Futuro

El soldadito (Le petit soldat) 

Jean-Luc Godard

El 5 de Talleres: un diálogo con el director Adrián Biniez

Entrevista realizada en el marco del 

Festival de Cine de Mar del Plata, edición 2014.

El 5 de Talleres es una película sobre fútbol pero a la vez es mucho más que eso. De hecho, una de sus mejores escenas no tiene que ver con el deporte sino con la música: “Patón” Bonassiolle (Esteban Lamothe), un futbolista de 35 años a punto de retirarse, entra en una tienda de instrumentos musicales porque quiere comprar una guitarra. De repente escucha que alguien por ahí está tocando un bajo con una pericia notable: quien toca es un chico que no debe tener más de diez años. Patón lo observa con admiración y tristeza al intuir que quizás para él ese camino ya quedó atrás. Tal vez sea demasiado tarde para resucitar su afición por la música. Quizás ya pasó la mejor época para encarar algunas cosas… o quizás no.

¿Qué nos define? ¿Aquel deseo que elegimos seguir cuando éramos adolescentes? ¿Es posible empezar de nuevo cuando sentimos que ya dimos lo mejor de nosotros? El 5 de Talleres es también una película sobre la identidad. Su director, Adrián Biniez, se dedicó a la música antes de abocarse al cine. Nació y vivió en el partido de Lanús hasta los 29 años, y luego se mudó a Uruguay, su país de residencia desde hace una década. Fue ahí donde rodó su ópera prima, Gigante (2009), aunque a la hora de hacer su segundo film decidió volver a cruzar el charco para contar una historia sobre el club de fútbol de su barrio, Remedios de Escalada. Y así llegamos a la presentación de la película en el marco del 29º Festival de Mar del Plata. Allí conversé con el realizador acerca del film.

- Uno de los hallazgos de la película tiene que ver con la frescura que transmite la relación entre los protagonistas, Esteban Lamothe y Julieta Zylberberg, que son pareja en la vida real. ¿Ya conocías su situación cuando los elegiste?

- No, para nada. Primero escribí la película y después empecé a pensar quiénes podrían ser los protagonistas, hasta que en un Bafici vi un corto en donde estaba Julieta y enseguida sentí que tenía que ser ella. Y lo de Esteban surgió después, pero yo no sabía que ellos estaban juntos en la vida real. Nunca pensé que podía llegar a conseguir dos actores que fueran pareja. Ya me gustaban ellos por separado, así que lo que se dio finalmente fue buenísimo. Fue como una revelación.

- Hay un registro muy sutil de los mecanismos cotidianos que hacen a la convivencia. Da la impresión de que te importa más mostrar cómo gravita la pareja en la crisis de un hombre antes de detenerte en las explosiones o las situaciones límite.

- A mí me interesaba mostrar una pareja que no necesariamente estuviera en un momento de crisis. Tenían que tener sus problemas de convivencia, obviamente, como cualquiera, pero no quería mostrar el principio de una pareja ni una crisis final, porque ya lo había visto muchas veces en el cine. Hay muchas de esas películas que son muy buenas, pero no quería contar otra historia de ese tipo. Además, desde el principio, mi consigna fue no agregar otro quilombo más a la trama porque Patón ya tenía suficiente con la cuestión del retiro. Yo quería mostrar una pareja que acompaña. Una pareja unida.

- Es raro, porque continuamente el relato parece prepararnos para ver la gran pelea de la pareja, pero no. Enseguida se reconcilian.

- Eso lo buscamos en el ritmo de la película. Pensamos mucho las elipsis y creo que en la secuencia de Tandil se ve muy bien. Ellos se pelean, se joden, se va cada uno por su lado, pero no es que después viene la típica escena del "puchero”. Hay un corte y al toque ellos ya están arreglados, y no tenés que contar todo para darte cuenta de cómo funciona la cosa. Creo que ahí aparece algo de lo real, porque eso muestra cómo muchos nos manejamos en el día a día. 

- Por otro lado aparece el tema del fútbol. ¿Cómo se fueron integrando estos dos ejes de la trama?

- Desde el principio yo sabía que iba a ser una película sobre una pareja, pero después tuve que buscar el equilibrio porque también es una historia sobre un deportista, y tenía que estar la cuestión personal, la cuestión del grupo y de la comunidad. Encontrar el equilibrio, desde el guión y la edición, tal vez fue uno de los aspectos más complicados. Y otro de los dilemas fue cuántas escenas de fútbol había que incluir, y cuántas le aportaban realmente algo al relato. No es fácil filmar el fútbol, y a la vez nos vimos limitados por una cuestión básica de la trama: al personaje lo expulsan por ocho fechas y entonces, cuando él vuelve a la cancha, ya pasó casi toda la película.

- Creo que la película logra algo muy difícil: narrar una lección de vida sin declamación ni un subrayado en el mensaje. Pero se nota que te interesa mostrar la crisis de identidad de un hombre en la mitad de su vida, y lo que hace para superarla.

- Hay algo que me interesa en la dinámica de él, y es que parece estar "testeando" a todo el mundo, todo el tiempo. Él dice que va a terminar el secundario para ver cómo reaccionan los demás. Parece que no lo va a cumplir, pero finalmente lo hace, y lo mismo pasa con el tema del retiro, cuando dice “Me voy pero no se lo digas a nadie”. Es una forma de tantear a los otros. Creo que esa dinámica le aporta una estructura a la película. Tampoco quería que el desarrollo del guión fuera simplemente cumplir con la premisa, en donde lo único que uno puede esperar es el camino hacia el retiro. Al final él lo hace, sí, pero en el medio tiene dudas y le pasan cosas. Sufre un ataque de pánico mientras está trabajando. Se trata también de ver lo que cuesta tomar decisiones y sostenerlas. 

- Pensando en tus búsquedas como cineasta, ¿cómo sentís esta película en comparación con la anterior?

- A diferencia de Gigante, en esta película estoy mucho menos contenido. En mi primera película hay muchos silencios y acá, por el contrario, hay muchos diálogos. A la hora de filmar no me impuse ningún esquema riguroso -palabra que detesto-, porque lo que quería era probar todo lo que surgiera en el momento de la puesta en escena. Una idea de juego constante.

El 5 de Talleres puede verse completa en YouTube.

Sexta edición del Festival de Cine Coreano

Este jueves 19 de septiembre arranca la sexta edición de HAN CINE, festival que permite conocer -o volver a ver- las mejores películas del nuevo cine coreano. Este año HAN CINE coincide con los festejos por el centenario del cine coreano, por lo cual la muestra se expandirá a la sede Caballito del complejo Cinemark, además de la sede Palermo. La entrada tiene un valor de 150 pesos.

Esta edición incluye un total de 12 películas, entre estrenos y un foco dedicado al gran Bong Joon-ho, ganador de la última Palma de Oro Cannes por su película Parasite. De este autor se proyectarán The Host, Memorias de un asesino y Madre; sólo la primera se estrenó comercialmente en Buenos Aires. Los otros dos títulos son excelentes y sólo se exhibieron en festivales de cine. Ésta será la oportunidad para verlos en pantalla grande.

HAN CINE cuenta con películas de diversos géneros. Además del foco sobre Bong Joon-Ho, en la programación se destaca el intenso drama Hotel sobre el río, del director Hong Sang-soo. Otro de los principales estrenos es 1987, basada en hechos reales y situada en los últimos meses del gobierno militar en Corea del Sur. Otras películas basadas en hechos reales son El diccionario secreto, una historia de resistencia cultural en tiempos de la ocupación japonesa, y Default, que presenta un inquietante escenario de crisis económica en Corea (situación trasladable, obviamente, a muchos otros países). También se podrá ver el film de acción Imparable, con el fornido protagonista Don Lee (recordado por Tren a Busan), y las bélicas La gran batalla y La fortaleza.

Las películas del Han Cine se podrán ver hasta el miércoles 25 de septiembre en la sala 9 de Cinemark Palermo (Beruti 3399), y en la sala 1 de Cinemark Caballito (Av. La Plata 96) con entradas a precio promocional de 150 pesos o chequeras con mayores descuentos. Más información, aquí.

Contacto visual

Nos reconocimos

por el trazado curvo

de nuestros destinos.

Alberto García-Teresa 

 

En las imágenes: Au hasard Balthazar, de Robert Bresson

Señales sin cuerpo

Por Beatriz Janin* 

"El tiempo ha tomado un lugar diferente. No sólo todo es urgencia, sino que en el terreno de las comunicaciones se acabaron los tiempos de espera. Ya nadie espera la llegada de la carta, porque el correo electrónico es inmediato, y esto lleva a que se espere una respuesta también inmediata. Con el WhatsApp uno puede saber si el destinatario del mensaje recibió la información y hasta si la leyó y está escribiendo una respuesta. Se sabe si el otro está o no “conectado”. Y es frecuente escuchar en las/los adolescentes la queja: “Estaba conectado pero no me contestó”. Todo se supone en un “ya ahora”, sin tiempo de reflexión. La urgencia domina la actividad cotidiana y se piensa que todos estamos permanentemente pendientes de los mensajes de los otros. Una cuestión que nos debe llevar a preguntarnos por los efectos en las relaciones humanas de esta conexión permanente con las pantallas. ¿Cuáles son las desconexiones que acarrea? ¿O podremos estar con múltiples relaciones simultáneas? Hay una irrupción del otro que se presenta a través de señales sin cuerpo, como una presencia continua. Esta presencia, ¿conlleva un decaimiento de la fantasía?, ¿resta espacio a la imaginación?"

*Fragmento de un artículo publicado en el diario Página/12 (11/08/15). Ir al texto completo.

Coincido

En una entrevista reciente le preguntaron a Alan Pauls cómo se llevaba con el teléfono celular. Y el escritor dijo esto (impresión con la cual coincido plenamente):

"Es un aparato para comunicarte, no para ir chequeando si existís en el mundo. Es insoportable. Me parece una cultura repugnante. La calidad de vida de las personas se perjudicó mucho. La gente es cada vez más guaranga y descortés. Se preocupan por estar en contacto, conectados, por monitorear a los otros. Es un retroceso total de la humanidad y es catastrófico porque no tiene retorno."

Fragmento de una entrevista publicada en la revista del diario La Nación. Ir al texto completo.

La imagen pertenece a la serie Black Mirror.

Contra la desconexión

“Hay muchas series que están pensadas para que la gente desconecte, para que cuando lleguen a casa cansados del trabajo puedan escuchar algo de fondo mientras cocinan o limpian la ropa, pero yo no quiero hacer esas series. The Wire requiere que el espectador sea paciente y se fije en todos los detalles de la trama para poder entender algo más complejo.”

Esto lo dijo el productor y guionista David Simon en una entrevista publicada hace unos años en este sitio. Allí también señaló que "hay demasiadas series que tienen una buena premisa y arranque y en la segunda temporada hacen lo que no tienen que hacer, adaptar la trama a lo que el espectador quiere".  Por eso, en medio tantas producciones irrelevantes y condescendientes que circulan hoy, desde este espacio nunca voy a cansarme de recomendar la extraordinaria The Wire. Y de paso les recuerdo que la más reciente serie de Simon, The Deuce, también es excelente (está por estrenarse la tercera temporada).

Privilegios del silencio

“El silencio se ha convertido en uno de los grandes privilegios de los cineastas actuales. Hay que luchar por él. Hace que el espectador se concentre en lo que ve. La tecnología va en sentido contrario, prima que cada vez el cine se oiga más fuerte.”

Wim Wenders 
En una entrevista publicada en el diario "El País" (04/04/18). Ir al texto completo.

En la imagen: la inmortal Las alas del deseo (Der Himmel über Berlin).

Septiembre y octubre en el Colegio de Abogados - Preestrenos con entrada gratuita

El Museo del Cine continúa con su ciclo de Preestrenos en el Colegio Público de Abogados de la Capital Federal (Av. Corrientes 1441). Con entrada libre y gratuita, esta actividad -que se desarrolla durante todo el año- permite acceder a material inédito en las pantallas argentinas, exhibido en una sala con excelente calidad de imagen y sonido. Además de programar pre-estrenos, el ciclo también organiza proyecciones especiales: este viernes 27 de septiembre a las 20 se realizará una función en homenaje al crítico de cine uruguayo Jorge Jellinek, fallecido en junio pasado, que fue protagonista de la hermosa película La vida útil, de Federico Veiroj.

Las funciones se realizan todos los viernes a las 20 hs. 
Aquí va la programación: 

Viernes 6 de septiembre 
Mentiras piadosas, de Diego Sabanés (Argentina, 2009)
Función Especial 10° Aniversario. Pablo, el hijo preferido de mamá, viaja a París. Las semanas pasan y nadie tiene noticias de él. La incertidumbre agrava el frágil estado de salud de su madre, por lo que sus hermanos deciden escribir cartas falsas y enviarle regalos. Con Marilú Marini y Claudio Tolcachir.

Viernes 13 de septiembre 
Espero tu (Re)Vuelta, de Eliza Capai (Brasil, 2019) 
Este documental retrata la lucha estudiantil en Brasil en su momento más vigoroso desde la dictadura militar. Está narrado por tres estudiantes que representan puntos centrales del movimiento.

Viernes 20 de septiembre
El reino de la corrupción, de Rodrigo Sorogoyen (España, 2018)
Manuel, un influyente funcionario público, lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, pero unas denuncias lo implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Film ganador de 7 Premios Goya.

Viernes 27 de septiembre 
La vida útil, de Federico Veiroj (Uruguay-España, 2010) 
Un cuarto de siglo ha pasado en la Cinemateca para Jorge, de 45 años de edad, donde se desempeña en tareas de programación y además conduce un programa sobre cine. Pero la crisis de la Cinemateca lo deja sin empleo y Jorge debe adaptarse para sobrevivir... quizás su vínculo con el cine lo ayude en esa tarea. Función Especial en homenaje al crítico Jorge Jellinek.

Viernes 4 de octubre
Rosita, de Verónica Chen (Argentina, 2019)
Lola es una madre joven y ya con tres hijos: Gus, Alejo y Rosita, todos de padres diferentes. Con su madre internada y sin más familia, Lola lucha por sostener a sus chicos y vivir.

Viernes 11 de octubre
La reina del arroz con pollo, de Miguel Bou (Argentina, 2019)
Federico, un joven introvertido de 17 años, abusa en una fiesta de Antonella. Antonella y Federico carecen de apoyo parental, y el abogado de la chica logra encarcelar al muchacho.

Viernes 18 de octubre
El collar rojo, de Jean Becker (Le Collier Rouge, Francia, 2018)
Un héroe de guerra está encarcelado en un cuartel desierto. No muy lejos de allí, en el campo, una joven, agotada por trabajar la tierra, espera. El juez que llega para resolver este asunto es un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra.

Viernes 25 de octubre 
Red de libertad, de Pablo Moreno (España, 2017) 
Protagonizada por Assumpta Serna, este film ambientado la Segunda Guerra Mundial, narra la historia de Helena Studler, quien salvó la vida de miles de prisioneros de los campos de concentración nazis.

La cita es en el salón auditorio del Colegio Público de Abogados (Corrientes 1441, 1º piso). La entrada es gratuita.

Ser mito

"No tengo recuerdos espectaculares. Además, los vacié todos en las películas que he hecho. Los anulé cediéndolos al público. Ahora ya no distingo entre lo que pasó realmente y lo que he inventado."

Federico Fellini

Comienza la séptima edición del FIDBA, con una excelente selección de películas

Este lunes 2 de septiembre arranca una nueva edición del Festival de Cine Documental de Buenos Aires (FIDBA), que viene con un cambio importante: este año se duplicará la cantidad de películas a proyectar al igual que las sedes con respecto a años anteriores. En total son 9 salas en distintos puntos de la ciudad, 9 competencias oficiales y más de 100 títulos en su programación. La muestra se extenderá hasta el 11 de septiembre.

El FIDBA es una plataforma cinematográfica, cultural y artística, enfocada en el cine de lo real, que busca explorar nuevos temas, nuevos abordajes, nuevas geografías, nuevos dilemas. El festival será inaugurado este lunes 2 de septiembre a las 20, en el centro cultural Caras y Caretas (Sarmiento 2037) con la proyección de la esperadísima última película de Agnés Varda, Varda por Agnés, un documental en el cual la realizadora –fallecida en marzo pasado- que da luz sobre su experiencia detrás de la cámara y brinda una visión personal de lo que ella llama "escritura de cine", viajando desde la Rue Daguerre de París a Los Ángeles y Pekín.

El prolífico Raúl Perrone también será parte del nuevo FIDBA con su película Hasta la Muert7, que representa su primera incursión en el cine documental. El film narra la historia de la pareja formada por María y Bonifacio, quienes frente a la desesperanza y el dolor de la realidad, encuentran el sostén mutuo en cada momento compartido.

Aquí abajo detallamos algunas de las películas destacadas por los programadores de la muestra:

Wishing you the same, de Arnaud de Mezama (Francia) 
Homo Botanicus, de Nicolás Van Hemelryck y Guillermo Quintero (Colombia) 
Vida a Bordo, de Emiliano Mazza De Luca (Uruguay) 
Ojo Guareña, de Edurne Rubio (España)
Meu nome é Daniel, de Daniel Gonçalves (Brasil)
A War of Memories, de Bora Lee-Kil (Corea del Sur)
In the mighty jungle, de Caroline Capelle and Ombline (Francia) 
Lembro mais dos corvos, de Gustavo Vinagre (Brasil) 
Una banda de chicas, de Marilina Giménez (Argentina) 
Love is potatoes, de Aliona van der Horst (Países Bajos) 


Este año las sedes del festival son: el Centro Cultural Haroldo Conti, el cine Cosmos, el auditorio Leonardo Favio (Biblioteca del Congreso), el cine Gaumont, el cine Helios (localidad de El Palomar), el centro cultural "Caras y Caretas", la sala del Museo de Arte Moderno, la sala de FADU (UBA), el auditorio del Museo del Cine y el cine Arte Mulitplex de Belgrano. Las entradas deben adquirirse en la boletería de cada sala (en algunos casos las funciones son gratuitas)

Hay muchísimas películas interesantes para descubrir, así como actividades paralelas y charlas a cargo de especialistas. En el sitio web del FIDBA pueden consultar todos los detalles sobre las salas y la programación. Si quieren ver un lista de todos las películas que participan en la muestra, pueden ir directamente acá.

Pedro, el más fuerte de los niños

Ayer, en el marco del Festival de Cine de Venecia, el inmenso Pedro Almodóvar recibió un León de Oro a la trayectoria. La realizadora Lucrecia Martel fue la encargada de dar el discurso en homenaje al maestro español, que comenzó así:

“Estamos hoy reunidos para celebrar a Pedro Almodóvar. 
Uso estas palabras que son las mismas de la misa católica. 
El cine es su religión, lo ha dicho muchas veces. 
El cine corregía lo que la escuela humillaba en él y en muchos niñas y niños. 
Su parroquia fue la sala de cine de barrio. 
En ese altar de luces, de canciones pegadizas, danzaron las divas de todos los tiempos que lo protegieron de la inutilidad moral, como debieran hacer los santos. 
En un reportaje dijiste que seguramente fuiste un niño muy fuerte para soportar la mirada de incomprensión. 
El más fuerte de los niños.”


Aquí pueden leer el texto completo leído por Martel, un poema tan preciso como hermoso.

En este video pueden ver la ceremonia de entrega del premio, que incluye una compilación de imágenes de películas del director, el discurso de Martel y unas palabras de Almodóvar. 

Las necesidad de las olas

"Pienso que el mundo está complicadísimo. Pienso que la máquina de legitimación que es el sistema económico, que tiene su propia moral, es tan poderosa, es tan inteligente, que hace mucho tiempo, creo yo, que el arte no perturba demasiado, no incomoda al orden social. O al menos lo hace en segmentos tan acotados que no genera olas."
 
Lucrecia Martel
En una entrevista publicada en el diario "La Nación" (29/08/19).

Genio

Peter Bogdanovich: ¿Tiene el deseo de ser recordado? 

Alfred Hitchcock: No, no creo. 

Peter Bogdanovich: Quiero decir, ¿piensa en la posteridad? 

Alfred Hitchcock: ¿Qué hizo la posteridad por mí?


Fragmento de una entrevista publicada en el libro Who the devil made it, de Peter Bogdanovich.

Las armas secretas

Por Leopoldo Torre Nilsson*

"Yo no quiero expresar más que mi experiencia humana, no en un sentido limitativo, sino la experiencia contemporánea de las cosas, tal cual yo las he sentido o las voy sintiendo.

Mi único temor es tener perfeccionadas mis armas estilísticas cuando mis experiencias personales estén muy decrecidas. Siento que entre los quince y los treinta años tenía una experiencia emocional quizá mucho más rica que ahora y tenía una especie de mayor aspiración vital por contar cosas. Siento que en la medida que mi oficio estilístico se va perfeccionando, en esa medida mi entusiasmo metafísico por narrar decrece. Mi gran temor es tener unas armas y perder las otras. Hace algunos meses en un momento dado pensé en dejar de trabajar por un año. Quedarme en el no hacer nada justamente para no ser dominado por el trabajo. Eso no es fácil de hacer por razones obvias. Sin embargo es una aspiración y sigue latente en mí."

*Fragmento de una entrevista publicada en la revista Tiempo de Cine (Número 3, octubre de 1960).

Cuando falta la potencia subjetiva...

Por Franco “Bifo” Berardi*

La posibilidad de una liberación de las energías intelectuales y técnicas de la sociedad del paradigma de la acumulación sigue existiendo. Esta posibilitad se encuentra inscripta en el conocimiento y en la creatividad de millones de trabajadores cognitivos dispersos en el mundo, pero vinculados por la red. Consiste en la liberación del tiempo de vida del vínculo con el trabajo asalariado, y la reactivación de las energías afectivas e intelectuales al servicio de la sociedad. Pero falta la potencia subjetiva para actualizar esta posibilidad. Y nadie puede remplazar esta potencia subjetiva, esta solidaridad social. No lo puede lograr la política. Me parece que la política no está a la altura del problema actual. La política es una técnica –o un arte si quieres– que se consolida en la Modernidad gracias a condiciones particulares del sistema comunicacional, que se manifiestan en la facultad de la crítica, de la razón discriminante. Estas condiciones se disolvieron. La razón crítica no es un estado natural de la raza humana, es una modalidad de elaboración que se hizo posible cuando el sistema comunicacional (la prensa, el libro, la formación de una burguesía urbana) lo permitió. La tempestad de mierda que se alimenta de la tecnología en red no permite la formación de la razón crítica, no permite la democracia como actuación libre, voluntaria y eficaz. No creo que exista una salida política a la situación actual, no hay salida democrática de la barbarie nacionalista. La salida –si la hay– la encontraremos en la práctica psicoterapéutica y en la práctica artística: en la reactivación del cuerpo erótico del conocimiento, en el matrimonio del ingeniero con el poeta.

*Fragmento de una entrevista publicada en el diario Clarín. (16/08/19)

La imagen pertenece a la película Código desconocido (Code inconnu), dirigida por Michael Haneke.

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