin McDonagh
Sección: Panorama - Autores 
Creo que puedo comprar sin dudarlo cualquier película en la que aparezcan Frances McDormand, Sam Rockwell y Woody Harrelson, y resultan que aquí coinciden los tres. La historia tiene como protagonista a una mujer que lleva meses esperando que se haga justicia por el crimen de su hija, hasta que un día decide pintar y colocar tres carteles en los caminos que conducen hasta su pueblo, con un mensaje desafiante dirigido al jefe de policía del lugar. La película ganó el premio al Mejor Guión en Venecia. El realizador es Martin McDonagh, autor de la excelente Escondidos en Brujas

Hannah (Italia/Francia/Bélgica, 2017) 
Dirección: Andrea Pallaoro
Sección: Panorama - Nuevos Autores 
“La historia comienza con Hannah -explica el catálogo del festival- despidiendo a su marido en la cárcel, y continúa con su camino mientras intenta llevar adelante una vida en soledad, enfrentando el desinterés de sus hijos y su entorno, los fantasmas del pasado y el peso ineludible de la angustia y la alienación que una rutina intensa no llega a controlar.” En Venecia premiaron a Charlotte Rampling por su trabajo en este film. Y la verdad es que esta dama enaltece cualquier película que toca.

Una mujer fantástica (Chile, 2017) 
Dirección: Sebastián Lelio
Sección: Competencia Latinoamericana 
Todavía recuerdo el impacto que generó en muchos espectadores la presentación de La sagrada familia en la edición 2006 del Bafici. Aquella inquietante película era la ópera prima de Sebastián Lelio, uno de los realizadores más interesantes que ha dado el cine chileno en los últimos años. Su nuevo film narra el drama que debe afrontar una joven camarera luego de perder a su pareja (y sugiero no averiguar nada más sobre la trama). Una mujer fantástica fue distinguida por su guión en el Festival de Berlín y como Mejor Película Latinoamericana en San Sebastián.


El catálogo y la grilla de programación del festival ya están disponibles en el sitio:http://www.mardelplatafilmfest.com/en/

miércoles, 8 de noviembre de 2017

Tensión y liberación


Por Andrew Sarris*

"La mise-en-scène ophülsiana puede considerarse como el modo más formal de escribir guiones en los que cada escena está tan construida que debe liberar su tensión mediante el movimiento, y cada movimiento debe justificarse por sí mismo, no sólo a través de la psicología dramática de su protagonista, sino también a través de la información sociológica que revela el campo visual durante el movimiento". 

*Fragmento del artículo "Max Ophüls, una introducción", publicado en la revista Film Comment (1971). 

La imagen pertenece al film La ronde, de Max Ophüls.

martes, 7 de noviembre de 2017

Resiliencia


 "Everything falls to dust anyway. 
And yet, you keep making things."

Jonas Mekas

lunes, 6 de noviembre de 2017

Semana Max Ophüls en la Televisión Pública

FILMOTECA dedicará esta semana a presentar cinco de las más destacadas películas del cineasta alemán Max Ophüls, dueño de un estilo tan sofisticado como fascinante, que ha marcado la estética de grandes directores como Stanley Kubrick, Martin Scorsese y Paul Thomas Anderson. Filmoteca se emite de lunes a viernes a la medianoche por la Televisión Pública (Canal 7), con conducción de Fernando Martín Peña y Roger Koza.

Programación:

Lunes 6:
LA RONDA (1950), con Anton Walbrook, Simone Signoret, Simone Simon, Daniel Gelin.

Martes 7:
CARTA DE UNA ENAMORADA (1948), con Joan Fontaine, Louis Jourdan.

Miércoles 8:
EL PLACER (1952), con Claude Dauphin, Gaby Morlay, Madeleine Renaud.

Jueves 9:
MADAME DE… (1953), con Danielle Darrieux, Charles Boyer, Vittorio De Sica.

Viernes 10:
LOLA MONTES (1955), con Martine Carol, Peter Ustinov, Lise Delamare.

miércoles, 1 de noviembre de 2017

Sala Lugones: otra chance para ver grandes estrenos de los últimos años

La Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín ha organizado esta muestra titulada "Una segunda oportunidad", integrada por 15 películas destacadas estrenadas en los últimos años que, por su calidad y la repercusión internacional que cosecharon, merecen volver a verse en las mejores condiciones de proyección. El ciclo se llevará a cabo desde viernes 3 al domingo 19 de noviembre, en Av. Corrientes 1530.

Desde aquí recomendamos especialmente los siguientes títulos:

Las maravillas (Italia/Suiza/Alemania, 2014 – 111').
Dirección: Alice Rohrwacher
Viernes 3, a las 16.30 y 19 

Sieranevada (Rumania, 2016 – 173')
Dirección: Cristi Puiu
Sábado y domingo 5, a las 14 y 18 

El Picasso de Persia (Irán/Francia, 2013 – 96')
Dirección: Mitra Farahani
Lunes 6, a las 19
Jueves 9, a las 16.30 

La maestra de jardín (Israel/Francia; 2013 - 119')
Dirección: Nadav Lapid
Martes 7, a las 19
Jueves 9, a las 19 

El vecino (Rumania/Suiza/Francia/Alemania, 2015 - 93')
Dirección: Radu Muntean
Sábado 11, a las 14 y 19
Domingo 12, a las 16.30 y 21.30 

La luz incidente (Argentina/Francia/Uruguay, 2015 - 95')
Dirección: Ariel Rotter
Sábado 11, a las 16.30 y 21.30
Domingo 12, a las 14 y 19

El tesoro (Rumania/Francia, 2015 - 89')
Dirección: Corneliu Porumboiu
Martes 14, a las 16.30 y 21.30
Jueves 16, a las 19 

La acusación (Court; India, 2014 - 116')
Dirección: Chaitanya Tamhane
Martes 14, a las 19
Jueves 16, a las 19 

Sangre de mi sangre (Italia/Francia/Suiza, 2015 - 106')
Dirección: Marco Bellocchio
Miércoles 15, a las 16.30 y 21.30
Jueves 16, a las 19 

Le nouveau (Francia, 2015 - 81')
Dirección: Rudi Rosenberg
Sábado 18, a las 14 y 19
Domingo 19, a las 16.30 y 21.30

Las localidades podrán adquirirse personalmente, el día de la función, en las boleterías ubicadas en el Teatro San Martín (comienzan a venderse dos horas antes del inicio de cada función). El precio de las entradas es de $40, estudiantes y jubilados $20 (con la acreditación correspondiente). Para conocer más detalles sobre las películas programadas, consultar el sitio del teatro.

domingo, 29 de octubre de 2017

Se acerca la edición 2017 del festival ASTERISCO

Del miércoles 1º al domingo 5 de noviembre se realizará en Buenos Aires la cuarta edición del Festival Internacional de Cine ASTERISCO, una muestra dedicada a la temática LGBTIQ (lesbianas, gays, bisexuales, trans, intersexuales, queers) que apunta a difundir “las diversas y múltiples maneras de ser, de amar y de estar en el mundo; de relacionarse y formar familias, de convivir en equidad y respeto por las diferencias”. 

A lo largo de cinco jornadas, el público podrá disfrutar de una amplia programación de películas y cortos seleccionados por Albertina Carri, Fernando Martín Peña, Leandro Listorti y Diego Trerotola (director del festival), y de una atractiva agenda de actividades especiales.

Uno de los invitados destacados este año es Lionel Soukaz, pionero francés del cine queer, que integrará el Jurado de la Competencia Argentina de Largometrajes y presentará una retrospectiva de su obra, un cine que los programadores describen como “subversivo, impetuoso, enérgico, libertario y experimental”. También habrá un foco dedicado al joven actor y realizador alemán Axel Ranisch, de quien se verán Chicas pesadas (2011) y Ladrón (2013), entre otros títulos.

Por otra parte, el notable periodista Enrique Raab, desaparecido en 1977, será el centro de una sección destinada a recordar “el punto de vista de un pionero de la cinefilia queer para programar una serie de películas que pueden ir de la idolatría de las figuras de Isabel Sarli y Tita Merello hasta una excéntrica defensa del cine publicitario.” La selección de películas incluye a Una mariposa en la noche, de Armando Bo (1977), La morocha, de Ralph Pappier (1958), y La tregua, de Sergio Renán (1974), entre otras.

La nutrida sección “La piel que habito” forma la columna vertebral del festival, combinando algunos rescates y diversas producciones de los últimos años. Dentro de los estrenos podemos destacar Boys for sale, de Itako (Japón), Brothers of the Night, de Patric Chiha (Austria), Casa Roshell, de Camila José Donoso (México/Chile), Gender Troubles: The Butches, de Lisa Plourde (EE.UU.), NOSOTROS, el documental, de Gabriel Rugiero (Argentina), RIU, lo que cuentan los cantos, de Pablo Berthelon (Chile), Trans-Ur, de Sofía Saunier (Uruguay), Out and About, de Koen Suidgeest (Países Bajos), y Ulrike’s Brain, el nuevo trabajo del emblemático Bruce LaBruce (Alemania/Canada).

Dentro de “La piel que habito” también podrá conocerse Eastern Boys, film francés de 2013 del realizador Robin Campillo, quien sorprendió este año en Cannes con 120 battements par minute, en la que se lució el argentino Nahuel Pérez Biscayart. Otro título a tener en cuenta es Detrás del velo, interesante documental canadiense de 1984 dirigido por la canadiense Margaret Wescott, centrado en la histórica lucha de las monjas dentro del universo religioso. Finalmente, recomendamos un rescate: la comedia Señor, ¡usted es viuda! (1971), del director checo Václav Vorlíček.

Las sedes en donde se desarrollará el festival son: 
Malba Cine (Av. Figueroa Alcorta 3415) / Entrada: 60 pesos
Sala Cine.ar Gaumont (Av. Rivadavia 1635) / Entrada: 30 pesos
ENERC (Moreno 1199) / Entrada gratuita
Universidad del Cine (Pasaje Giuffra 330) / Entrada gratuita

Hay muchas más películas y focos para descubrir, así como una importante cantidad de actividades paralelas que pueden consultar el Twitter y la página de Facebook de Asterisco: https://www.facebook.com/festivalasterisco

martes, 24 de octubre de 2017

El Rati Horror Show, de Enrique Piñeyro


“Ya no percibimos la realidad, 
sino la representación televisiva de la realidad”.  

Michael Haneke

“Robar, huir… y matar”. Con este homenaje a Woody Allen Telenoche anunciaba en un videograph la denominada “Masacre de Pompeya”. No importó que aquel famoso film de los ‘70 fuera una comedia y esta noticia fuera una tragedia. “Esta película de horror comenzó…”, rezaba la voz en off del cronista del noticiero, otra obvia apelación a las etiquetas del cine, en cuyas formas nobles pretende escudarse el discurso televisivo. Pero es la pantalla chica la única responsable de parir y modelar cada día el subgénero del morbo policial. “Un grupo de delincuentes”. “Tres malvivientes”. “Un amoral que jugó con la vida ajena”, protestaba Julio Bazán. Los locutores parloteaban sin tener idea de nada. Años después aplaudieron a los jueces por la “condena ejemplar”.

El Rati Horror Show parte de estas imágenes y las edita como si estuviéramos saltando entre fragmentos de YouTube que tocan la misma historia pero están llenos de incongruencias. Las imágenes circulan, pasan, saturan, y como plantea Domènec Font, “traducen una carga pulsional inmediata para la vista o para la manipulación táctil, pero no exigen mayor calado que su evidencia.” (1) Estamos acostumbrados a muchas cosas que no cierran y sin embargo “no nos inmutamos”, como dice el abogado de Fernando Carrera. Cuando Enrique Piñeyro recaló en esas incongruencias, no se limitó a gruñir por “lo mal que está este país, qué cosa”. El Piñeyro-espectador se preocupó, ató los cabos y actuó en consecuencia, porque advirtió enseguida que con la condena a Carrera lo que estaba flagrantemente en juego es la presunción de inocencia, “la piedra angular de la aplicación del Derecho en la Argentina y en la mayoría de los países democráticos”. (2)

En su cuarto film como director, Piñeyro hace una rotunda denuncia contra el sistema policial y judicial, además de exponer la volubilidad mediática cotidiana. Y también hace una película repleta de recursos atractivos que reconstruyen el hecho a la vez que intentan explorar eso que llamamos “percepción”. Una investigación rigurosa y una reflexión sobre la relatividad de lo que creemos ver y oír. Un film gratamente tecnológico que imprime movimiento a las impalpables conjeturas. Un relato que analiza, contrasta y aporta datos mientras nos seduce evocando los trazos de diversos géneros. Climas de ciencia-ficción cuando el film despega en el espacio exterior, cual ojo extraterrestre que aterriza en la Tierra (y los dispositivos ultramodernos de la oficina de trabajo tienen mucho de nave espacial). Pedacitos de western cuando de repente todos se van al campo (western híbrido, en verdad, porque luego veremos a un hombre de color azul en un granero). Un chispazo de humor político a cargo de Tato Bores corona los pasos de comedia cínica ensayados por el realizador-orador-guía y su inefable dicción. Con todos estos cruces, algunos más pertinentes que otros, El Rati Horror Show busca ir más allá del llano informe periodístico, y lo logra, principalmente porque desde el inicio tiene muy claro su objetivo.

Porque el drama de Fernando Carrera no es simplemente un caso alarmante o curioso o potable desde lo cinematográfico. Al asociarlo, en el comienzo del relato, con los asesinatos de Kosteki y Santillán, Piñeyro exhibe una idea de la Historia, eligiendo unir dos hechos supuestamente distanciados para armar una narración, una trama de responsabilidad política que no se agota en el acontecimiento individual. Los medios de comunicación sí, todo lo agotan cuando se “seca” el espectáculo, y si acuden a los antecedentes es sólo para atizar el fuego en vez de ayudar a comprender su raíz. En una era colapsada por los acontecimientos efímeros y olvidables, el film rescata las conexiones de sentido que identifican a una sociedad. Es el cine  el que todavía puede detenerse a hilar y pensar la trama profunda. Claro que la justicia no siempre puede darse el lujo del tiempo.

1 - Domènec Font en su ensayo titulado "Estética del relato audiovisual".
2 - Enrique Piñeyro en un artículo publicado en el suplemento "Radar", de Página/12 (12/09/10).


El Rati Horror Show puede verse completa en YouTube.

lunes, 23 de octubre de 2017

Necesidad de utopía

Por Marc Augé*

“Tenemos necesidad de utopía, no para realizarla sino para tender hacia ella y proveernos así de los medios para reinventar lo cotidiano. La instrucción debe, por sobre todas las cosas, enseñarnos a hacer mover el tiempo para salir del eterno presente fijado por las imágenes en serie, y para hacer mover el espacio, y por ende para movernos en el espacio, para ir a ver lo que pasa cada vez más cerca y no contentarnos con imágenes y mensajes. Debemos aprender a salir de nosotros mismos, de nuestro círculo, a comprender que es la necesidad de lo universal lo que relativiza las culturas y no al revés. Debemos aprender a salir de nuestro universo cultural restringido y promover un individuo transcultural, capaz de interesarse en todas las culturas del mundo y no considerar extraña a ninguna. Ha llegado la hora de una nueva movilidad planetaria y de una nueva utopía de la educación. Pero apenas estamos al comienzo de esta nueva historia que será larga y, como siempre, dolorosa”.


*Fragmento de un artículo titulado “Utopía de la movilidad”, publicado en la Revista Ñ (02/12/08).


La imagen pertenece al film The Visitor, de Thomas McCarthy.