martes, 22 de agosto de 2017

Vuelve la sala Leopoldo Lugones con "Grandes Clásicos del Cine Francés"

El martes de la semana pasada volvió a funcionar la emblemática Sala Leopoldo Lugones. Esperemos que esta vez sí, luego de tantas frustraciones, podamos disfrutar de este espacio como corresponde. Y la verdad es que el primer gran ciclo programado está a la altura de la tradición de la sala: este viernes 25 de agosto comienza la muestra "Grandes Clásicos restaurados del Cine Francés", integrada por 18 films recientemente restaurados en formato digital 4K -en muchos casos, a partir de sus negativos originales- y enviados especialmente desde París por el Institut Français para la Sala Lugones. Se trata de un estupendo recorrido por el mejor cine francés de todos los tiempos e incluye a la mayoría de sus cineastas fundamentales.

Las películas que integran el ciclo son las siguientes:

Viaje a la Luna (1902), de Georges Méliès
Cero en conducta (1933), de Jean Vigo
Día de fiesta (1949), de Jacques Tati
El desprecio (1963), de Jean-Luc Godard
Pierrot el loco (1965), de Jean-Luc Godard
Madame de... (1953), de Max Ophüls
L'inhumaine (1924), de Marcel L'Herbier
Sombras del paraíso (1945),de Marcel Carné
Los paraguas de Cherburgo (1964), de Jacques Demy
Los 400 golpes (1959), de François Truffaut
Los ojos sin rostro (1960), de Georges Franju
Pickpocket (1959), de Robert Bresson
La reina del hampa (1952), de Jacques Becker
El otro señor Klein (1976), de Joseph Losey
La gran ilusión (1973), de Jean Renoir
Pépé le Moko (1937), de Julien Duvivier
César y Rosalie (1972), de Claude Sautet
La marquesa de O. (1976), de Eric Rohmer


Las entradas podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías ubicadas en el Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). La entrada tiene un costo de 40 pesos (20 pesos estudiantes y jubilados, presentando acreditación). Para más información sobre las películas y los horarios de la programación, consultar el sitio del Complejo Teatral San Martín.

lunes, 21 de agosto de 2017

Tan a lo lejos


Duelen los ojos de soñar tan a lo lejos

la frente de pensar
lo impensable de tanta vida
que no he abrazado,
tanta deuda de lo que no he nacido.


Hugo Mujica
Fragmento del poema "Noche adentro y no duermo".

La imagen pertenece al film El invierno, de Emiliano Torres.

viernes, 18 de agosto de 2017

Recomendación: El auge del humano


Extraña, fascinante y, por momentos, muy perturbadora, la película El auge del humano, de Eduardo Williams, es una de las obras más originales y estimulantes que ha dado el cine argentino en los últimos años. El film se exhibe los sábados de agosto, a las 21, en el Auditorio del Museo Nacional de Bellas Artes (Av. Figueroa Alcorta 2280).

En la función de este sábado 19/08, el director estará presente en la sala para dialogar con el público después de la función. La entrada cuesta 60 pesos. Para más información, consultar el sitio del Museo de Bellas Artes.

lunes, 14 de agosto de 2017

Lo imaginario


Por Nora Merlin*

"En esta época en la que se modificó la incidencia de las prohibiciones, algunos ordenadores culturales sostenidos en la ley del padre perdieron el poder y la centralidad que tenían. Por efecto de esa caída se debilitó la función de la palabra, de la que depende la relación con la verdad, así como el valor de la racionalidad. Para citar algún ejemplo, hoy se naturaliza que un presidente mienta sistemáticamente o que un candidato arme su campaña basándose sólo en el marketing político y los asesores de imagen, prescindiendo casi por completo de un relato coherente, consistente y responsable; se puede faltar a la verdad sin que traiga ninguna consecuencia. Con la depreciación de la palabra, el desarrollo de las nuevas tecnologías y la cibernética, se elevó al cenit lo imaginario como el registro privilegiado en donde se buscan referencias y saberes para orientarse. El poder promueve identificaciones universalizantes: los mismos objetos tecnológicos de satisfacción para todos constituyen un aparente “estado de bienestar”. Estar en la foto significa ser y pertenecer al mundo, la imagen funciona como un GPS que dirige, ordena y opera sobre los cuerpos."

*Fragmento de un artículo publicado en el diario Página/12 (09/03/17). Ir al texto completo.

En la imagen: Claire Underwood (Robin Wright) en la escena que abre la más reciente temporada de House of Cards.

domingo, 13 de agosto de 2017

Trascendentalismos


"A veces pienso que no me entiendes. Pero es que desde aquí se ven las cosas de otro modo. Ya sé que vas a decirme que esto no es lo que tú quieres. Que tenemos que aspirar a más. Que adaptarse a este tipo de vida es como quedarse un poco muerto."



"También debe ser bonito dejarse llevar por el ambiente. Despreocuparse de líos, adaptarse a la partidita diaria con café y puro. Me he hartado ya de andar haciendo siempre el ridículo con nuestros trascendentalismos, cuando tan a gusto se puede estar comiendo y bebiendo bien, como Teodoro y Rafaela, al brasero."



"No lo sé... estoy un poco mareado. Lo que pasa es que... si después de todo, nosotros no aspiramos a otra cosa. Y creo que en el fondo... bueno, yo no sé. No sé si incluso querría, pensándolo bien..."

Fragmentos de uno de los monólogos de Lorenzo (Emilio Gutiérrez Caba) en Nueve cartas a Berta, una de las películas más notables de la historia del cine español, dirigida por Basilio Martín Patino. 

El cineasta murió hoy en Madrid, a los 86 años.

martes, 8 de agosto de 2017

Melancolía y destierro


Mazdak: Creo que me estoy volviendo loco.

Khaled: ¿Por qué?

Mazdak: Ya llevo un año aquí, y no voy ni para atrás ni para adelante. Necesito un trabajo.

Khaled: ¿Qué hacías en Irak?

Mazdak: Era enfermero. Pero mis papeles no sirven aquí. Limpié una estación de subte durante dos meses. Dos meses, y eso fue todo. De todos modos, necesitaría tres trabajos para traer a mi familia aquí. Yo no le aporto alegría a nadie. No puedo ayudarme a mí mismo como para poder ayudar a otros.

Khaled: Pareces feliz y satisfecho.

Mazdak: Finjo. Los melancólicos son los primeros en ser devueltos. Todos los melancólicos son enviados de vuelta. Soy demasiado joven para morir... y no quiero morir todavía.

En la imagen: Sherwan Haji (Khaled) y Simon Al-Bazoon (Mazdak) en la nueva película de Aki Kaurismäki, El otro lado de la esperanza (Toivon tuolla puolen).

Es uno de los mejores estrenos del año. Hay que agradecer que este entrañable cineasta finlandés siga filmando con la modestia y la sensibilidad de siempre. Su obra hoy es más necesaria que nunca.

domingo, 6 de agosto de 2017

Dictum moral


Por José Pablo Feinmann* 

"El nihilismo es autodestructivo, cuando se considera que ya no puede haber causas en las que valga la pena comprometerse. En la frase de Benjamin, él cree que vale la pena mantener su esperanza por los desesperados. Pero él sabe que hay desesperados porque tiene la sensibilidad de recibir ese dolor. Hay muchos que se pertrechan tan bien contra el dolor que ni siquiera lo perciben. No creo en un nihilismo que implique un desdén hacia la vida. La vida es lo primero y conservarla es un dictum moral que implica el compromiso de cada uno contra la violencia, contra la injusticia y contra lo no democrático."

*Fragmento de una entrevista publicada hoy en el diario Página/12. (Ir al texto completo).

La imagen pertenece al excelente film de Ken Loach, I, Daniel Blake.

miércoles, 2 de agosto de 2017

Agosto en el Colegio de Abogados - Preestrenos con entrada gratuita

El Museo del Cine continúa con su ciclo de Preestrenos en el Colegio Público de Abogados (Av. Corrientes 1441). Con entrada libre y gratuita, esta actividad -que se desarrolla durante todo el año- le permite al cinéfilo porteño acceder a material inédito en las pantallas argentinas, exhibido en una sala con excelente calidad de imagen y sonido.

Todas las funciones se realizan los viernes a las 20 hs. Estas son las películas programadas para el mes de AGOSTO:

Viernes 4: 
JULES ET JIM, de François Truffaut (Francia, 1962, 105')
Función especial - Homenaje a Jeanne Moreau
Dos artistas, el austriaco Jules y el francés Jim, están enamorados de la misma mujer, Catherine, desde hace 20 años. Con Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre

Viernes 11: 
MARIO ON TOUR, de Pablo Stigliani (Argentina, 2017, 105')
Mario tuvo todo para triunfar en la música pero fracasó. Hoy se gana la vida cantando canciones de "Sandro" en despedidas de solteras, casamientos y cumpleaños. En su última gira encontrará el éxito que nunca esperó. Con Mike Amigorena, Iair Said, Leonora Balcarce, Rafael Spregelburd.

Viernes 18: 
INTERIORES, de Fito Pochat (Argentina, 2016, 69')
El equipo de producción de un documental, llega al penal de mujeres de Magdalena y propone desarrollar un taller de musicoterapia. Comparten así durante largos meses un espacio de intimidad en donde la música despierta sentimientos que buscan cruzar rejas y muros a través de las cámaras. 

Viernes 25: 
NO TE OLVIDES DE MÍ, de Fernanda Ramondo (Argentina, 2016, 88')
En el verano de 1934, Mateo sale de la cárcel. Vagabundo anarquista, recorre la llanura pampeana con un furgón viejo cargado de gallinas robadas y la ilusión de reencontrar a su gallo, El Rey. Un encuentro casual lo pone frente a Aurelia y Carmelo, dos hermanos en busca de su padre. Mateo decide acompañarlos hacia el Sur. Con Leonardo Sbaraglia, Cumelen Sanz, Santiago Saranite.

La cita es en salón auditorio del Colegio Público de Abogados (Corrientes 1441, 1º piso). La entrada es gratuita.

lunes, 31 de julio de 2017

El granjero (adiós a Sam Shepard)


Días de gloria (Days of heaven, 1978) es mi película preferida de Terrence Malick y es una de las obras más bellas que ha dado el cine en toda su historia. En ella Sam Shepard tuvo su primer papel protagónico. Su personaje no tiene nombre en la película. Lo llaman "el granjero". Posee tierras infinitas. Parece ser el dueño de todos los horizontes. Pero está completamente solo. Y tal como le sucede a Brooke Adams en la ficción, de a poco todos nos vamos enamorando del colono, aun cuando en un principio el relato juega a promover nuestra identificación con su contrincante, el proletario que interpreta Richard Gere (nada menos). Days of heaven no sería tan exacta en su complejidad emotiva si no fuera por esa arrobadora estela de melancolía que el actor supo infundirle a su granjero (y a muchos de sus futuros personajes en el cine). Sam Shepard murió hace unos días y la noticia se conoció hoy. Tenía 73 años.

Jeanne Moreau (1928 - 2017)


sábado, 29 de julio de 2017

Recomendación: Los Globos

 
Este domingo 30 de julio a las 18 hs, en el Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415), se proyectará uno de los estrenos nacionales más atractivos del 2017: Los Globos, ópera prima de Mariano González. 

En la función estará presente el director de la película, en una charla que será coordinada por el crítico Fernando Juan Lima.

domingo, 23 de julio de 2017

Cuarta edición del FIDBA, lo mejor del cine documental, con entrada gratuita

Este lunes 24 de julio comienza la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires (FIDBA), una muestra que busca exhibir las diversas formas en que el cine puede abordar la realidad, a través de una importante y diversa selección de películas y de una serie de actividades relacionadas con la producción, la investigación y la reflexión teórica en el ámbito del género documental. Esta edición se desarrollará hasta el miércoles 2 de agosto y tendrá tres sedes: la Universidad Metropolitana para la Educación y el Trabajo (UMET), la sala Gaumont y el cine Cosmos. En total se proyectarán 45 largometrajes y 30 cortometrajes, procedentes de más de 30 países. La entrada a las funciones y a las actividades es libre y gratuita, excepto un seminario que brindará el documentalista español Ricardo Íscar, que es arancelado y requiere de inscripción previa. Íscar integrará el jurado de la Competencia Internacional.

El festival contará con tres películas de estreno mundial, dos de ellas en la Competencia Internacional de Largometrajes: Actriz, de Fabián Fattore, con Analía Couceyro, y el film libanés Lost Paradise, de Reine Mitri. Además, la película argentina Estilo libre, de los hermanos Juan y Javier Zevallos, tendrá su premiere mundial en la competencia de Óperas Primas. Por otro lado, habrá una sección dedicada a Polonia, que es el país invitado en esta edición. Entre otros títulos, en este foco se verán los trabajos del joven realizador Wojciech Staroń, incluyendo su película Argentinian Lesson, así como una selección del gran cine documental clásico (Maestros de Cracovia), que contiene dos cortos del gran Krzysztof Kieślowski (The hospital y Seven women of different ages). 

Recomendaciones - Sin dudas uno de los títulos imperdibles del festival es la película de apertura: la obra póstuma de Abbas Kiarostami, 24 Frames. Otras películas para tener en cuenta son: El futuro perfecto, de Nele Wohlatz (Argentina), Las cinéphilas, de María Álvarez (Argentina), 66 Kinos, de Philipp Hartmann (Alemania) y El pacto de Adriana, de Lissete Orozco (Chile). 

Sedes: 
Cine.ar - Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635)
UMET (Sarmiento 2037)
Cine Cosmos (Av. Corrientes 2046) 

Para más información sobre las películas programadas y las actividades paralelas, consultar el sitio del FIDBA.

lunes, 17 de julio de 2017

En el centro del mar


Muchas veces pensé
que la paz había llegado
cuando la paz estaba muy lejos
así como los náufragos creen
que ven la tierra en el centro del mar

y luchan más débilmente
sólo para probar
tan deshauciadamente
-como yo-
cuántas ficticias costas
antes del puerto hay


Emily Dickinson
 "Poema 739" (Versión de Silvina Ocampo)

La imagen pertenece a A quiet passion, la excepcional película que Terence Davies le dedicó a la poeta estadounidense. Uno de los grandes estrenos del año.

lunes, 10 de julio de 2017

Fuerza máxima


Por Alfred Hitchcock*

“No filmo nunca un trozo de vida porque esto la gente puede encontrarlo muy bien en su casa o en la calle o incluso delante de la puerta del cine. No tiene necesidad de pagar para ver un trozo de vida. Por otra parte, rechazo también los productos de pura fantasía, porque es importante que el público pueda reconocerse en los personajes. Rodar películas, para mí, quiere decir en primer lugar y ante todo contar una historia. Esta historia puede ser inverosímil, pero no debe ser jamás banal. Es preferible que sea dramática y humana. El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos. Luego, entra en juego la técnica y aquí soy enemigo del virtuosismo. Hay que sumar la técnica a la acción. No se trata de colocar la cámara en un ángulo que provoque el entusiasmo del operador. La única cuestión que me planteo es la de saber si el emplazamiento de la cámara en tal o cual sitio dará su fuerza máxima a la escena. La belleza de las imágenes, la belleza de los movimientos, el ritmo, los efectos, todo debe someterse y sacrificarse a la acción."


*Fragmento del libro “El cine según Hitchcock”, de François Truffaut. 

La imagen pertenece al film North by Northwest.

domingo, 9 de julio de 2017

Las puertas


Un cerrarse de puertas,
a derecha e izquierda;
un cerrarse de puertas silenciosas,
siempre a destiempo,
siempre un poco antes
o un momento demasiado tarde;
hasta que sólo queda abierta una,
la única puntual,
la única oscura,
la única sin paisaje y sin mirada.

Josefina Plá

En la imagen: la gran Elizabeth Moss en "The Handmaid's Tale", una serie extraordinaria.

martes, 4 de julio de 2017

4 de Julio - La masacre de San Patricio, de Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta


Durante la edición 2007 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entrevisté a Juan Pablo Young, co-director junto a Pablo Zubizarreta del documental 4 de Julio - La masacre de San Patricio, que participó en la sección "Memoria en Movimiento" del festival. A continuación reproduzco un artículo originalmente publicado en el sitio cinenacional.com.

En la madrugada del domingo 4 de julio de 1976, cinco religiosos fueron asesinados en una parroquia en el barrio de Belgrano, un hecho oscuro que pasó a la historia como “la masacre de San Patricio”, en referencia al nombre de esta iglesia perteneciente a la sociedad católica de los Padres Palotinos. Los responsables y autores del crimen nunca fueron identificados.

Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta se conocieron cuando cursaban la carrera de cine, y descubrieron que tenían un pasado en común. “Tanto Pablo como yo crecimos en el barrio de Belgrano R, muy cerca de la parroquia”, comenta Young en nuestro diálogo. “Los dos estamos vinculados con el tema de los palotinos por una cuestión familiar, así que nos pareció una buena oportunidad para hacer algo al respecto. Cuando empezamos no sabíamos hasta qué punto el proyecto llegaría a configurar una película, porque al principio teníamos muy poco material”. El resultado, en efecto, es este documental titulado 4 de julio, que a partir de un riguroso clasicismo de género y una sólida investigación consigue recuperar el hecho y emplazarlo en el vértigo de las contradicciones ideológicas que signaron los años ‘70.

“¿Cómo decirle al oprimido que ‘Dios es amor’, cuando todo en su vida diaria expresa una negación del amor en el mundo?”. Este interrogante lo formuló Jon Sobrino, principal propulsor de la "Teología de la Liberación", quien aparece en una escena del film. Se trata de la paradoja central de la ética católica: ¿cómo sostener la fe en un sistema económico que promueve el hambre? ¿Cuál debería ser el rol de la Iglesia en los países postergados? Muchos jóvenes religiosos se lo preguntaron en las décadas de ilusiones revolucionarias, y encontraron un camino en el Movimiento de los Sacerdotes para el Tercer Mundo. 4 de Julio comienza dibujando el convulso contexto histórico, al tiempo que explica cómo llegó la Congregación Palotina desde Irlanda a la Argentina. “Son muchas las líneas narrativas que se abren en la película -explica el director-. Son muchos los personajes y también son muchos los temas que queremos tocar, porque lo que nos importa es mostrar la complejidad de lo que sucedió el 4 de julio. Lo que nos interesaba era partir del relato de este crimen para hacer una reflexión sobre lo religioso. Porque si bien es una película en contra de la jerarquía eclesiástica, no es nuestro objetivo ir contra de la Iglesia”.

Además del imprescindible testimonio de Eduardo Kimel, periodista que estudió el caso en profundidad, el film cuenta con una amplia gama de documentos para ilustrar la narración. “Fue una larga búsqueda de material de archivo, de registro fotográfico, de prensa gráfica, que nos permitió tener mayor cantidad de imágenes para poder hacer la película”, detalla Young, y aclara: “Empezamos en septiembre de 2001 y la terminamos hace unos meses, casi seis años de trabajo, que nos vinieron bien, porque misteriosamente fueron apareciendo un montón de archivos que pudimos incluir en la película. Hasta hace un mes y medio no contábamos con las fotos forenses, por ejemplo, que son impactantes y tienen un efecto dramático muy intenso. Es interesante cómo fuimos encontrando materiales que aparecieron de una manera misteriosa, casi “milagrosa”, me atrevería a decir”.

Las víctimas del terrorismo de Estado fueron los sacerdotes Alfredo Leaden, Pedro Duffau y Alfredo Nelly, y los seminaristas Salvador Barbeito y Emilio Barletti, todos pertenecientes a la Sociedad del Apostolado Católico, Padres Palotinos. En el film, Zubizarreta y Young destinan una tensa secuencia a la reconstrucción de la noche trágica en San Patricio. “Fue un desafío determinar qué hacíamos en la película con el momento del crimen”, confiesa el realizador. “¿Lo mostramos o no? La balacera que se produjo evidentemente fue infernal, porque se calcula que hubo casi 80 disparos sobre cinco cuerpos. Esto hace que el escenario del crimen fuera atroz. La decisión de contarlo fue siempre una duda, hasta que elegimos esta opción: sabíamos que era necesario instalar a los asesinos, darles un cuerpo. Hay un detalle que puede pasar inadvertido: mostramos que uno de los asesinos, cuando entra a la Iglesia, toca el agua bendita y se hace una señal de la cruz en la frente. Para nosotros era muy importante que se supiera que los asesinos eran también católicos. De todas formas, lo que buscamos fue trabajar con el fuera de campo, y no mostrar la balacera ni mostrar los cuerpos, sino solamente exponer las fotos de los cuerpos reales. Si hubiéramos ficcionado esa situación, le habríamos quitado valor al documento”.

La película no desperdicia imágenes de archivo que registran a personajes clave de la época, como el padre Carlos Mujica, o Juan Carlos Aramburu, quien era arzobispo de Buenos Aires en 1976 y representaba la voz oficial de la Iglesia; pero sin dudas el punto fuerte está en los testimonios de las personas que conocieron íntimamente a las víctimas, como el padre Kevin O’Neill (fallecido en 2003), el ex seminarista Jorge Kelly y, especialmente, el ex sacerdote Roberto “Bob” Killmeate, a quien está dedicado el último tramo de la película. Killmeate salvó su vida porque se encontraba en Colombia cuando ocurrió la masacre. Sin embargo, a pesar del peligro que representaba la situación, el cura regresó a la Argentina y continuó sus tareas comunitarias y militantes en el interior del país. Con relación a este elemento narrativo, Young comenta: “Las personas que vieron la película nos dicen que esta parte, en donde contamos la evolución del padre Killmeate, da la sensación de ser una película dentro de otra. Nosotros fuimos claramente conscientes de esto cuando la montamos, porque creemos que esta historia resignifica el sentido de la película”. Efectivamente, lo que permite la épica personal de este hombre es tender un puente entre aquellos años y la actualidad, para probar que el interrogante central sobre la misión del catolicismo en el mundo continúa sin ser acatado por los dueños del poder eclesiástico.


Este documental puede verse completo en YouTube.

domingo, 2 de julio de 2017

Justicia final (Conviction), de Tony Goldwyn


Alguien murió de forma brutal. Lo confirma una cámara que recorre una pequeña casa y sigue los rastros rojos hasta detenerse en un cuerpo cubierto de sangre. Es lo primero que vemos en la película. Inmediatamente después esa cámara hace un paneo sobre una pared cubierta de fotos, dibujos y cartas en las que puede leerse “No me gusta la cárcel”. Alguien escribe desde allí, quizás el hombre que aparece en las fotos. Pero en las cartas las letras son grandotas, redondas, como las de un niño. Tal vez ese hombre antes no sabía escribir. Tal vez aprendió en la misma cárcel. Un solo plano puede resumirlo todo: información, empatía, historia de vida. Es una toma breve y a la vez fecunda. Comunica lo necesario, nos orienta en el relato y enseguida pasa a la siguiente escena. Pronto inferimos cuál es el conflicto de Conviction: una mujer (Hilary Swank) moverá cielo y tierra para que su hermano (Sam Rockwell) recupere la libertad.  El título del film es genial porque combina la idea de la condena (conviction, en su acepción legal en inglés) con la extraordinaria convicción (la certeza) que empuja a la protagonista.

Lo que Justicia final despliega es un cine solidario, con la solidaridad más sincera posible: la que actúa en silencio, ladrillo a ladrillo, como si fuera invisible. Ojo: no me refiero aquí al tema sino a la forma. El tema de la película es la perseverancia. La gracia de la forma pasa inadvertida porque, bueno, es clásica, demasiado “convencional” según el reclamo de muchos críticos para quienes esta película fue apenas un mediano telefilm sólo preocupado por “el mensaje”. Debe ser la ansiedad por lo diferente la que nos impide valorar el trabajo fino del mejor clasicismo, aquel que se apoya en dos columnas esenciales: la discreción y la generosidad. La dirección de Tony Goldwyn destina a cada escena la duración justa, aleja la cámara cuando la intimidad así lo pide, y evita que los protagonistas resbalen hacia el desborde actoral. Al mismo tiempo, el guión -un ejemplo de economía narrativa- va entregando todos los datos que necesitamos para  acompañar desde el afecto la gesta de Betty Anne Waters, sin enroscar la intriga ni especular con el suspenso o las dudas que podría despertar el caso judicial. Crecemos con el personaje plano a plano, aun cuando la montaña empieza a convertirse en interminable cordillera. Por eso decía que se trata de un cine solidario con el espectador, que a partir de un bordado fraternal facilita una experiencia codo a codo con ese otro que habita en la pantalla y que sólo sabe luchar. Una aventura de amor y dignidad ciudadana como las de antes, como las que Frank Capra sabía contar. Claro que hoy la podredumbre del sistema es demasiado grande y obscena, y la esperanza cuesta mucho más. 


Conviction (EE. UU., 2010)
Dirección: Tony Goldwyn
Guión: Pamela Gray
Intérpretes: Hilary Swank, Sam Rockwell, Melissa Leo, Minnie Driver, Juliette Lewis, Peter Gallagher.

viernes, 30 de junio de 2017

Primera edición del festival FICSUR

Mañana, sábado 1° de julio, comienza la primera edición del Festival Internacional de Cine de los Países del Sur del Mundo, festival anfitrión de la Cinematografía mundial con eje en el Sur, es decir, América Latina, África y Oceanía. Los organizadores aspiran a que FICSUR sea “un ejemplo estratégico que pone a la cultura, herramienta fundamental en la construcción de la identidad, como eje de esta integración, en un encuentro internacional de cooperación, intercambio y ventana al mundo.”

De este modo, Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, Paraguay, Perú, Venezuela, Uruguay, Australia, Nueva Zelandia, Egipto, Argelia y otros países convocados, serán los protagonistas de esta muestra, que incluirá diferentes secciones, competitivas y no competitivas, además de actividades y charlas con realizadores, productores, historiadores y críticos de cine. Este domingo habrá una entrevista pública con la actriz brasileña Sonia Braga, invitada exclusiva y madrina del festival.

La directora de la muestra es la realizadora argentina Paula de Luque y los programadores son Paula Félix-Didier, Bernabé Demosi y Leandro Listorti. En esta primera edición, FICSUR tendrá un foco especial dedicado al “Cine y moda”, entendida como “usos y costumbres, modos, valores y tendencias, tanto estéticas como éticas, que aparecen representados en el cine y la cultura de cada país.”

Hay de todo en este festival. En primer lugar, es una gran oportunidad para conocer nuevas obras de cinematografías América Latina a las que resulta difícil acceder de otra manera. Por otro lado, quienes se hayan perdido algunas de las mejores películas argentinas del último tiempo, podrán verlas aquí: El otro hermano, La luz incidente, Como funcionan casi todas las cosas, Refugiado y Mi amiga del parque, entre otras. Más allá de las películas recién mencionadas y de otros estrenos que parecen muy interesantes, recomiendo los siguientes títulos programados: Las vidas posibles, de Sandra Gugliotta, La terraza, de Leopoldo Torre Nilsson, Los fragmentos, de Sylvian George, Apuntes sobre ciudades y vestimentas, de Wim Wenders, y la compilación “Cine publicitario argentino”.

SEDES
UMET (Sarmiento 2037)
CINE.AR Gaumont (Av. Rivadavia 1635)
MALBA (Av. Pres. Figueroa Alcorta 3415)
Alianza Francesa (Av. Cordoba 946)
Museo Nacional de la Historia del Traje (Chile 832)

La entrada en todas las sedes es gratuita, salvo en el Malba, en donde cobran 60 pesos (30 para jubilados y estudiantes). Para más información sugiero visitar el muy completo sitio del FICSUR, en donde podrán descargar el catálogo y la grilla de programación.

martes, 27 de junio de 2017

Genio


Peter Bogdanovich: ¿Tiene el deseo de ser recordado? 

Alfred Hitchcock: No, no creo. 

Peter Bogdanovich: Quiero decir, ¿piensa en la posteridad? 

Alfred Hitchcock: ¿Qué hizo la posteridad por mí?


Fragmento de una entrevista publicada en el libro Who the devil made it, de Peter Bogdanovich.

martes, 20 de junio de 2017

Domicilio desconocido, de Kim Ki-duk*


Texto publicado en marzo de 2009.

Cada tanto, muy esporádicamente, ocurre un pequeño milagro. Hacemos un paneo sin fe por las bateas del videoclub y de repente avistamos ese preciado título del que escuchamos hablar mil veces pero que resultaba inhallable. Pues sí, es cierto: se editó en DVD Domicilio desconocido, uno de los trabajos más notables de Kim Ki-duk, el director surcoreano que comenzó a resonar en el público local a partir de 2004 con el estreno de Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera. Muchos lo asociarán también con Hierro-3 o El arco, que son excelentes pero no dejan de ser productos preciosistas que el realizador concibió cuando ya era una figura solicitada por los festivales internacionales. El ímpetu genuino de su mejor cine -bucólico, brutal, imprevisible- hay que rastrearlo en la primera década de su carrera, en obras como La isla (2000), Bad guy (2002) y la que nos ocupa, que fue rodada en 2001 y es hasta hoy su película más contundente desde el plano político.

Ambientado en los años ’70, el film cruza los caminos de tres jóvenes que sobreviven en medio de la miseria y la alienación en un pueblo rural de Corea del Sur. Cercados por una base militar norteamericana en plena Guerra Fría, los protagonistas deben luchar contra sus instintos básicos en una comunidad desquiciada que perdió todo sentido de la identidad cultural. Ya en la secuencia de apertura, en la que un chico fabrica una pistola de madera con los restos de una caja de municiones del ejército, la película establece su categórica tesis: no hay noción de humanidad capaz de arraigarse en una sociedad organizada para la violencia.


Domicilio desconocido es un drama seco, desolador, de una crueldad por momentos insoportable. Si bien el relato se ubica en un espacio y un tiempo concretos, los personajes parecen deambular por un paisaje posthistórico, como si el apocalipsis ya hubiera tenido lugar, borrando del mapa hasta la más ínfima posibilidad de alegría. Fugarse hacia la demencia se convierte entonces en una opción natural, casi inevitable. Sin el humor negro al que suele apelar para templar sus ficciones, en este film el realizador decidió explorar por primera vez las raíces profundas de la locura social. Los hechos transcurren en una atmósfera enrarecida, con una puesta en escena que parte del realismo sucio para coquetear continuamente con los límites de la abstracción poética.

El cine de Kim siempre es incómodo. Para dar un breve panorama, digamos que en esta historia hay un muchacho que golpea sin piedad a su madre, varios perros carneados y asados para el almuerzo, y diversos elementos punzantes que atraviesan los ojos de los personajes. Aunque así planteado el cuadro es poco tentador, resulta tan arrolladora la potencia plástica con la que el director construye su estilo, tan original y consistente es su mirada, que uno termina seducido por las criaturas pasionales y temibles que habitan ese mundo infernal. Un manojo de dulzura y horror atrapado en un callejón sin salida: eso es el hombre para Kim Ki-duk.


 Domicilio desconocido
(Suchwiin bulmyeong - Corea del Sur, 2001)
Dirección: Kim Ki-duk
Estreno en DVD, editado por Transeuropa



*Artículo publicado previamente en el diario Crítica (13-03-09).

martes, 13 de junio de 2017

La cicatriz de Paulina, de Manuel Legarda

Paulina es una mujer que a la vez es todas las mujeres. Su cicatriz es la firma que deja el Imperio con su poco disimulada voluntad de extinguir a un pueblo que representa un escollo para el próximo saqueo. El ultraje tuvo el aval del gobierno, si bien se implementó a través de un eufemismo conocido como “Planificación Familiar”. En 1996 Alberto Fujimori declaró en el Congreso que era necesario empezar a controlar la natalidad en Perú, razón por la cual lanzó una campaña para educar a la población -campesina, sobre todo- en cuestiones de anticoncepción y salud reproductiva. Pero no había tiempo para educar en serio ni para la concientización a largo plazo. Había que esterilizar a las mujeres lo más pronto posible con el método más práctico: la ligadura de trompas. Los médicos tenían que cumplir los objetivos que pedía el Estado. Más de 250 mil mujeres fueron operadas sin ser suficientemente informadas sobre lo que significaba esa intervención y cuáles serían las consecuencias. En muchos casos ellas y sus maridos fueron directamente perseguidos e incluso sobornados con “futuros beneficios” (alimentos, ropa, juguetes para los chicos) que por supuesto eran pura mentira. Los hombres también tuvieron su “Festival de la Vasectomía”. Sí, leyeron bien.

Poco o nulo cuidado se ponía en las cirugías, porque lo importante era liquidar el trámite con rapidez y en cantidad, aunque en algún caso olvidaran una gasa dentro del útero, o aunque a las pacientes les aplicaran un tipo de anestesia sólo indicada para uso veterinario. Muchas mujeres murieron. Otras enfermaron, contrajeron alergias, hemorragias, llegaron al cáncer. Mientras tanto, en algún lugar de Lima, vemos cómo ciertos señores de traje caro y señoras con vestidos dorados beben champagne en la inauguración de una imponente clínica del Jockey Club. Una chica canta algo de los Beatles animando la fiesta. Ella es rubia, muy muy rubia y de ojos claros. Que quede claro que se trata de otra etnia.

El documental describe cómo se ejecutó este programa de esterilización que contó con el apoyo político y económico de las Naciones Unidas y de la Agencia Internacional para el Desarrollo de EE.UU. Manuel Legarda evita la locución en off y permite que sean los protagonistas quienes expliquen el problema, otorgando mayor espacio a las víctimas y a aquellos que investigaron el caso. Por momentos da la impresión de que en el relato faltan ciertas precisiones, sobre todo a nivel científico, ya que la “campana” de los profesionales responsables aparece demasiado borrosa; pero al mismo tiempo, el realizador sabe que la clave aquí es el cuerpo de las madres lastimadas. Ellas sufren. Necesitan remedios que no pueden comprar y, aun con enormes dolores, tienen que ir a trabajar para traer el pan a casa. Por eso entregan tanto los primerísimos primeros planos de los rostros femeninos: no hay verdad más grande que esos ojos desesperados.

Quisiera señalar un hallazgo que llega al final, cuando ya corren los créditos y sólo se escucha una voz perdida por ahí. Es una de las madres entrevistadas en el film, una mujer que vive en la absoluta marginación, a quien han despojado de todo, incluso violando su cuerpo, el cuerpo por el que ahora llora y reclama. Ella confiesa que ante la carencia de dinero pensó en la posibilidad de "vender un riñón", pero su médico le dijo que no, que sería una injusticia después de todo lo que le había pasado. Siniestra paradoja. Dado que estamos frente a un cuerpo colonizado, mejor será cotizarlo por piezas. Es probable que ella ya se considere íntimamente muerta.

Este texto fue publicado hace unos años en el marco de la edición 2011 del Festival Internacional de Cine Político (FICIP), en donde se exhibió La cicatriz de Paulina. Hoy el documental puede verse en YouTube.

domingo, 4 de junio de 2017

Ficción y creación


Por Don DeLillo*

"La ficción es diferente porque puede explorar cómo los hechos históricos afectan la vida interior de las personas. La ficción crea un lenguaje para la vida interior y un novelista puede rastrear cómo los personajes se sienten ante un acontecimiento importante, sus sentimientos de pérdida y de dolor, sus frustraciones e incluso sus sueños. Son temas que a los periodistas o a los historiadores les costaría mucho explorar. Entonces, de una curiosa manera, la ficción no es más verdadera ni honesta que el periodismo o la historia, pero entra en lo desconocido de un modo que está cerrado para otros géneros."

*Fragmento de una entrevista publicada en la revista "ADN Cultura", del diario La Nación (23/02/2008). Ir al texto completo.

La imagen pertenece al film Cosmopolis, de David Cronenberg, basado en la novela homónima de DeLillo.

viernes, 2 de junio de 2017

El extraño

Por Alfred Hitchcock*

"Si la vida me hubiera dado la oportunidad de elegir, habría sido como Cary Grant, alguien a quien todo sentaba bien, y me habría permitido algunas fantasías en el vestir, un impermeable a lo 39 escalones cubriéndome la espalda, un cárdigan de cachemir beige echado despreocupadamente sobre los hombros o, mejor aún, anudado alrededor de la cintura, si la tuviese.

Algunos escritores afirman que Cary Grant es mi alter ego en la fantasía. Tonterías. Cuando me miro al espejo, no veo a Cary Grant. Me miro al espejo lo mínimo indispensable, porque la persona que me devuelve la mirada siempre me ha parecido un extraño cuya apariencia no se ajusta en absoluto a mi forma de sentir. Un completo extraño, pero que, de uno u otro modo, insiste en presentarse ante mí cuando me coloco frente al espejo."

*Citado por Charlotte Chandler en "Sólo es una película. Alfred Hitchcock, una biografía personal". (Ed. Ma Non Troppo).

jueves, 1 de junio de 2017

Ciclo de Preestrenos en el Colegio de Abogados, con entrada gratuita

El Museo del Cine continúa con su ciclo de Preestrenos en el Colegio Público de Abogados (Av. Corrientes 1441). Con entrada libre y gratuita, esta actividad -que se desarrolla durante todo el año- le permite al cinéfilo porteño acceder a material inédito en las pantallas argentinas, exhibido en una sala con excelente calidad de imagen y sonido.

Todas las funciones se realizan los viernes a las 20 hs. Estas son las películas programadas para las próximas semanas:

Viernes 2 de junio:
Los Ganadores (Argentina, 2016, 78')
Dirección: Néstor Frenkel

Viernes 9:
Bagdad Café (Alemania, 1987, 108')
Dirección: Percy Adlon
Función Especial, celebrando los 30 años de su estreno (Gentileza del Goethe - Institut).

Viernes 16:
La muerte de Marga Maier (Argentina-Brasil, 2016, 95')
Dirección: Camila Toker

Viernes 23:
La Scelta (Italia, 2015, 86')
Dirección: Michele Plácido

Viernes 30:
Un suelo lejano (Argentina, Paraguay, 2016, 93')
Dirección: Gabriel Muro

Viernes 7 de Julio:
Lantec Chaná (Argentina, 2017, 61')
Dirección: Marina Zeising

Viernes 14:
El portón de los sueños  (Paraguay, 1998, 87')
Dirección: Hugo Gamarra Etcheverry
Función Especial - Centenario de Augusto Roa Bastos (1917-2005)

La cita es en salón auditorio del Colegio Público de Abogados (Corrientes 1441, 1º piso). La entrada es gratuita.

lunes, 29 de mayo de 2017

Llega una nueva edición del Festival de Cine de Derechos Humanos.

Este miércoles 31 de mayo comenzará una nueva edición del El Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires (FICDH), que se desarrollará hasta el 7 de junio en diferentes salas y centros culturales de la ciudad. Movilizado por el lema “Nuestro cuerpo, nuestro territorio”, este año el festival hará foco en la problemática de género, con una programación que exhibirá cerca de cien obras de diversos formatos y géneros, combinando cortometrajes, largometrajes, documentales, ficciones, animaciones y reportajes, tanto nacionales como internacionales. 

Como todos los años, además de las películas el espectador encontrará una nutrida oferta de talleres, muestras fotográficas, charlas y actividades paralelas, entre las que sobresale la visita de Jorge Sanjinés, quizás el más importante realizador boliviano de la historia, quien acompañará el estreno de su película "Juana Azurduy, guerrillera de la Patria Grande" y ofrecerá un taller especial de cuatro clases. 

En 2017 el FICDH alcanza sus 20 años de trayectoria, y a modo de festejo está prevista una retrospectiva que contempla una selección de títulos destacados y laureados en los 20 años del festival y cuyos temas siguen siendo pertinentes en la actualidad.

Las sedes de exhibición previstas para esta edición son:

Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635)
Alianza Francesa (Av. Córdoba 946)
Cine Cosmos (Av. Corrientes 2046)
 Espacio Memoria (Av. del Libertador 8151).
Centro Cultural Paco Urondo (25 de Mayo 201)
Centro Cultural Haroldo Conti (Av. del Libertador 8151)


Recomendamos visitar el muy completo sitio web del festival para conocer todos los detalles sobre las películas de la muestra, programación, horarios y actividades paralelas.

viernes, 26 de mayo de 2017

Nuevas texturas


Por Jorge Carrión*

“Los mundos creados por las teleseries comienzan in media res, en el momento de crisis (de cambio) en que se inician todos los grandes relatos. No hay introducción. No hay previously on. No hay dramatis personae. El episodio piloto retrata a los personajes profesional y familiarmente, con su máscara (lo que quieren representar) desencajada, súbitamente violentados. Se ofrece tal como es a las pupilas del espectador, mediante cámaras que vacilan sobre el hombro del camarógrafo, en planos que vibran, a través de texturas que parecen sucias, en planos fijos que emulan los de las cámaras de seguridad. (…) Todo se retrata con la misma ilusión de verdad que encontramos en un documental y en el cine que ha incorporado su estética. Porque las teleseries persiguen la creación de un mundo. Sellan desde su inicio un pacto con el telespectador para que éste asuma que lo que está viendo es tan real y tan ficticio como la vida misma. Un mundo paralelo al que relacionarse desde la adicción.”

*Fragmento del estupendo libro “Teleshakespeare. Las series en serio”. (Editorial Interzona, Buenos Aires, 2014) 

Las imágenes pertenecen a Bloodline, serie de Netflix creada por Glenn Kessler, Todd A. Kessler y Daniel Zelman. La serie es excelente en muchos aspectos, aunque creo que lo que más me fascina es la lúcida extrañeza -a veces cercana a la abstracción- que infunden muchos de sus encuadres. 

Hoy se lanzó la tercera temporada de Bloodline. Veremos a dónde nos lleva esta vez la historia de la familia Rayburn.

martes, 23 de mayo de 2017

Llega un nueva edición de EPA Cine - Festival de Cine de El Palomar

Con la proyección -con entrada gratuita- del film The Dreamed Ones, de Ruth Beckerman, arrancará este miércoles EPA CINE, el Festival Internacional de Cine Independiente de El Palomar, una muestra que empieza a consolidar su espacio con esta segunda edición.  

EPA Cine nació el año pasado con el fin de descentralizar la difusión cinematográfica y crear un espacio de exhibición audiovisual en la zona oeste del Gran Buenos Aires, por eso representa una gran oportunidad para alentar el desarrollo cultural en este lugar de la provincia. La muestra se extenderá hasta este domingo 28 de mayo. La sede central es el Cine Teatro Helios, ubicado en Ciudad Jardín (Bv. General San Martín 3076), una sala que fue recuperada hace unos años y renovada para fomentar un punto cultural de referencia en el barrio (tiene una capacidad para 349 personas). El festival cuenta además con una segunda sala, dentro del mismo complejo del Helios, en la que se ofrecerán charlas, seminarios y otras actividades gratuitas y abiertas a la comunidad en general.

El festival está integrado por una sección competitiva, un panorama internacional de largometrajes, una muestra de cortometrajes argentinos, una selección de trabajos experimentales, un foco de cine infantil y una retrospectiva dedicada al cineasta rumano Corneliu Porumboiu. También habrá tres funciones especiales: la exhibición de El habilitado, de Jorge Cedrón; una función de trasnoche donde se verá el celebrado film coreano The Wailing; y una proyección especial con música en vivo de la emblemático documental Nanook, el esquimal (1922), de Robert Flaherty. 

Detallo aquí abajo los títulos programados en la Competencia Internacional de Largometrajes, que incluye una película extraordinaria: La permanence. 

- La permanence, de Alice Diop (Francia)
- Ama-San, de Cláudia Varejão (Portugal, Suiza) 
- La última Navidad de Julius, de Edmundo Bejarano (Bolivia) 
- By the time it gets dark, de Anocha Suwichakornpong (Tailandia, Francia, Países Bajos, Qatar) 
- Borrá todo lo que dije del amor porque no sabía bien quién era, de Guillermina Pico (Argentina) 
- King of the Belgians, de Peter Brosens y Jessica Woodworth (Bélgica, Países Bajos, Bulgaria) 
- All the cities of the north, de Dane Komljen (Serbia, Bosnia & Herzegovina, 
Montenegro) 

Las entradas para las funciones tendrán precios accesibles, incluyendo proyecciones con entrada gratuita. Para más detalles sobre el festival, la programación y las actividades pararelas, pueden consultar la página de Facebook del festival y el sitio oficial, en donde encontrarán el catálogo.

lunes, 22 de mayo de 2017

Milímetros


No tenerte; sentirte
a unos milímetros, a unos
pasos de la realización total. 

Alberto García-Teresa

 La imagen pertenece a The Beguiled
gran película de Don Siegel.

viernes, 12 de mayo de 2017

Estreno imperdible: Los Relocalizados


Traten de ver este excelente documental dirigido por Darío Arcella. Los protagonistas son los vecinos del barrio Ramón Carrillo, de Villa Soldati, donde hace 25 años se instalaron 600 familias que vivían en el Albergue Warnes. Hoy la situación del barrio es desesperante. Esta película retrata las historias y urgencias de sus habitantes con sensibilidad, precisión narrativa y un notable ensamblaje de testimonios y material de archivo.

Los Relocalizados estará en cartelera en el cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635) entre el jueves 11 y el 24 de mayo. Esta semana puede verse en dos funciones: a las 12.10 y a las 19.50 (el martes 16 se suspende la función de las 19.50).

La entrada general tiene un costo de 30 pesos (10 pesos para estudiantes, jubilados y docentes).

martes, 9 de mayo de 2017

sábado, 6 de mayo de 2017

Manchas en la pared


Antes que caiga la noche total
Estudiaremos las manchas en la pared:
Unas parecen plantas
Otras simulan animales mitológicos.

Hipogrifos,
dragones,
salamandras.

Pero las más misteriosas de todas
Son las que parecen explosiones atómicas.

En el cinematógrafo de la pared
El alma ve lo que el cuerpo no ve:
Hombres arrodillados
Madres con criaturas en los brazos
Monumentos ecuestres
Sacerdotes que levantan la hostia:

Órganos genitales que se juntan.

Pero las más extraordinarias de todas
Son
sin lugar a dudas
Las que se parecen a explosiones atómicas.


Nicanor Parra


La imagen pertenece al film Dawson City: Frozen Time, notable documental de Bill Morrison visto en el último BAFICI.

miércoles, 3 de mayo de 2017

Ciclo de Cine Andino en el Gaumont, con entrada gratuita

Del 4 al 10 de mayo se exhibirán con entrada gratuita en el Cine Gaumont un conjunto de películas representativas del cine independiente de los países que participan del Festival Internacional de Cine de las Alturas que se lleva a cabo en la provincia de Jujuy. Los títulos programados son Sol Piedra Agua (Bolivia); Rosa Chumbe (Perú); Lo que no se perdona (Argentina); El abrazo de la serpiente (Colombia); Desde allá (Venezuela); Alba (Ecuador, México y Grecia) y El cordero (Chile).

El objetivo de esta muestra es promover la exhibición de producciones audiovisuales de los países andinos y enriquecer el intercambio y la difusión del cine producido en esta parte del continente. La primera exhibición de este ciclo se realizó el mes pasado en Colombia, en donde el público asistió con entusiasmo a las funciones. Ahora llega a Argentina y en los próximos meses seguirá recorriendo los países de la región. 

Todas las películas se proyectarán a las 19 horas en la sala Gaumont (Av. Rivadavia 1635). La entrada es gratuita. 

Programación: 

Jueves 4 de mayo 
Alba, de Ana Cristina Barragán (Ecuador/México/Grecia, 2016) 

Viernes 5 de mayo 
Lo que no se perdona, de Cristian Barrozo (Argentina, 2015) 

Sábado 6 de mayo 
El abrazo de la serpiente, de Ciro Guerra (Colombia, 2015) 

Domingo 7 de mayo 
Rosa Chumbe, de Jonatan Relayze (Perú, 2015) 

Lunes 8 de mayo 
El cordero, de Juan Francisco Olea (Chile, 2014) 

Martes 9 de mayo 
Sol Piedra Agua, de Diego Revollo (Bolivia, 2016) 

Miércoles 10 de mayo 
Desde allá, de Lorenzo Vigas (Venezuela, 2016) 

Para más información, consultar el sitio del Festival Internacional de Cine en las Alturas.