martes, 27 de octubre de 2020

Cuando veo a la gente...


"A veces pienso un poco en aminorar mi ritmo de trabajo, pero al mismo tiempo descubro que me es necesario el trabajo. De momento, proyecto hacer mi película número treinta a los treinta años. Aunque he logrado muchas cosas a las que aspiran los cineastas, he tenido más éxito y he ganado más dinero que la mayoría de mis compañeros, esto no me hace más feliz cuando veo cómo vive la gente. Cuando veo a la gente en las calles, en las estaciones, cuando veo sus casas y sus vidas, me desespero y a menudo siento ganas de gritar. Frecuentemente se reprocha el pesimismo de mis películas, pero pienso que hay razones suficientes para ser pesimista, aunque no es así como yo lo veo ya que mis historias están basadas en la idea de que la revolución no debe ocurrir en la pantalla, sino en el exterior, en el mundo.”

Rainer W. Fassbinder

La imagen pertenece a La angustia corroe el alma (Angst essen seele auf), obra maestra absoluta de R.W. Fassbinder. 

La película puede verse en YouTube (los subtítulos se activan con el botón CC, en la barra inferior del visor).

viernes, 23 de octubre de 2020

American Gangster, de Ridley Scott

Texto publicado en 2008

Las películas de Ridley Scott son más grandes que su firma. Los duelistas, Alien, Blade Runner y Thelma y Louise son verdaderos emblemas de ciertos géneros y ciertas épocas, cuyos sus títulos llegan a la memoria antes que el nombre del autor. ¿Alguien recuerda cuáles fueron los últimos films de Scott? Una ayudita: Los tramposos, Cruzada, Un buen año... productos insulsos, lánguidos. Ridley Scott no tiene un estilo distinguido, aunque a veces pueda ser solvente. Scott no es garantía de buen cine, pero ante un guión inteligente puede ser garantía de buen Hollywood. American Gangster es el caso.

En el inicio del film, Bumpy Johnson (Clarence Williams III) -el mafioso más respetado en los ’60 dentro de la comunidad negra de Nueva York- y su mano derecha, Frank Lucas (Denzel Washington), caminan por las calles de Harlem. “Lo que antes era una verdulería, hoy es un supermercado. Donde antes había una tienda de dulces, hoy hay un McDonald’s”, dice con nostalgia Bumpy antes de entrar en un enorme local de electrodomésticos. Mientras de fondo suena un televisor con noticias desde Vietman, Bumpy se queja porque las grandes corporaciones desplazaron al hombre común, al intermediario, al que hacía de puente entre la fábrica y el público. Es que la era del consumo se ha instalado de forma irreversible, y hoy todo es más impersonal, más frío. Mientras en otras partes del mundo se escuchan gritos de libertad, en los grandes centros de poder los mecanismos del Capital de tornan más sofisticados, porque finalmente consiguen volverse invisibles. Lo mismo debe hacer el crimen organizado para estar a la altura. “Ese es el problema. Así es cómo funcionan las cosas ahora: ya no sabés en el corazón de quién clavar un cuchillo”, dice Bumpy antes de morir. Es 1968. Frank Lucas se hace cargo del negocio. Y lo hace con el porte y el cálculo de un prestigioso empresario.

La historia de Lucas es fascinante y eso solo ya justifica la visión de American Gangster. El guionista Steven Zaillian (La lista de Schindler, Pandillas de Nueva York) tomó como base un célebre artículo publicado en 2000 por el periodista Mark Jakobson, en donde cuenta cómo este muchacho pobre, oriundo de Carolina del Norte, se mudó a Harlem y se convirtió en un narcotraficante multimillonario. Hay un aire épico en su figura, aunque el film no pretende pintarlo como un héroe. Lucas era egoísta y muy violento. Por supuesto, manejaba los códigos de la mafia. Podía interrumpir un amable almuerzo con hermanos y primos para salir a la calle y disparar en la frente de alguien que lo había traicionado, para luego regresar a la mesa y continuar la charla, sereno y elegante (como solo Washington puede hacerlo). Pero lo que más le importaba era cuidar su marca, su producto: “Blue Magic”. Era un tipo de heroína que Lucas compraba en Extremo Oriente, gracias a una complejísima red tendida entre los productores de esos países y los traficantes que llegaban en busca de drogas puras, todo esto en el marco de la guerra de Vietman, en donde los militares norteamericanos hacían los contactos para estas transacciones. Un cuadro siniestro que la película narra con vigor, mientras en simultáneo explica lo que sucedía en la vereda de enfrente con las “fuerzas del orden”.

Porque la vida de la mafia no sería tan plena sin una policía corrupta que la ampare. Y si un policía decide no ser corrupto, le toca ser un marginal, como le ocurrió a Richie Roberts (Russell Crowe), el responsable de investigar y capturar a Frank Lucas. Roberts un día encontró un millón de dólares en el baúl de un auto y decidió entregarlo porque, claro, era dinero de origen delictivo. Este gesto le valió la burla y la sospecha de todos sus colegas, pero él siguió siendo un buen policía. Roberts parecía ser un personaje de perfil bajo (Crowe lo interpreta en esa clave), pero como sujeto cinematográfico es ambiguo y está lleno de matices. No fue un padre atento, era muy mujeriego y tenía muchos amigos de dudoso prontuario. Estudió abogacía porque creía en la ley. Nunca se vendió. Y fue el mismo Lucas quien terminó colaborando en la denuncia de los policías comprometidos con el crimen. Según informa el artículo de Jakobson, hacia 1977, 52 de 70 oficiales que habían trabajado en la Unidad de Investigaciones Especiales de la policía de Nueva York, estaban en la cárcel o bajo proceso judicial.

“Jueces, abogados, polis, políticos... si deja de entrar droga en el país, unas cien mil personas se quedarán en la calle”.
 
Richie Roberts

Hermoso país Estados Unidos. Mientras enviaba a miles de jóvenes a una guerra perdida, aniquilaba a tantos otros con el mercado de las adicciones. American Gangster jamás pierde de vista el contexto histórico y social en donde transcurre la anécdota, y esta es la principal virtud de la película. Scott y Zaillian se plantearon un relato robusto y detallista, estructurado en secuencias breves y veloces que agilizan la narración sin por ello caer en la confusión o el vértigo gratuito. Scott no se regodea en la violencia, aunque sí incluye inquietantes imágenes de jeringas penetrando venas, o de cuerpos que yacen intoxicados en las precarias casas de Harlem, o flashes de la guerra, o de un Nixon alarmado por el flagelo de la droga. Imágenes que dicen mucho sobre los intrincados años setenta.

Los problemas del film vienen por el lado de los personajes, que son demasiados, algunos de ellos importantes pero con poca presencia en pantalla, aun cuando están encarnados por actores de talla, como es el caso de Chiwetel Ejiofor (Dirty Pretty Things), que interpreta al hermano menor de Lucas. Con otros personajes la película desliza una leve caricaturización: el mejor ejemplo es la banda de policías malos que encabeza el detective Trupo (Josh Brolin, de espeso bigote), todos con camperas de cuero y mueca jactanciosa.

Pero son falencias menores. La potencia del relato palpita en los dos personajes principales, ambiciosos y pujantes ambos, con objetivos definidos, aunque todo el tiempo se vean jaqueados desde distintos frentes. El film explota todos los recursos dramáticos que permite la narración de dos historias en paralelo, empezando por un sabio trabajo de montaje a cargo de Pietro Scalia. Es cierto que algunos ecos de El Padrino o Sérpico por momentos parecen resonar durante la proyección, pero esas inevitables referencias no restan personalidad a American Gangster, que es efectiva por ser tan rigurosamente clásica en su registro de la acción. Gran película.
 
 
AMERICAN GANGSTER actualmente puede verse en Netflix. La recomiendo.

lunes, 19 de octubre de 2020

El Peter Pan que no fue

Michelangelo Antonioni, luego del éxito internacional de su film Blow up, empezó a recibir ofertas de todo tipo, como esta que narra el propio director, en diálogo con Aldo Tassone:

"Un productor norteamericano me propuso realizar una fábula, Peter Pan. ¿Me ve haciendo Peter Pan? Me convocó a su despacho. A un lado estaba Mia Farrow, intérprete de la película, y al otro el compositor y el guionista (la música y el guión ya estaban listos), y ante mí, el productor con el talón: un millón trescientos mil dólares. En cierto momento pregunté: 'Visto que está todo listo, ¿yo qué tengo que hacer?' Esos señores nunca han entendido las razones de mi rechazo. ¡Cuántos de mis colegas habrían aceptado! He de decir que las renuncias de orden material nunca me han costado mucho. Las renuncias que cuentan tienen que ver con nuestra concepción de la vida, y son de orden moral. Es cuando te mientes a tí mismo, cuando haces componendas con tu propia conciencia, cuando pagas de veras."


sábado, 17 de octubre de 2020

Y entonces...


Y entonces,
allí donde ni siquiera la idea de la luz
podría abrir la partitura tapiada del tiempo,
ese menos que menos,
ese menos que sin embargo suena,
nos reanima en el límite.

Necesitamos a veces
descender a la nada,
al casi nada de la nada,
allí donde la nada
es una música infinitesimal,
lo único que se oye
cuando todo lo demás enmudece,
cuando el oído queda
completamente solo.


Roberto Juarroz
(Fragmento del Poema 37)

La imagen pertenece a la excelente Dallas Buyers Club, película de Jean-Marc Vallée, que hoy puede verse en Netflix.

miércoles, 7 de octubre de 2020

Curso online: CLINT EASTWOOD, actor y director


CLINT EASTWOOD, actor y director
Curso de cine a cargo de Carolina Giudici

Cuatro encuentros, a partir del 14 de octubre
Modalidad online: Clases editadas en video + Charlas por Zoom

Clint Eastwood empezó a dirigir a principios de los ‘70, pero su cine no puede desligarse de lo que representa él como actor, como presencia física, como héroe del western, imagen que él mismo se encargaría de deconstruir. Su obra -tanto a nivel temático como formal- es mucho más rica y ambigua de lo que dictaminan los encasillamientos simplistas. Clint cumplió 90 años el pasado 31 de mayo y sigue activo y lúcido como siempre. ¿Lo celebramos?

Programa:
Clase 1: Introducción a la figura de Eastwood a través del análisis de Play Misty for me (1971) y The Beguiled (1971, dirigida por Don Siegel). La cuestión de la masculinidad. El lugar de la mujer. La mirada autoconciente de Eastwood como “star” y como cineasta naciente.


Clase 2: Análisis de Los Imperdonables 
(1992). 
El western como modo de ser y pensar el mundo. La venganza en el cine de Eastwood. Reflexiones sobre el héroe mítico y la representación de la violencia.

Clase 3: Análisis de Un mundo perfecto (1993). 
La paternidad, la familia, los lazos inesperados y profundos. Road-movie y sueño americano. La vejez y el encuentro con las nuevas generaciones. El claroscuro como marca de autor.

Clase 4: Análisis de Los puentes de Madison (1995). El punto de vista femenino. Los trazos del melodrama. Los hijos y la herencia de un relato. La creciente complejidad narrativa en la obra del director.

Durante el curso también vamos a comentar Gran Torino, Río Místico, Million Dollar Baby, Harry, el sucio, Bronco Billy, Las banderas de nuestros padres, Sully, El jinete pálido y muchas otras películas de Eastwood. 

Encuentros vía Zoom: Miércoles a las 19 hs, desde el 14 de octubre

Dinámica de las clases: Antes de cada encuentro vía Zoom el asistente podrá acceder online a una clase editada en video (de una hora de duración aproximadamente) en donde hago un análisis de la película programada, con aportes teóricos, comentarios críticos y cruces con otras películas. Luego en la charla por Zoom en grupo vamos a conversar sobre las ideas e interrogantes propuestos en el análisis. 


Van a poder ver online o descargar todas las películas del curso y también otras del mismo autor que voy a compartir. Para conocer más detalles sobre el curso y la dinámica de las clases, por favor escribir a tallerdecinedecaro@gmail.com, o llamar al 4865-3317.

lunes, 5 de octubre de 2020

¿Y si el asombro llegara a su fin?

 Por Umberto Eco *  

 “¿Iremos hacia un gusto generalizado, a punto tal que ya no podremos distinguir el pop chino del pop norteamericano? ¿O bien veremos perfilarse formas de localización, de tal modo que las diferentes culturas producirán interpretaciones distintas del mismo estilo o programa artístico? 

 En todo caso, nuestro gusto quedará marcado por el hecho de que ya no parece posible experimentar asombro (o incomprensión) ante lo desconocido. En el mundo de mañana, lo desconocido, si todavía queda algo, estará solamente más allá de las estrellas. ¿Esa falta de asombro (o de rechazo) contribuirá a una mayor comprensión entre las culturas o a una pérdida de identidad? Ante este desafío, es inútil huir: es preferible intensificar los intercambios, las hibridaciones, los mestizajes. En el fondo, en botánica, los injertos favorecen los cultivos. ¿Por qué no en el mundo del arte?”

* Fragmento de un artículo publicado en la Revista Ñ (12-12-09). 

 

La imagen pertenece a la película Bakushū (El comienzo del verano), del inmenso Yasujiro Ozu.

domingo, 27 de septiembre de 2020

Fuerza máxima


Por Alfred Hitchcock*

“No filmo nunca un trozo de vida porque esto la gente puede encontrarlo muy bien en su casa o en la calle o incluso delante de la puerta del cine. No tiene necesidad de pagar para ver un trozo de vida. Por otra parte, rechazo también los productos de pura fantasía, porque es importante que el público pueda reconocerse en los personajes. Rodar películas, para mí, quiere decir en primer lugar y ante todo contar una historia. Esta historia puede ser inverosímil, pero no debe ser jamás banal. Es preferible que sea dramática y humana. El drama es una vida de la que se han eliminado los momentos aburridos. Luego, entra en juego la técnica y aquí soy enemigo del virtuosismo. Hay que sumar la técnica a la acción. No se trata de colocar la cámara en un ángulo que provoque el entusiasmo del operador. La única cuestión que me planteo es la de saber si el emplazamiento de la cámara en tal o cual sitio dará su fuerza máxima a la escena. La belleza de las imágenes, la belleza de los movimientos, el ritmo, los efectos, todo debe someterse y sacrificarse a la acción."


*Fragmento del libro “El cine según Hitchcock”, de François Truffaut. 

La imagen pertenece al film North by Northwest.

sábado, 26 de septiembre de 2020

Cuarto oscuro


"Hay imágenes que nunca hemos visto hasta que las recordamos. Aquellas imágenes reveladas en el cuarto oscuro de la experiencia vivida son las más importantes que llegaremos a ver. Uno podría decir que los acontecimientos más profundos han sido equipados con una pequeña imagen, una fotografía de nosotros mismos."

Walter Benjamin




Las imágenes pertenecen a I'm thinking of ending thingsdirigida por Charlie Kaufman, una película que angustia mucho y a la vez se aboca a desafíarnos con sus permanentes juegos narrativos y visuales. El de las fotos mutantes es sólo uno de ellos. Pueden verla en Netflix. 

miércoles, 23 de septiembre de 2020

Eso que no se contiene

Sarah Paulson y Mark Duplass en Blue Jay
dirigida por Alexandre Lehmann,
una muy linda película disponible en Netflix
 

martes, 22 de septiembre de 2020

Un grito para un pueblo que aún no existe


Por Gilles Deleuze
*

¿Qué es tener una buena idea en cine? O, ¿qué es tener una idea cinematográfica? Resistencia. Acto de resistencia. Desde Moisés, hasta el último Kafka, hasta Bach. Recuerden que la música de Bach, es su acto de resistencia. ¿Contra qué? No es el acto de resistencia abstracto, es acto de resistencia y de lucha activa contra la repartición de lo sagrado y lo profano. Y este acto de resistencia en la música culmina con un grito. Como también hay un grito en Woyzeck, hay un grito en Bach: "Afuera, afuera, no quiero verlos". Eso es el acto de resistencia. A partir de esto me parece que el acto de resistencia tiene dos caras: es humano y es también acto de arte.

Solo el acto de resistencia resiste a la muerte, sea bajo la forma de obra de arte, sea bajo la forma de una lucha de los hombres.

Y... ¿qué relación hay entre la lucha de los hombres y la obra de arte?

La relación más estrecha y para mí la más misteriosa.

Exactamente eso que quería decir Paul Klee cuando decía: "ustedes saben, falta el pueblo". El pueblo falta y al mismo tiempo no falta. El pueblo falta, esto quiere decir que (no es claro y no lo será nunca) esta afinidad fundamental entre la obra de arte y un pueblo que todavía no existe, no es ni será clara jamás. No hay obra de arte que no haga un llamado a un pueblo que no existe todavía.


* Fragmento de la conferencia titulada "¿Qué es el acto de creación?" (Cátedra de la fundación FEMIS / 1987)


En la imagen: Sorry We Missed You, conmovedora película de Ken Loach. 
Pueden verla online en este sitio.

lunes, 21 de septiembre de 2020

Imaginar el futuro

“Hay que recuperar el derecho de imaginar el futuro en lugar de aceptarlo”.

 

Esto dice EDUARDO GALEANO en un diálogo con Cristina Mucci en una emisión de Los siete locos. Es hermosa esta charla… bueno, siempre es hermoso leer y escuchar a este pensador uruguayo, promotor del lenguaje "sentipensante": el lenguaje que aspira a fusionar la razón con el corazón. Anoto aquí sólo algunas de sus ideas volcadas en este programa: 

“No hay ninguna respuesta de veras válida para ninguna pregunta si esa respuesta no es a su vez una nueva pregunta. Yo no creo que la realidad pueda ser reducida a esquemas simplistas. Cada respuesta, cuando es verdadera, es de algún modo una nueva pregunta.” 

“Las únicas certezas que de veras valen la pena son las que desayunan dudas cada mañana.”

“Por lo menos queda la certeza –que como dije, se alimenta de duda– de que el mundo se divide entre indignos e indignados. La certeza de que todavía hay gente linda capaz de sobrevivir dignamente, desobedeciendo las órdenes de un poder que nos está dejando sin mundo.”  

“Creo que por ahí va la cosa: el sagrado derecho a la desobediencia ante un poder que te manda a combatir al prójimo porque el prójimo es tu competidor o tu enemigo, y te hace verlo como una amenaza en lugar de reconocerlo como una promesa.”

Aquí está el link a la entrevista en YouTube.


viernes, 18 de septiembre de 2020

La mujer, el trabajo y el cuerpo


Por Remedios Zafra*

Una trabajadora siempre tiene cuerpo. Su cuerpo le precede y me pregunto qué pasaría si al contratar a un hombre se le advirtiera de este asunto y sus consecuencias. "Oiga, usted tiene cuerpo", "Cuidado, usted puede ser padre". ¿Qué pasaría si serlo se utilizara como razón camuflada de excusas para no renovar un contrato o cargar de sospechas una trayectoria profesional, pendiente de un hilo por si el hombre contratado y con cuerpo decidiera "ser padre"? ¿Pensarán tal vez que siempre habrá otro entusiasta dispuesto a ocupar su puesto? ¿O quizá que el padre podría encadenar trabajos temporales y a media jornada hasta cuidar de los hijos fuera mejor opción que contratar a alguien para cuidarlos por el mismo pequeño sueldo que él gana? Porque ¿eso es lo que se espera de un padre?

Nadie interroga a un hombre sobre su deseo de ser padre. 

*Fragmento del excelente libro El entusiasmo, precariedad y trabajo creativo en la era digital (Ed. Anagrama, Barcelona, 2017)

La imagen pertenece a Mi piace lavorare - Mobbing (2003), dirigida por Francesca Comencini, una muy buena película italiana que está disponible en YouTube (los subtítulos en español son precarios, pero se puede ver, y el film vale la pena). 

miércoles, 16 de septiembre de 2020

Hijos de la época



Somos hijos de nuestra época,
y nuestra época es política.


Todos tus, mis, nuestros, vuestros
problemas diurnos, y los nocturnos,
son problemas políticos.
Quieras o no,
tus genes tienen un pasado político,
tu piel un matiz político
y tus ojos una visión política.


Cuanto dices produce una resonancia,
cuanto callas implica una elocuencia
inevitablemente política.


Incluso al caminar por bosques y praderas
das pasos políticos en terreno político.


Los poemas apolíticos son también políticos,
y en lo alto resplandece la luna,
un cuerpo ya no lunar.
Ser o no ser, ésta es la cuestión.
¿Qué cuestión?, adivina corazón:
una cuestión política.


Adquirir significado político
ni siquiera requiere ser humano.
Basta ser petróleo,
pienso compuesto o materia reciclada.


O la mesa de debates de diseño durante meses discutido:
¿redonda?, ¿cuadrada?, ¿qué mesa es mejor
para deliberar acerca de la vida y de la muerte?


Mientras, perecía gente,
morían animales,
ardían casas,
y los campos se quedaban yermos
como en épocas remotas
y menos políticas.


Wislawa Szymborska


La imagen pertenece a la película Las hermanas alemanas (Marianne & Julianne), dirigida por Margarethe von Trotta. Puede verse online en el sitio Cinefiliamalversa.

martes, 15 de septiembre de 2020

Estreno online - El premio, de Paula Markovitch

A casi diez años de su lanzamiento mundial, se estrena esta interesante película de Paula Markovitch que no pasó por las salas argentinas. Puede verse en la plataforma Puentes de Cine (abajo va el detalle). 

 

"¿Qué quiere decir “pesimista”?", le pregunta Cecilia a su mamá. La niña intuye el significado, puede inferirlo a través de su propio viaje, pero verbalizar la pregunta implica también un desafío, una forma de protesta. Poner en palabras. De eso se trata el concurso literario que un joven sargento anuncia en el colegio: será premiado aquel alumno que redacte el mejor texto en honor a la bandera. Y entonces Cecilia aprenderá que, para sobrevivir, a veces las palabras verdaderas deben someterse a las que nos son impuestas.

El citado concurso escolar y sus consecuencias se desarrollan en la segunda mitad de la película, que busca combinar la alegoría con la lección de vida (coyuntural) para delatar la siniestra hipocresía imperante en los años de la dictadura. Las acciones de Cecilia generan una situación de suspenso genuino que incluso suma matices al personaje de la maestra, rol que al principio parecía sólo tangencial. Sin embargo, en su último tramo el relato pierde cierta fuerza porque se hace notar la pauta del guión, con un subrayado en los diálogos que luce innecesario para un film que hasta entonces había respirado con notable espontaneidad. De hecho, en su primera parte El premio es una película casi perfecta.
Estamos en algún rincón de la costa bonaerense. Una playa en invierno. Un sol perezoso y un viento tenaz. Cecilia trata de deslizar sus patines de rueditas sobre la arena húmeda, y no puede y se queja y dice que quiere irse, pero a la vez descubre que en esa playa puede escaparse, jugar, tener intimidad, soñar, lanzarse a rodar por los médanos con la más pura felicidad. Y ahí nomás, pegadito a la euforia, también está el mar, que aquí no es precisamente sinónimo de lo sublime infinito. Al mar se lo mira de soslayo. Es el límite, el monstruo que no siente culpa a la hora de devorar las pocas cosas que las protagonistas atesoraban. Y lo sabemos: el mar también es cementerio. En esa escena frente al mar la realizadora Paula Markovitch exhibe una finísima concepción simbólica del encuadre, virtud responsable de algunos de los momentos más bellos del film.

Otra escena estupenda es aquella en la que una tormenta en plena noche comienza a inundar la cabaña que habitan Cecilia y su mamá. Subió la marea y resulta imposible detener el agua que se filtra por debajo de la puerta. La madre lo intenta, aunque sea una batalla perdida. En el mismo plano vemos a la mujer moverse con bronca mientras a su lado la pequeña no deja de saltar y chillar frente a la ventana, como si estuviera celebrando el acontecimiento, alienada en su propio mundo. Pero Cecilia es demasiado inteligente como para no ser consciente de lo que ocurre. Su papá ya no está y su mamá se ahoga en el pánico. Hay que usar un nombre falso y escribir con eufemismos. Los mejores amigos también pueden traicionar. En medio de la tempestad, la alegría inoportuna de Cecilia es sólo un gesto de rebeldía, una manera de proteger el pedacito de infancia que aún merece, los últimos restos de libertad real. Es su forma de decir que ella no tiene miedo, o que al menos tiene derecho a no sentirlo todavía, porque antes debería respetarse su derecho a ser niña. Debería.     

 
El Premio 
(México/Francia/Polonia/Alemania, 2011)
Dirección: Paula Markovitch
Disponible en la sección "Cine Virtual" de la plataforma Puentes de Cine (entrada: 160 pesos)
https://play.puentesdecine.com.ar/

 


jueves, 27 de agosto de 2020

Recomendación en Netflix: 99 Homes


En la plataforma Netflix hoy puede verse esta película dirigida por Ramin Bahrani, con Andrew Garfield, Michael Shannon y Laura Dern: 99 Homes

Ambientada en 2010 en el estado de Florida, la historia tiene como protagonista a un joven padre, obrero de la construcción, que hace lo imposible por sobrevivir en medio de la crisis provocada por el estallido de la burbuja inmobiliaria. Desgarradora. Y contundente.

martes, 25 de agosto de 2020

"Rashomon" cumple 70 años


Por Akira Kurosawa* 
 
"Los seres humanos no pueden ser honestos consigo mismos. No pueden hablar de sí mismos sin adornar las cosas. Este guión retrata a esos seres humanos, que no pueden sobrevivir sin mentiras para sentir que son mejores personas de las que realmente son. Muestra incluso esa necesidad pecaminosa de halagar la falsedad más allá de la tumba; ni siquiera el personaje que muere logra renunciar a sus mentiras cuando habla con los vivos a través de una médium. El egoísmo es un pecado que el ser humano posee desde su nacimiento; es el más difícil de redimir. Esta película es como una extraña pintura enrollada que se desenrolla merced al ego."

*Fragmento de su libro "Autobiografía (o algo parecido)", publicado en el artículo sobre "Rashomon" que salió hoy en el diario Página/12. Ir al texto completo.

domingo, 16 de agosto de 2020

Curso de cine online: FAMILIA Y DESTINO


FAMILIA y DESTINO
A cargo de Carolina Giudici

Curso online: Tres clases editadas en video + Charlas vía Zoom

Dos opciones:
Miércoles a las 19:00, desde el 26 de agosto

Lunes a las 18:00, desde el 31 de agosto

Tres películas que nos trasladan a épocas y ámbitos diversos para invitarnos a sentir y pensar de qué forma la familia (o su ausencia) moldea la subjetividad de las personas, y cuánto influyen otros factores en ese proceso. La fuerza de los lazos sangre, la soledad, la frustración, la violencia, la política, el deseo, la memoria, la alienación, son sólo algunos de los temas abordados por estas películas a partir de diferentes paradigmas estéticos. En cada clase del curso se desarrollarán conceptos del lenguaje del cine y se ofrecerá una introducción a la obra del realizador para luego profundizar en el análisis del título elegido. 

Clase 1: TODO O NADA, de Mike Leigh (Gran Bretaña, 2002)

Clase 2: LAS HERMANAS ALEMANAS, de Margarethe von Trotta
(Alemania, 1981)

Clase 3: IDA, de Pawel Pawlikowski (Polonia, 2013)

Encuentros vía Zoom - Dos opciones:
Miércoles a las 19:00 - Fechas: 26/08; 02/09; 09/09
Lunes a las 18:00 - Fechas: 31/08; 07/09; 14/09

Antes de cada encuentro vía Zoom el asistente podrá acceder online a una clase editada en video en donde realizo una introducción a la obra del director y analizo fragmentos de la película. Luego en la charla en grupo vamos a conversar sobre las ideas e interrogantes propuestos en el análisis. Para participar no se necesitan conocimientos previos sobre cine.

Van a poder ver online o descargar todas las películas del curso y también otras del mismo autor que voy a compartir. Para conocer más detalles sobre el curso y la dinámica de las clases, por favor escribir a tallerdecinedecaro@gmail.com, o llamar al 4865-3317.

sábado, 15 de agosto de 2020

Crecer


"Digamos la verdad: ¿qué significa ese moralismo 
de convertirse en adultos? 
Y, aun admitiendo que sea posible convertirse en un adulto, 
¿qué se hace cuando se consigue?"

Federico Fellini


En las imágenes: Los inútiles (I vitelloni).

martes, 11 de agosto de 2020

Y al otro día...


Es de noche
casi siempre
en el cuarto de mi vida
que comienza
con que soy incapaz
y abuso todo el tiempo
de mi defecto
igual hago todo
lo que hay que hacer y lo que quiero
me destroza la edad
y lo que creo que es
no es
y me desespera como si la siesta continuase
a la mañana siguiente
y al otro día,
otro día.

Rosario Bléfari
(“Poemas de los 20 en los 80”)

La pintura pertenece a George Tooker

domingo, 9 de agosto de 2020

Aún es tiempo


“Quisiera hoy dejar de llorar, dejar de pensar, dejar atrás, sobre todo, el oscuro valle de las inmundicias. Quién pudiera vivir sin asidero. O pegado como chicle a un navío de verdad. Ahora estoy en crisis. O, lo que es lo mismo, en virtual estado de oportunidad. Quiero pisar nuevas tierras hasta diluirme o renacer en ellas. Quiero cantar y llamar a alguien para decirle que aún es tiempo.”

Luis Gruss
Fragmento del relato "El baile", que integra el libro La carne (ediciones Atril, Buenos Aires, 2004). 

En la imagen: el gran Albert Dupontel en La maladie de Sachs (1999), de Michel Deville, una película francesa que les recomiendo mucho. Pueden verla en el sitio Zoowoman.

viernes, 7 de agosto de 2020

Recomendación: MOOLAADÉ, de Ousmane Sembene


Considero que la película Moolaadé (2004), del cineasta senegalés Ousmane Sembene, es una de las obras más importantes estrenadas en lo que va de este siglo. Cuenta cómo un grupo de mujeres en un pueblo de Burkina Faso se unen para luchar contra la mutilación genital de las niñas.

Moolaadé (palabra que significa "protección") puede verse subtitulada en YouTube y también en el sitio Zoowoman.

La película integra un ciclo sobre cine africano organizado por la Sección “Estudios Interdisciplinarios de Asia y África, de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA), que propone subir comentarios sobre las películas a su página de Facebook todos los viernes a las 18:00, a cargo de docentes especializados en cultura africana. Hoy van a comentar Moolaadé.

miércoles, 5 de agosto de 2020

Gente a contramano

"Se sentó en el Foro de Corrientes y Uruguay. Sólo había dos clientes, mujer y hombre, uno en cada extremo del local. Pablo se preguntó quiénes serían esos madrugadores. Tal vez gente que no había dormido. Gente a contramano, como él. Tomó una taza grande de café. Después salió, anduvo en el aire frío que olía a limpio y comenzó a sentirse optimista. En esto reconocía una forma especialmente suya de relacionarse con la ciudad. El enfrentamiento con el cielo de las mañanas siempre lo sosegaba y lo reconciliaba con el mundo. No importaba la carga que arrastrara ni lo que hubiera sucedido el día anterior ni las pesadillas nocturnas. Andar en la luz nueva era una forma de recomenzar, de darse otra oportunidad."

Antonio Dal Masetto
Fragmento de la novela "Hay unos tipos abajo".

La imagen pertenece a la película homónima basada en la novela, dirigida por Rafael Filipelli. Está disponible en YouTube.

lunes, 3 de agosto de 2020

Reencuentro

   
"..la vida no es tan sólo despedirse continuamente, sino que la vida tiene también mucho de ilusionarse humanamente con volver a encontrar aquello que hemos perdido." 

Federico Jeanmaire
(En su novela "Mitre")

En la imagen: Ficción (2006), exquisita película dirigida por Cesc Gay (una de mis preferidas de siempre).

sábado, 1 de agosto de 2020

El paraíso imperfecto



-Es cierto —dijo mecánicamente el hombre, sin quitar la vista de las llamas que ardían en la chimenea aquella noche de invierno—; en el Paraíso hay amigos, música, algunos libros; lo único malo de irse al Cielo es que allí el cielo no se ve. 

Augusto Monterroso

La imagen pertenece a Carta a un padre, de Edgardo Cozarinsky, una película con hermosos cielos y muchas preguntas. Puede verse en YouTube

viernes, 31 de julio de 2020

Algo así como la Historia...


"Y le ocurría que este distanciamiento, este no participar para nada en los hechos, de alguna manera muy confusa, muy subterránea, lo disgustaba y, hasta cierto punto, lo avergonzaba. Sin siquiera confesárselo se sentía culpable. ¿Culpable de qué? Era difícil explicarlo. Tal vez de insensibilidad, de indiferencia, de sentir ese anquilosamiento paulatino de una parte de sí. De una parte que en otro tiempo (seamos honestos: durante el brevísimo tiempo de la militancia universitaria y la revistita) había vibrado, o había querido vibrar con... con algo que tampoco podía definir con exactitud pero que significaba algo así como la Historia, o el país, o la gente, o tal vez algo simplemente más abierto, más limpio, más generoso que su miserable mundo de todos los días".

Humberto Constantini
Fragmento de su novela "La larga noche de Francisco Sanctis" (Ed. Tren en Movimiento, Buenos  Aires, 2017).

En la imagen: Diego Velázquez en la excelente transposición de la novela al cine que hicieron Andrea Testa y Francisco Márquez. La película puede verse online aquí

miércoles, 29 de julio de 2020

Un hueco



"¿Qué nos enseña el cine sino el descubrimiento sin cesar ampliado de sus límites, de lo que falta a la mirada y a la escucha en el momento mismo de su exaltación? Es solamente para ser desmentido que se le da a los dos sentidos privilegiados en la sesión cinematográfica esta suerte de poder total. El desmentido, la decepción, la sensación de tope, de un límite, de un hueco en nuestro propio sistema perceptivo y cognitivo son exactamente lo que nos deja el aprendizaje privilegiado."

Jean-Louis Comolli

(Fragmento de su ensayo “Cine contra espectáculo”, publicado en el libro Filmar para ver. Escritos de teoría y crítica de cine. Ed. Simurg-FADU)

En la imagen: Million Dollar Baby, de Clint Eastwood

lunes, 27 de julio de 2020

El arte y el reloj


"La duración de una obra es lo que la cultura que la ve nacer pueda permitirse como tiempo robado (tiempo ocioso) al funcionamiento del capital que se mueve en sus estructuras más profundas."

Rafael Spregelburd
(Revista "Otra parte" - Primavera 2008)


En la imagen: Mariano Llinás en el rodaje de La Flor.

sábado, 25 de julio de 2020

Nobody knows I'm here, de Gaspar Antillo


Me pareció hermosa esta película chilena. Tiene una trama sencilla pero aun así se las ingenia para preservar algunas sorpresas hasta el último minuto. Les sugiero verla sin conocer detalles de la historia. Está en Netflix.


Marta: Parece que va a haber tormenta.
Tío Braulio:  ¿Lo dices por el viento?
Marta: No. Por la aplicación.
 
Marta y Braulio habitan el mismo lugar pero no leen los signos del entorno de la misma forma. De a poco, la tecnología fue invadiendo los rincones más remotos de la tierra y ya nadie es capaz de aislarse por completo. Tampoco Memo. Él se instaló en la isla para esconderse, para huir de algo... o de todos. Huir de la mirada del otro. 

Hoy nos abruman infinitos libros, tesis y conferencias que abordan la cuestión filosófica del cuerpo, desde todo ángulo posible. Pero nadie que esté afuera de un cuerpo condenado puede ni siquiera imaginar lo que se sufre realmente. Hay demasiada teoría y muy poco roce con el verdadero dolor. Esta película humilde logra acercase a esa tristeza con una sensibilidad fuera de lo común. 


Memo sabe que no es invisible. Desaparecer totalmente podría ser una opción, aunque algo del orden del deseo parece pelearse con ese último recurso. El relato se interna precisamente ahí, en esos pliegues íntimos de la subjetividad en donde un ser todavía lucha por ser quien es y no aquello que desde siempre le dictaron los ojos de los demás. Pero claro… es una lucha que cansa. Memo está agotado y el cuerpo impone sus propios límites. Aquí es cuando el personaje de Marta se torna esencial.


Una serie de peripecias llevan a Memo a enfrentar el trauma. Quizás -realmente no lo sé- contar su verdad en público le permita empezar a vincularse de otra forma con su propia identidad y su pasado. Pero la posibilidad concreta de apertura surge cuando Memo constata que alguien es capaz de mirarlo con sincera ternura: mirarlo como persona y no como una rareza. Por eso en la última escena no tenemos la certeza de un triunfo de la voluntad o de una transformación superadora. El final es tan solo un cuerpo abrazando a otro cuerpo de forma genuina.