lunes, 23 de octubre de 2017

Necesidad de utopía

Por Marc Augé*

“Tenemos necesidad de utopía, no para realizarla sino para tender hacia ella y proveernos así de los medios para reinventar lo cotidiano. La instrucción debe, por sobre todas las cosas, enseñarnos a hacer mover el tiempo para salir del eterno presente fijado por las imágenes en serie, y para hacer mover el espacio, y por ende para movernos en el espacio, para ir a ver lo que pasa cada vez más cerca y no contentarnos con imágenes y mensajes. Debemos aprender a salir de nosotros mismos, de nuestro círculo, a comprender que es la necesidad de lo universal lo que relativiza las culturas y no al revés. Debemos aprender a salir de nuestro universo cultural restringido y promover un individuo transcultural, capaz de interesarse en todas las culturas del mundo y no considerar extraña a ninguna. Ha llegado la hora de una nueva movilidad planetaria y de una nueva utopía de la educación. Pero apenas estamos al comienzo de esta nueva historia que será larga y, como siempre, dolorosa”.


*Fragmento de un artículo titulado “Utopía de la movilidad”, publicado en la Revista Ñ (02/12/08).


La imagen pertenece al film The Visitor, de Thomas McCarthy.

viernes, 20 de octubre de 2017

Cuestión de prinpicios (adiós a Federico Luppi)


Hoy murió Federico Luppi. 
Desde aquí lo recordamos con esta reseña de una película protagonizada por él. (El texto fue publicado en este espacio en 2009).

Confesémoslo: uno sabe qué busca cuando entra a ver Cuestión de principios. No pretendemos gran vuelo estético ni un ritmo que acelere el corazón. No queremos una trama que nos complique la existencia, más bien todo lo contrario: en estas películas necesitamos que el hombre común triunfe, que nos mientan un poco, que nos digan que la dignidad todavía puede ser narrada. Si no quedaran sobre la tierra señores que marquen la diferencia como Adalberto Castilla (Federico Luppi), esa mancha blanca sobre la monotonía de la corrupción, ya nadie contaría estas historias. Porque no habría conflicto entre las llamadas "motivaciones dramáticas": todos los personajes serían malos, obsecuentes, pusilánimes, vendidos, arbitrarios. En Luppi buscamos a un cómplice, alguien que nos tire alguna certeza, de la misma manera que su personaje recurre a un amigo de la juventud para no sentirse tan solo en medio de la perfidia reinante.

Pero se equivoca. El otrora revolucionario Guido (Oscar Alegre) ahora viste camisa salmón, luce pulsera de oro y bebe un whisky mientras increpa: “¿De qué te sirven los principios? ¿Pensás que a alguien le importa?”. Aunque el dilema no es nuevo, es interesante observar cómo el relato lleva a que el ideal del viejo Castilla se vaya disipando hasta perder relevancia, a puro azote de los otros ideales, menos románticos pero más prácticos y redituables. Que la disputa entre Luppi y su jefe (Pablo Echarri) gire en torno de una simple revista sirve para remarcar lo simbólico del asunto: más allá del objeto en sí mismo, esto es una pulseada entre la integridad moral y la soberbia del poder.

Un discreto celofán costumbrista envuelve este guión escrito por el realizador Rodrigo Grande junto a Roberto Fontanarrosa, autor del cuento original, cuya impronta brilla principalmente en los diálogos que nutren la película, intercambios en donde el protagonista muchas veces intenta justificarse a sí mismo ante los demás. Fontanarrosa sugiere que solamente somos en la medida en que nos narramos frente a los otros, una idea compleja y central para esta historia: Castilla no sería nada sin la anécdota. Si tuvo una conducta admirable, no le alcanza con guardársela y seguir viviendo. Él muere por contarla, ponerla en escena, colorearla y exagerarla ante familiares y amigos. Tal vez ya no existan los mentados “principios”: lo único que queda es una búsqueda desesperada de cariño.

Es una pena que en su último tramo la película no consiga montar una resolución convincente del conflicto, como también resulta incómodo el trazo grueso que el director propina a la esposa del protagonista, interpretada por Norma Aleandro. Tanto el escepticismo relativista como la misoginia parecen ser dos lastres insalvables en cierta forma de concebir la “argentinidad”.

Por fortuna, siempre habrá un Federico Luppi. Gigante. El abuelo de ojos cansados y enojados, ojos que de un segundo a otro pueden explotar de ternura. Hay una imagen que vale la película toda: cuando Luppi se mira en el espejo del ascensor, tratando de imitar la sonrisa de Sean Connery porque una joven y bella colega le ha dicho al viejo Castilla que tiene un aire al actor de James Bond. Esa es la argentinidad que ennoblece. Eso sí que es un momento de cine puro que no tiene precio. 



Cuestión de principios puede verse completa en YouTube.

Santiago nos mira


"La sangre de Santiago no será negociada por los que seguirán y seguiremos luchando contra el ceogobierno de hambre, entrega, deuda, miseria y represión. Muy tranquilo y callado, especialmente serio, Santiago Maldonado nos mira como sintiendo pena por nosotros, los que aún estamos vivos."

Luis Gruss

(Fragmento de un texto publicado en el blog Suspendelviaje)

jueves, 12 de octubre de 2017

Comienza una nueva -y excelente- edición del DOC Buenos Aires

Hoy comienza la 17º edición del DocBuenosAires, edición que vuelve a recuperar a la Sala Lugones como emblématica sede y que tiene una programación que se anticipa como una de las más estimulantes de los últimos años. El festival reúne a las mejores producciones nacionales e internacionales del cine documental de creación. A través de las diversas secciones de la programación, este encuentro buscar introducir al público local en las nuevas tendencias y las distintas formas de escritura dentro del género, además de revisar la obra de realizadores ya consagrados.

Esta noche se inaugura el DocBuenosAires con la proyección del film Hijas del Fuego (Filles du feu), que será presentado por el antropólogo y cineasta francés Stéphane Breton, que es el invitado especial de esta edición, que ha programado una retrospectiva de su obra. “Breton viene trabajando la imagen -informan los programadores- desde sus inicios como realizador, con el propósito de aportar su mirada sobre quienes viven en los más variados rincones del planeta, retratando así la vida humana en sus múltiples formas y condiciones.” El realizador ofrecerá una master class con entrada libre en la Aliaza Francesa, este viernes 13 de octubre a las 18.30.

Otro foco importante es el dedicado al director Jean Rouch, principal referente del cinéma-verité francés. En homenaje al realizador a cien años de su nacimiento, el festival ha programado una selección de cinco trabajos que recorren la diversidad de temas que abordó a lo largo de su vida, incluyendo una serie de cortos y también sus clásicos Crónica de un verano y Yo, un negro.

El realizador Gustavo Fontán será otro de los protagonistas de la muestra, ya que aquí podrá conocerse su "Trilogía del lago helado", integrada por tres nuevos ensayos cinematográficos: Lluvias, El estanque y Son en un patío vacío. Los otros estrenos argentinos programados, con propuestas realmente interesantes, son: La intimidad, de Andrés Perugini; Inconsciente, de Lucas Turturro; Cámara oscura, de Javier Miquelez; Los árboles, de Mariano Luque; y Open doors, de Pavel Marcano.

El crítico y docente Eduardo A. Russo será el encargado de presentar la serie "Los niños de Golzow" (1961-1980), dirigida por Barbara y Winfried Junge, un proyecto audiovisual de larga duración que retrata más de 15 años de la vida de un grupo de estudiantes de Golzow, al separarse tras la construcción del Muro de Berlín. La sede será el Centro Cultural San Martín.

Por otro lado, la sección “360º y realidad virtual” reúne una serie de creaciones que invitan a la reflexión sobre las potencialidades que esta alternativa tecnológica ofrece para los realizadores audiovisuales. Como sostienen los programadores, “poner en contraste la pantalla gigante de un cine tradicional con unos dispositivos o lentes especiales de VR para visualizar este tipo de contenido ha implicado un acto transgresor dentro de la industria cinematográfica. Cada día son más los documentalistas que incorporan estas tecnologías para desarrollar sus proyectos.” Podrán verse películas en este sistema provenientes de Colombia, España, Estados Unidos, Israel, México y Suiza.

Desde este espacio destacamos especialmente tres títulos imperdibles: Hamlet en Palestina (Francia/Alemania), de Nicolas Klotz (director de la genial La cuestión humana), Mama Colonel (Francia/Congo), de Dieudo Hamadi, y Entre fronteras (Israel/Francia), de Avi Mograbi.

Sedes

Cine.ar Gaumont (Av. Rivadavia 1635)
Sala Leopoldo Lugones (Av. Corrientes 1530)
Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1562)
Alianza Francesa de Buenos Aires (Av. Córdoba 946)
MACBA (Av. San Juan 328)
Universidad del Cine (Pasaje Giuffra 330)

En la Lugones, el CC San Martín y el Gaumont la entrada general tiene un costo de 40 pesos. en la Alianza Francesa, la Universidad del Cine y el MACBA la entrada es gratuita.

Para conocer todos los detalles sobre el 17º DocBuenosAires, pueden consultar la página oficial, en donde encontrarán la grilla de programación y las indicaciones para anotarse a los seminarios y actividades paralelas.

miércoles, 11 de octubre de 2017

...donde morir de carne


Hay hombres en los que gime dios
por no encontrar un hombre
donde morir de carne,

pero no llora como quien lo hace
solo,
llora como quien llora abrazado a un niño.

Hugo Mujica
Fragmento del poema "Hay perros que mueren de la muerte de su amo"

La imagen pertenece al film La permanence, de Alice Diop.

viernes, 29 de septiembre de 2017

Hay que ir a ver ZAMA


La esparídisima nueva película de Lucrecia Martel es una obra fascinante. Hay que vivirla a pleno, con todos los sentidos, en una buena sala. Hay que ir a verla este fin de semana y ayudar a que permanezca en cartelera.

Y la verdad es que Zama se estrenó en una fecha ideal, ya que este domingo comienza la "Semana del Cine Argentino" y durante cuatro días las entradas para las películas nacionales en cartel costarán sólo 35 pesos. Los cines adheridos son los complejos Cinemacenter, Atlas, Cinemark, Multiplex, Hoyts, Showcase y Village, así como los Espacios INCAA (hoy Cine.ar) de todo el país y varias salas independientes. 

Para obtener más información sobre la Semana, pueden consultar el sitio del INCAA.

domingo, 24 de septiembre de 2017

Me gritaron Negra


Gracias a esta entrevista a Lucrecia Martel llegué a 
este maravilloso video/poema/canción/
manifiesto político/gloria/liberación 
de Victoria Santa Cruz, disponible en YouTube.

lunes, 18 de septiembre de 2017

La hora secreta del cielo


Candela en mano, fui a la cocina abandonada.
Encendí el fuego. Busqué mi pavita y preparé mate.
Lo sorbí despacio, sentado en una banqueta ante la puerta de la cocina.
Era la hora secreta del cielo: cuando más refulge porque los seres humanos duermen y ninguno lo mira.
Tan despejado como el universo celeste estaba yo.
Pensé en Marta, sin pena.
El pasado era un cuadernillo de notas que se me extravió.

Antonio Di Benedetto - "Zama"

domingo, 17 de septiembre de 2017

El planeta de los simios: (R) Evolución, de Rupert Wyatt



“El decir «No» es una de las declaraciones más importantes que un individuo puede hacer. A través de ella asienta tanto su autonomía como su legitimidad como persona y, por lo tanto, es la declaración en la que, en mayor grado, comprometemos nuestra dignidad.”

Rafael Echeverría (Ontología del lenguaje)


Dentro de las diversas clases de evoluciones auscultadas por la película, quisiera detenerme en una, la que involucra directamente al arte narrativo: la evolución dramática. Porque hay un camino que conduce a ese No trascendental, ese manifiesto político que nos deja atónitos, con la ovación en la sangre, con toda nuestra fe abalanzada sobre la inminente revolución. Antes de llegar ahí, el guión no dudó en dedicarle todo el tiempo necesario a la progresión de un alma, la construcción de una conciencia, el cincelado de un cáracter. Como espectadores, somos testigos privilegiados de la crianza de César en un ámbito humano, acompañándolo en su relato de (confundida) iniciación. Pero a la vez somos los únicos que registramos la dimensión de su soledad, su anhelo de ser igual a todos y su obligación de recluirse por ser diferente. Hay muchas escenas extraordinarias en el film, pero si tuviera que quedarme con una, elegiría aquel momento en el que el pequeño César mira a través de la ventana del altillo y observa cómo juegan los chicos en la calle. Esto lo hace más de una vez, en una serie de escenas que desarrollan su vínculo con el afuera, situaciones cotidianas, sencillas en apariencia aunque magistralmente articuladas en función de la mirada.

César, en esos instantes, es una figura vicaria del espectador, un observador fascinado por la imagen. La imagen de otra cosa, maravillosa e inaccesible, porque está ahí, tan lejos y tan cerca, pero siempre del otro lado del velo. La imagen le permite a César comparar, barajar dialécticamente instinto y razón, deseo y resignación: libertad, identidad, hogar. Quiere salir del encierro, pero cuando lo intenta, los otros le demuestran con violencia que él no tiene derecho. No pertenece. No es. Tiene un hogar que le ofrece amor pero, al crecer, César ya no entiende qué rol cumple en ese espacio. “¿Qué soy? ¿Una mascota?”. Cuando conozca la verdadera cárcel, César extrañará su casa y, a modo de protesta, dibujará la ventana de su habitación en la pared de su celda, dibujo que se convertirá en símbolo. Sin embargo, y aunque parezca contradictorio, César prefiere no volver a esa casa, porque descubrió otro hogar que lo hace sentir más entero: su comunidad. Entonces, ¿por qué elegir esa ventana como símbolo de lucha? Porque no queda otra que romper el vidrio para salir a la calle y actuar. Porque se trata de no aceptar el recorte que ese marco nos impone: la imagen debe ser aquello que decidimos cambiar. La nueva familia de César sólo quiere ser feliz. No tiene otra intención que respirar pacíficamente en su hábitat, siempre y cuando los humanos respeten su lugar y no pretendan cruzar el límite. Y en esta historia el límite es un puente. ¿Pero acaso el puente no representa la unión? A veces sí, y a veces es excusa para la invasión. Así que habrá que estar atentos. Pensar -y esto César ya lo sabe- es vivir en la contradicción. 

viernes, 15 de septiembre de 2017

127 horas, de Danny Boyle


de lo posible a lo probable/del
sueño a la realidad hay como
mares/platas nocturnas donde
animales de pico descarnan
formas mojadas con los jugos
del corazón/así/viajamos
del pecho al seco sol que dora
la maravilla/o existir

Juan Gelman   
Texto publicado en 2011

La película despega con jirones de un planeta hiperactivo y colorinche: un estadio de fútbol, una playa en temporada alta, una mezquita, el subte en la hora pico, las corridas de San Fermín, una manifestación política, Wall Street y muchas más imágenes superpobladas en donde transpira el hombre-masa. 127 horas (127 hours) cuenta la anécdota de un individuo que intenta huir de la alienada maquinaria global. Pero atención, advierte Danny Boyle: la tarea es complicada. La membrana cultural que moldea la subjetividad no es tan fácil de desmontar, y en la lógica social no sólo gira la rueda del capitalismo, sino también la vida de los otros, aquellos gracias a quienes estamos acá.

Aron Ralston aparece ya en el inicio apretujado entre bloques de mundanal ruido: multitudes afiebradas, logos de comercios urbanos, autos ansiosos por llegar al hogar. Un caos del que conviene escapar. De repente, en plena ruta hacia las montañas de Utah, el protagonista se estremece al cruzarse con alguien muy parecido a él, casi un doble que circula con un grupo de ciclistas. ¿Es la impresión de verse como parte del rebaño lo que lo aterra, o es que ni siquiera soporta la idea de "comunidad"? Aron tiene su lema: “Sólo yo, la música y la noche. Love it!”,  fanfarronea mirando a su cámara de video. Aunque, honestamente, con ese artefacto siempre encendido nadie puede pretender estar realmente solo, porque también está ese otro yo que busca perdurar, ser visible, ser relato y… ¿para qué volverse imagen si no es para exhibirla a los ojos de ese mundo del cual el hombre rebelde quiere desprenderse?

El film ya narró mil cosas y aún no salimos de la secuencia de créditos, en la que vale detenerse para comprobar que ningún elemento del montaje es gratuito o meramente decorativo. Desde el goteo de una canilla hasta las pinturas rupestres, pasando por el meteorito fundacional y los tambores de la banda sonora, todo se entrelaza con vértigo y coherencia aunque en un principio el estilo amenace con pulverizarse en superficiales parpadeos. 127 horas es un Boyle puro, festivo como siempre pero tal vez más filosófico que nunca, y hasta podría decirse que toda la película es un tratado sobre el video-clip, sobre lo que este género necesita para calar hondo más allá del roce sensorial y efímero. Y lo que necesita es anclar en un grito. Si la estética del clip se caracteriza por dar autonomía a cada uno de sus componentes en un desfile óptico donde lo único que importa es el instante (así como a Aron, hasta hoy, sólo le interesaba el ahora), la caída en la grieta empuja al personaje -y al film todo- a trascender el efecto fugaz para asumir un pasado y un futuro, tejiendo un trayecto subjetivo que justifique la voluntad de resistir. En su omnipotencia, la cámara podrá danzar y ser a veces soga, a veces pájaro o a veces Dios, pero siempre regresará al hombre atrapado para auscultar sus palpitaciones. Hay que hacer de ese aventurero una persona como cualquiera de nosotros. Hay que respirar por él. Hay que prepararse para lo inconcebible.

Si dirigir es una mirada, montar es un latido de corazón”, decía Godard, y aquí Boyle hace honor a la máxima con este carnaval terracota de dolor, nostalgia, desesperación, ensayo y error. 127 horas es un barroco batido en donde una canción burbujeante de Bill Withers convive con un macabro Scooby-Doo y estampidas de cine catástrofe, todo barajado en una mente que delira pero lo hace con la materia de una cultura específica. No es un detalle frívolo que Aron fantasee con una publicidad de gaseosa, porque así es como la televisión ha formateado nuestra percepción de la sed, de allí que el director juegue con eso, evidenciando la irrelevancia de las marcas ante la agonía de un hombre que sólo necesita que el producto cumpla su función. Aron podrá alejarse de los otros pero no de lo visual. Un crítico cuestionó sus recuerdos familiares al etiquetarlos como “momentos Kodak”. ¿Acaso el realizador no podría sugerir que Aron ya no puede diferenciar la memoria personal de lo fabricado por la televisión? Todo esto forma parte de la sensibilidad del presente. Es lo que nos identifica y por eso Boyle lo respeta. Su obra celebra el pop siguiendo la voluntad originaria de esta escuela, que implica transfigurar el lugar común para volverlo objeto digno de apreciación estética. Pero así como vivimos saturados por las imágenes uniformadas de los medios masivos, sigue existiendo en el hombre una puerta para lo inesperado, para el redescubrimiento de los otros y de la naturaleza (la exterior y la del propio cuerpo). Aquí es cuando Boyle se vuelve romántico, con un romanticismo genuino, decimonónico, no en la vertiente infantilona de Slumdog Millionaire. Jamás se lo había visto al realizador tan convencido de la belleza del mundo.

¿Cómo pudo Ralston hacer lo que hizo? ¿Lo logró gracias a la fuerza de la mente? Difícil saberlo. Algo del orden de lo sublime debió haberse infiltrado para llevarlo hasta el límite. Lo cierto es que, paralizado y escondido en el desierto infinito, el héroe queda reducido a (casi) nada. Autosuficiente como era, seguramente siempre creyó que podría vencer a las montañas. Una roca y el destino lo reubican en su justa medida en su relación con la Tierra. Ahora el hombre sólo sufre y ruega por que pase ese cuervo que representa su única compañía, y por esos quince minutos de sol que tiene cada mañana. Conoció el amanecer de pequeño. Lo vio con su padre desde una cumbre, con el horizonte bajo su control. Y ahora él está allá abajo en la cueva, deseando que el astro se digne a darle unos rayos de calor. Pero ante la brutal indiferencia de la naturaleza, al hombre sólo le queda el sí mismo y los artificios que pueda crear junto con otros hombres. Cuando Aron se libera, la primera señal  humana que encuentra es un dibujo indígena en las paredes del cañón, frente al cual él sonríe aliviado, como si esas pinturas ancestrales lo hubieran estado esperando desde siempre para darle la bienvenida. Es que mientras el arte persista, no habrá posibilidad de una isla.

jueves, 14 de septiembre de 2017

Comienza un nuevo Festival de Cine Alemán, en los complejos Village

Hoy comienza un nuevo Festival de Cine Alemán, una de las muestras más esperadas dentro del calendario cinéfilo porteño. Hasta miércoles 20 de septiembre, en las salas Village Recoleta y Village Caballito, se exhibirá una selección de las mejores producciones estrenadas en Alemania durante el último año, así como una muestra de cortometrajes  (“Next Generation”), una sección para toda la familia y una dedicada al género documental. En la tradicional función con música en vivo de un clásico del cine silente, la elegida este año es Varieté (1925), excelente película de Ewald A. Dupont (Alfred Hitchcock siempre la mencionó como una de sus películas preferidas).

Uno de los invitados a esta 17º edición del festival es Simon Verhoeven, director de Bienvenido a la casa de los Hartmann, la película más vista del año 2016 en Alemania. Dentro de la programación también podemos destacar Las manos de mi madre, de Florian Eichinger; Paula, de Christian Schwochow; El día más hermoso, de Florian David Fitz; y la última producción de Volker Schlöndorff, Regreso a Montauk.

Las funciones se realizan en los complejos Village Recoleta (Junín y Vicente López) y Village Caballito (Av. Rivadavia 5108). Para conocer todos los detalles sobre programación, horarios y venta de entradas, pueden visitar el sitio oficial del festival.

martes, 12 de septiembre de 2017

Ser buen alumno


"El aprender y el enseñar son actividades que se pueden hacer hasta el último suspiro. Incluso, la vida nos enseña a morir a cada instante, quieras o no. Hay que ser un buen alumno."

Julio Chávez

En una entrevista publicada hoy en el diario Página/12. (Ir al texto completo).

lunes, 11 de septiembre de 2017

Nueva edición del Festival CineMigrante, con entrada gratuita

Este martes 12 de septiembre comenzará una nueva edición del Festival de CineMigrante, una muestra que por octavo año consecutivo ofrece una selección de películas que aspiran a discutir y reflexionar sobre la movilidad humana en el mundo y los derechos de las personas migrantes. La muestra propone una programación con más de 70 películas provenientes más de 20 países del mundo, tres competencias (largos, medios y cortometrajes), tres secciones especiales y varias actividades y mesas de reflexión sobre la temática migrante. 

Todas las proyecciones que forman parte de la programación, las conferencias, mesas debates y encuentros tendrán entrada libre y gratuita. El festival se extenderá hasta el miércoles 20 de septiembre y tendrá como sedes al cine Gaumont, el Centro Cultural San Martín, el cine Cosmos, la Biblioteca Nacional, la Alianza Francesa y la Casa Nacional del Bicentenario.

Dentro de la Competencia de Largometrajes hay muchos títulos interesantes, entre los que podemos destacar los recientes trabajos de Avi Mograbi (Between fences, Israel/Francia), Pierre-Alain Meier (Adieu á l'Afrique, Suiza), Natalia Cabral (El sitio de los sitios, Rebública Dominicana), Tita  y Ernesto de Carvalho (Martirio, Brasil), Sylvain George (Paris est une Fete - Un film en 18 vagues, Francia), Tatiana Huezo (Tempestad, México) y Jakob Brossmann (Lampedusa in Winter, Austria/Italia/Suiza). 

La sección central de esta edición se titula “Las vidas negras importan” y se encuentra dividida en dos ejes. Un eje internacional denominado “Black lives matter. La construcción de la negritud”, que contará con una variada selección de películas documentales y de ficción entre los que sobresalen el film colombiano X500, de Juan Andrés Arango que habla de la juventud migrante, la violencia y la construcción de la identidad; el documental Generation revolution de Cassie Quarless y Usayd Younis (quienes estarán presentes en Argentina) que presenta a una nueva generación de activistas black & brown en Londres; Jackson, acerca de la práctica del aborto en la juventud afroamericana; la biopic Que Alá bendiga Francia, sobre la orígenes del rapero Abd al Malik, quien vendrá para acompañar las proyecciones del film; y  I'm not your negro, de Raoul Peck, basado en el manuscrito de James Baldwin que recorre la historia del movimiento afroamericano en los EE.UU.

El eje local de la sección, “Las vidas negras importan. La construcción de la villeritud”, se focalizará en la construcción del concepto desde el cine argentino, mostrando las emblemáticas películas Tiré dié, de Fernando Birri, y Crónica de un niño solo, de Leonardo Favio, a las que se suman Pibe chorro, de Andrea Testa, Umbral, de Claudio Perrin,  Guachines y Qué puede un cuerpo, de Cesar González.

Dentro de los invitados también hay que mencionar al cineasta norteamericano Billy Woodberry, que va a presentar una retrospectiva de su obra, donde no sólo se verán sus propias realizaciones sino importantes películas en las que él participó: Ashes & Embers, de Haile Gerima, donde Woodberry actúa, Red Hollywood, de Thom Andersen y Noël Burch, donde Woodberry es narrador, y Spirit of Rebellion: Black Cinema at UCLA, un documental que relata desde adentro las historias de los directores que formaron parte del Black Cinema.  

Para conocer más detalles sobre la programación sugiero visitar el muy completo sitio oficial del festival: www.cinemigrante.org

sábado, 2 de septiembre de 2017

En los bordes del poder


Por Lucrecia Martel*

"El deseo se va abriendo sus caminos como puede. Todo lo que nosotros que hemos construido casi conspira contra el deseo, esa fuerza enloquecida. Lo que yo siento en común con las otras películas, que es lo que me interesa del mundo, son los personajes que están en los márgenes del poder, que no tienen el poder, son gente que está rasguñando los bordes el poder. O el mundo de las mujeres; lo que es fascinante de su mundo, y es una de sus virtudes, es cómo lograron armar su civilización mujeril en los márgenes del poder. Es muy fácil ver eso en la violencia de género. La violencia de los hombres es la incapacidad de manejar la frustración. En cambio nosotras estamos acostumbradísimas, si no se puede por aquí, nos vamos para el otro lado. Estamos muy acostumbradas a que por muchos lugares no se puede."

*Fragmento de una entrevista publicada en el diario La Nación (31/08/17). Ir al texto completo.

jueves, 24 de agosto de 2017

Vuelve la sala Leopoldo Lugones con "Grandes Clásicos del Cine Francés"

El martes de la semana pasada volvió a funcionar la emblemática Sala Leopoldo Lugones. Esperemos que esta vez sí, luego de tantas frustraciones, podamos disfrutar de este espacio como corresponde. Y la verdad es que el primer gran ciclo programado está a la altura de la tradición de la sala: este viernes 25 de agosto comienza la muestra "Grandes Clásicos restaurados del Cine Francés", integrada por 18 films recientemente restaurados en formato digital 4K -en muchos casos, a partir de sus negativos originales- y enviados especialmente desde París por el Institut Français para la Sala Lugones. Se trata de un estupendo recorrido por el mejor cine francés de todos los tiempos e incluye a la mayoría de sus cineastas fundamentales.

Las películas que integran el ciclo son las siguientes:

Viaje a la Luna (1902), de Georges Méliès
Cero en conducta (1933), de Jean Vigo
Día de fiesta (1949), de Jacques Tati
El desprecio (1963), de Jean-Luc Godard
Pierrot el loco (1965), de Jean-Luc Godard
Madame de... (1953), de Max Ophüls
L'inhumaine (1924), de Marcel L'Herbier
Sombras del paraíso (1945),de Marcel Carné
Los paraguas de Cherburgo (1964), de Jacques Demy
Los 400 golpes (1959), de François Truffaut
Los ojos sin rostro (1960), de Georges Franju
Pickpocket (1959), de Robert Bresson
La reina del hampa (1952), de Jacques Becker
El otro señor Klein (1976), de Joseph Losey
La gran ilusión (1973), de Jean Renoir
Pépé le Moko (1937), de Julien Duvivier
César y Rosalie (1972), de Claude Sautet
La marquesa de O. (1976), de Eric Rohmer


Las entradas podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías ubicadas en el Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). La entrada tiene un costo de 40 pesos (20 pesos para estudiantes y jubilados, presentando acreditación). Para más información sobre las películas y los horarios de la programación, consultar el sitio del Complejo Teatral San Martín.

lunes, 21 de agosto de 2017

Tan a lo lejos


Duelen los ojos de soñar tan a lo lejos

la frente de pensar
lo impensable de tanta vida
que no he abrazado,
tanta deuda de lo que no he nacido.


Hugo Mujica
Fragmento del poema "Noche adentro y no duermo".

La imagen pertenece al film El invierno, de Emiliano Torres.

viernes, 18 de agosto de 2017

Recomendación: El auge del humano


Extraña, fascinante y, por momentos, muy perturbadora, la película El auge del humano, de Eduardo Williams, es una de las obras más originales y estimulantes que ha dado el cine argentino en los últimos años. El film se exhibe los sábados de agosto, a las 21, en el Auditorio del Museo Nacional de Bellas Artes (Av. Figueroa Alcorta 2280).

En la función de este sábado 19/08, el director estará presente en la sala para dialogar con el público después de la función. La entrada cuesta 60 pesos. Para más información, consultar el sitio del Museo de Bellas Artes.

lunes, 14 de agosto de 2017

Lo imaginario


Por Nora Merlin*

"En esta época en la que se modificó la incidencia de las prohibiciones, algunos ordenadores culturales sostenidos en la ley del padre perdieron el poder y la centralidad que tenían. Por efecto de esa caída se debilitó la función de la palabra, de la que depende la relación con la verdad, así como el valor de la racionalidad. Para citar algún ejemplo, hoy se naturaliza que un presidente mienta sistemáticamente o que un candidato arme su campaña basándose sólo en el marketing político y los asesores de imagen, prescindiendo casi por completo de un relato coherente, consistente y responsable; se puede faltar a la verdad sin que traiga ninguna consecuencia. Con la depreciación de la palabra, el desarrollo de las nuevas tecnologías y la cibernética, se elevó al cenit lo imaginario como el registro privilegiado en donde se buscan referencias y saberes para orientarse. El poder promueve identificaciones universalizantes: los mismos objetos tecnológicos de satisfacción para todos constituyen un aparente “estado de bienestar”. Estar en la foto significa ser y pertenecer al mundo, la imagen funciona como un GPS que dirige, ordena y opera sobre los cuerpos."

*Fragmento de un artículo publicado en el diario Página/12 (09/03/17). Ir al texto completo.

En la imagen: Claire Underwood (Robin Wright) en la escena que abre la más reciente temporada de House of Cards.

domingo, 13 de agosto de 2017

Trascendentalismos


"A veces pienso que no me entiendes. Pero es que desde aquí se ven las cosas de otro modo. Ya sé que vas a decirme que esto no es lo que tú quieres. Que tenemos que aspirar a más. Que adaptarse a este tipo de vida es como quedarse un poco muerto."



"También debe ser bonito dejarse llevar por el ambiente. Despreocuparse de líos, adaptarse a la partidita diaria con café y puro. Me he hartado ya de andar haciendo siempre el ridículo con nuestros trascendentalismos, cuando tan a gusto se puede estar comiendo y bebiendo bien, como Teodoro y Rafaela, al brasero."



"No lo sé... estoy un poco mareado. Lo que pasa es que... si después de todo, nosotros no aspiramos a otra cosa. Y creo que en el fondo... bueno, yo no sé. No sé si incluso querría, pensándolo bien..."

Fragmentos de uno de los monólogos de Lorenzo (Emilio Gutiérrez Caba) en Nueve cartas a Berta, una de las películas más notables de la historia del cine español, dirigida por Basilio Martín Patino. 

El cineasta murió hoy en Madrid, a los 86 años.

martes, 8 de agosto de 2017

Melancolía y destierro


Mazdak: Creo que me estoy volviendo loco.

Khaled: ¿Por qué?

Mazdak: Ya llevo un año aquí, y no voy ni para atrás ni para adelante. Necesito un trabajo.

Khaled: ¿Qué hacías en Irak?

Mazdak: Era enfermero. Pero mis papeles no sirven aquí. Limpié una estación de subte durante dos meses. Dos meses, y eso fue todo. De todos modos, necesitaría tres trabajos para traer a mi familia aquí. Yo no le aporto alegría a nadie. No puedo ayudarme a mí mismo como para poder ayudar a otros.

Khaled: Pareces feliz y satisfecho.

Mazdak: Finjo. Los melancólicos son los primeros en ser devueltos. Todos los melancólicos son enviados de vuelta. Soy demasiado joven para morir... y no quiero morir todavía.

En la imagen: Sherwan Haji (Khaled) y Simon Al-Bazoon (Mazdak) en la nueva película de Aki Kaurismäki, El otro lado de la esperanza (Toivon tuolla puolen).

Es uno de los mejores estrenos del año. Hay que agradecer que este entrañable cineasta finlandés siga filmando con la modestia y la sensibilidad de siempre. Su obra hoy es más necesaria que nunca.

domingo, 6 de agosto de 2017

Dictum moral


Por José Pablo Feinmann* 

"El nihilismo es autodestructivo, cuando se considera que ya no puede haber causas en las que valga la pena comprometerse. En la frase de Benjamin, él cree que vale la pena mantener su esperanza por los desesperados. Pero él sabe que hay desesperados porque tiene la sensibilidad de recibir ese dolor. Hay muchos que se pertrechan tan bien contra el dolor que ni siquiera lo perciben. No creo en un nihilismo que implique un desdén hacia la vida. La vida es lo primero y conservarla es un dictum moral que implica el compromiso de cada uno contra la violencia, contra la injusticia y contra lo no democrático."

*Fragmento de una entrevista publicada hoy en el diario Página/12. (Ir al texto completo).

La imagen pertenece al excelente film de Ken Loach, I, Daniel Blake.

miércoles, 2 de agosto de 2017

Agosto en el Colegio de Abogados - Preestrenos con entrada gratuita

El Museo del Cine continúa con su ciclo de Preestrenos en el Colegio Público de Abogados (Av. Corrientes 1441). Con entrada libre y gratuita, esta actividad -que se desarrolla durante todo el año- le permite al cinéfilo porteño acceder a material inédito en las pantallas argentinas, exhibido en una sala con excelente calidad de imagen y sonido.

Todas las funciones se realizan los viernes a las 20 hs. Estas son las películas programadas para el mes de AGOSTO:

Viernes 4: 
JULES ET JIM, de François Truffaut (Francia, 1962, 105')
Función especial - Homenaje a Jeanne Moreau
Dos artistas, el austriaco Jules y el francés Jim, están enamorados de la misma mujer, Catherine, desde hace 20 años. Con Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre

Viernes 11: 
MARIO ON TOUR, de Pablo Stigliani (Argentina, 2017, 105')
Mario tuvo todo para triunfar en la música pero fracasó. Hoy se gana la vida cantando canciones de "Sandro" en despedidas de solteras, casamientos y cumpleaños. En su última gira encontrará el éxito que nunca esperó. Con Mike Amigorena, Iair Said, Leonora Balcarce, Rafael Spregelburd.

Viernes 18: 
INTERIORES, de Fito Pochat (Argentina, 2016, 69')
El equipo de producción de un documental, llega al penal de mujeres de Magdalena y propone desarrollar un taller de musicoterapia. Comparten así durante largos meses un espacio de intimidad en donde la música despierta sentimientos que buscan cruzar rejas y muros a través de las cámaras. 

Viernes 25: 
NO TE OLVIDES DE MÍ, de Fernanda Ramondo (Argentina, 2016, 88')
En el verano de 1934, Mateo sale de la cárcel. Vagabundo anarquista, recorre la llanura pampeana con un furgón viejo cargado de gallinas robadas y la ilusión de reencontrar a su gallo, El Rey. Un encuentro casual lo pone frente a Aurelia y Carmelo, dos hermanos en busca de su padre. Mateo decide acompañarlos hacia el Sur. Con Leonardo Sbaraglia, Cumelen Sanz, Santiago Saranite.

La cita es en salón auditorio del Colegio Público de Abogados (Corrientes 1441, 1º piso). La entrada es gratuita.

lunes, 31 de julio de 2017

El granjero (adiós a Sam Shepard)


Días de gloria (Days of heaven, 1978) es mi película preferida de Terrence Malick y es una de las obras más bellas que ha dado el cine en toda su historia. En ella Sam Shepard tuvo su primer papel protagónico. Su personaje no tiene nombre en la película. Lo llaman "el granjero". Posee tierras infinitas. Parece ser el dueño de todos los horizontes. Pero está completamente solo. Y tal como le sucede a Brooke Adams en la ficción, de a poco todos nos vamos enamorando del colono, aun cuando en un principio el relato juega a promover nuestra identificación con su contrincante, el proletario que interpreta Richard Gere (nada menos). Days of heaven no sería tan exacta en su complejidad emotiva si no fuera por esa arrobadora estela de melancolía que el actor supo infundirle a su granjero (y a muchos de sus futuros personajes en el cine). Sam Shepard murió hace unos días y la noticia se conoció hoy. Tenía 73 años.

Jeanne Moreau (1928 - 2017)


sábado, 29 de julio de 2017

Recomendación: Los Globos

 
Este domingo 30 de julio a las 18 hs, en el Malba (Av. Figueroa Alcorta 3415), se proyectará uno de los estrenos nacionales más atractivos del 2017: Los Globos, ópera prima de Mariano González. 

En la función estará presente el director de la película, en una charla que será coordinada por el crítico Fernando Juan Lima.

domingo, 23 de julio de 2017

Cuarta edición del FIDBA, lo mejor del cine documental, con entrada gratuita

Este lunes 24 de julio comienza la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires (FIDBA), una muestra que busca exhibir las diversas formas en que el cine puede abordar la realidad, a través de una importante y diversa selección de películas y de una serie de actividades relacionadas con la producción, la investigación y la reflexión teórica en el ámbito del género documental. Esta edición se desarrollará hasta el miércoles 2 de agosto y tendrá tres sedes: la Universidad Metropolitana para la Educación y el Trabajo (UMET), la sala Gaumont y el cine Cosmos. En total se proyectarán 45 largometrajes y 30 cortometrajes, procedentes de más de 30 países. La entrada a las funciones y a las actividades es libre y gratuita, excepto un seminario que brindará el documentalista español Ricardo Íscar, que es arancelado y requiere de inscripción previa. Íscar integrará el jurado de la Competencia Internacional.

El festival contará con tres películas de estreno mundial, dos de ellas en la Competencia Internacional de Largometrajes: Actriz, de Fabián Fattore, con Analía Couceyro, y el film libanés Lost Paradise, de Reine Mitri. Además, la película argentina Estilo libre, de los hermanos Juan y Javier Zevallos, tendrá su premiere mundial en la competencia de Óperas Primas. Por otro lado, habrá una sección dedicada a Polonia, que es el país invitado en esta edición. Entre otros títulos, en este foco se verán los trabajos del joven realizador Wojciech Staroń, incluyendo su película Argentinian Lesson, así como una selección del gran cine documental clásico (Maestros de Cracovia), que contiene dos cortos del gran Krzysztof Kieślowski (The hospital y Seven women of different ages). 

Recomendaciones - Sin dudas uno de los títulos imperdibles del festival es la película de apertura: la obra póstuma de Abbas Kiarostami, 24 Frames. Otras películas para tener en cuenta son: El futuro perfecto, de Nele Wohlatz (Argentina), Las cinéphilas, de María Álvarez (Argentina), 66 Kinos, de Philipp Hartmann (Alemania) y El pacto de Adriana, de Lissete Orozco (Chile). 

Sedes: 
Cine.ar - Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635)
UMET (Sarmiento 2037)
Cine Cosmos (Av. Corrientes 2046) 

Para más información sobre las películas programadas y las actividades paralelas, consultar el sitio del FIDBA.

lunes, 17 de julio de 2017

En el centro del mar


Muchas veces pensé
que la paz había llegado
cuando la paz estaba muy lejos
así como los náufragos creen
que ven la tierra en el centro del mar

y luchan más débilmente
sólo para probar
tan deshauciadamente
-como yo-
cuántas ficticias costas
antes del puerto hay


Emily Dickinson
 "Poema 739" (Versión de Silvina Ocampo)

La imagen pertenece a A quiet passion, la excepcional película que Terence Davies le dedicó a la poeta estadounidense. Uno de los grandes estrenos del año.

lunes, 10 de julio de 2017

Fuerza máxima


Por Alfred Hitchcock*

“No filmo nunca un trozo de vida porque esto la gente puede encontrarlo muy bien en su casa o en la calle o incluso delante de la puerta del cine. No tiene necesidad de pagar para ver un trozo de vida. Por otra parte, rechazo también los productos de pura fantasía, porque es importante que el público pueda reconocerse en los personajes. Rodar películas, para mí, quiere decir en primer lugar y ante todo contar una historia. Esta historia puede ser inverosímil, pero no debe ser jamás banal. Es preferible que sea dramática y humana. El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos. Luego, entra en juego la técnica y aquí soy enemigo del virtuosismo. Hay que sumar la técnica a la acción. No se trata de colocar la cámara en un ángulo que provoque el entusiasmo del operador. La única cuestión que me planteo es la de saber si el emplazamiento de la cámara en tal o cual sitio dará su fuerza máxima a la escena. La belleza de las imágenes, la belleza de los movimientos, el ritmo, los efectos, todo debe someterse y sacrificarse a la acción."


*Fragmento del libro “El cine según Hitchcock”, de François Truffaut. 

La imagen pertenece al film North by Northwest.

domingo, 9 de julio de 2017

Las puertas


Un cerrarse de puertas,
a derecha e izquierda;
un cerrarse de puertas silenciosas,
siempre a destiempo,
siempre un poco antes
o un momento demasiado tarde;
hasta que sólo queda abierta una,
la única puntual,
la única oscura,
la única sin paisaje y sin mirada.

Josefina Plá

En la imagen: la gran Elizabeth Moss en "The Handmaid's Tale", una serie extraordinaria.

martes, 4 de julio de 2017

4 de Julio - La masacre de San Patricio, de Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta


Durante la edición 2007 del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entrevisté a Juan Pablo Young, co-director junto a Pablo Zubizarreta del documental 4 de Julio - La masacre de San Patricio, que participó en la sección "Memoria en Movimiento" del festival. A continuación reproduzco un artículo originalmente publicado en el sitio cinenacional.com.

En la madrugada del domingo 4 de julio de 1976, cinco religiosos fueron asesinados en una parroquia en el barrio de Belgrano, un hecho oscuro que pasó a la historia como “la masacre de San Patricio”, en referencia al nombre de esta iglesia perteneciente a la sociedad católica de los Padres Palotinos. Los responsables y autores del crimen nunca fueron identificados.

Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta se conocieron cuando cursaban la carrera de cine, y descubrieron que tenían un pasado en común. “Tanto Pablo como yo crecimos en el barrio de Belgrano R, muy cerca de la parroquia”, comenta Young en nuestro diálogo. “Los dos estamos vinculados con el tema de los palotinos por una cuestión familiar, así que nos pareció una buena oportunidad para hacer algo al respecto. Cuando empezamos no sabíamos hasta qué punto el proyecto llegaría a configurar una película, porque al principio teníamos muy poco material”. El resultado, en efecto, es este documental titulado 4 de julio, que a partir de un riguroso clasicismo de género y una sólida investigación consigue recuperar el hecho y emplazarlo en el vértigo de las contradicciones ideológicas que signaron los años ‘70.

“¿Cómo decirle al oprimido que ‘Dios es amor’, cuando todo en su vida diaria expresa una negación del amor en el mundo?”. Este interrogante lo formuló Jon Sobrino, principal propulsor de la "Teología de la Liberación", quien aparece en una escena del film. Se trata de la paradoja central de la ética católica: ¿cómo sostener la fe en un sistema económico que promueve el hambre? ¿Cuál debería ser el rol de la Iglesia en los países postergados? Muchos jóvenes religiosos se lo preguntaron en las décadas de ilusiones revolucionarias, y encontraron un camino en el Movimiento de los Sacerdotes para el Tercer Mundo. 4 de Julio comienza dibujando el convulso contexto histórico, al tiempo que explica cómo llegó la Congregación Palotina desde Irlanda a la Argentina. “Son muchas las líneas narrativas que se abren en la película -explica el director-. Son muchos los personajes y también son muchos los temas que queremos tocar, porque lo que nos importa es mostrar la complejidad de lo que sucedió el 4 de julio. Lo que nos interesaba era partir del relato de este crimen para hacer una reflexión sobre lo religioso. Porque si bien es una película en contra de la jerarquía eclesiástica, no es nuestro objetivo ir contra de la Iglesia”.

Además del imprescindible testimonio de Eduardo Kimel, periodista que estudió el caso en profundidad, el film cuenta con una amplia gama de documentos para ilustrar la narración. “Fue una larga búsqueda de material de archivo, de registro fotográfico, de prensa gráfica, que nos permitió tener mayor cantidad de imágenes para poder hacer la película”, detalla Young, y aclara: “Empezamos en septiembre de 2001 y la terminamos hace unos meses, casi seis años de trabajo, que nos vinieron bien, porque misteriosamente fueron apareciendo un montón de archivos que pudimos incluir en la película. Hasta hace un mes y medio no contábamos con las fotos forenses, por ejemplo, que son impactantes y tienen un efecto dramático muy intenso. Es interesante cómo fuimos encontrando materiales que aparecieron de una manera misteriosa, casi “milagrosa”, me atrevería a decir”.

Las víctimas del terrorismo de Estado fueron los sacerdotes Alfredo Leaden, Pedro Duffau y Alfredo Nelly, y los seminaristas Salvador Barbeito y Emilio Barletti, todos pertenecientes a la Sociedad del Apostolado Católico, Padres Palotinos. En el film, Zubizarreta y Young destinan una tensa secuencia a la reconstrucción de la noche trágica en San Patricio. “Fue un desafío determinar qué hacíamos en la película con el momento del crimen”, confiesa el realizador. “¿Lo mostramos o no? La balacera que se produjo evidentemente fue infernal, porque se calcula que hubo casi 80 disparos sobre cinco cuerpos. Esto hace que el escenario del crimen fuera atroz. La decisión de contarlo fue siempre una duda, hasta que elegimos esta opción: sabíamos que era necesario instalar a los asesinos, darles un cuerpo. Hay un detalle que puede pasar inadvertido: mostramos que uno de los asesinos, cuando entra a la Iglesia, toca el agua bendita y se hace una señal de la cruz en la frente. Para nosotros era muy importante que se supiera que los asesinos eran también católicos. De todas formas, lo que buscamos fue trabajar con el fuera de campo, y no mostrar la balacera ni mostrar los cuerpos, sino solamente exponer las fotos de los cuerpos reales. Si hubiéramos ficcionado esa situación, le habríamos quitado valor al documento”.

La película no desperdicia imágenes de archivo que registran a personajes clave de la época, como el padre Carlos Mujica, o Juan Carlos Aramburu, quien era arzobispo de Buenos Aires en 1976 y representaba la voz oficial de la Iglesia; pero sin dudas el punto fuerte está en los testimonios de las personas que conocieron íntimamente a las víctimas, como el padre Kevin O’Neill (fallecido en 2003), el ex seminarista Jorge Kelly y, especialmente, el ex sacerdote Roberto “Bob” Killmeate, a quien está dedicado el último tramo de la película. Killmeate salvó su vida porque se encontraba en Colombia cuando ocurrió la masacre. Sin embargo, a pesar del peligro que representaba la situación, el cura regresó a la Argentina y continuó sus tareas comunitarias y militantes en el interior del país. Con relación a este elemento narrativo, Young comenta: “Las personas que vieron la película nos dicen que esta parte, en donde contamos la evolución del padre Killmeate, da la sensación de ser una película dentro de otra. Nosotros fuimos claramente conscientes de esto cuando la montamos, porque creemos que esta historia resignifica el sentido de la película”. Efectivamente, lo que permite la épica personal de este hombre es tender un puente entre aquellos años y la actualidad, para probar que el interrogante central sobre la misión del catolicismo en el mundo continúa sin ser acatado por los dueños del poder eclesiástico.


Este documental puede verse completo en YouTube.

domingo, 2 de julio de 2017

Justicia final (Conviction), de Tony Goldwyn


Alguien murió de forma brutal. Lo confirma una cámara que recorre una pequeña casa y sigue los rastros rojos hasta detenerse en un cuerpo cubierto de sangre. Es lo primero que vemos en la película. Inmediatamente después esa cámara hace un paneo sobre una pared cubierta de fotos, dibujos y cartas en las que puede leerse “No me gusta la cárcel”. Alguien escribe desde allí, quizás el hombre que aparece en las fotos. Pero en las cartas las letras son grandotas, redondas, como las de un niño. Tal vez ese hombre antes no sabía escribir. Tal vez aprendió en la misma cárcel. Un solo plano puede resumirlo todo: información, empatía, historia de vida. Es una toma breve y a la vez fecunda. Comunica lo necesario, nos orienta en el relato y enseguida pasa a la siguiente escena. Pronto inferimos cuál es el conflicto de Conviction: una mujer (Hilary Swank) moverá cielo y tierra para que su hermano (Sam Rockwell) recupere la libertad.  El título del film es genial porque combina la idea de la condena (conviction, en su acepción legal en inglés) con la extraordinaria convicción (la certeza) que empuja a la protagonista.

Lo que Justicia final despliega es un cine solidario, con la solidaridad más sincera posible: la que actúa en silencio, ladrillo a ladrillo, como si fuera invisible. Ojo: no me refiero aquí al tema sino a la forma. El tema de la película es la perseverancia. La gracia de la forma pasa inadvertida porque, bueno, es clásica, demasiado “convencional” según el reclamo de muchos críticos para quienes esta película fue apenas un mediano telefilm sólo preocupado por “el mensaje”. Debe ser la ansiedad por lo diferente la que nos impide valorar el trabajo fino del mejor clasicismo, aquel que se apoya en dos columnas esenciales: la discreción y la generosidad. La dirección de Tony Goldwyn destina a cada escena la duración justa, aleja la cámara cuando la intimidad así lo pide, y evita que los protagonistas resbalen hacia el desborde actoral. Al mismo tiempo, el guión -un ejemplo de economía narrativa- va entregando todos los datos que necesitamos para  acompañar desde el afecto la gesta de Betty Anne Waters, sin enroscar la intriga ni especular con el suspenso o las dudas que podría despertar el caso judicial. Crecemos con el personaje plano a plano, aun cuando la montaña empieza a convertirse en interminable cordillera. Por eso decía que se trata de un cine solidario con el espectador, que a partir de un bordado fraternal facilita una experiencia codo a codo con ese otro que habita en la pantalla y que sólo sabe luchar. Una aventura de amor y dignidad ciudadana como las de antes, como las que Frank Capra sabía contar. Claro que hoy la podredumbre del sistema es demasiado grande y obscena, y la esperanza cuesta mucho más. 


Conviction (EE. UU., 2010)
Dirección: Tony Goldwyn
Guión: Pamela Gray
Intérpretes: Hilary Swank, Sam Rockwell, Melissa Leo, Minnie Driver, Juliette Lewis, Peter Gallagher.