sábado, 21 de septiembre de 2019

viernes, 20 de septiembre de 2019

El 5 de Talleres: un diálogo con el director Adrián Biniez


Entrevista realizada en el marco del 
Festival de Cine de Mar del Plata, edición 2014.

El 5 de Talleres es una película sobre fútbol pero a la vez es mucho más que eso. De hecho, una de sus mejores escenas no tiene que ver con el deporte sino con la música: “Patón” Bonassiolle (Esteban Lamothe), un futbolista de 35 años a punto de retirarse, entra en una tienda de instrumentos musicales porque quiere comprar una guitarra. De repente escucha que alguien por ahí está tocando un bajo con una pericia notable: quien toca es un chico que no debe tener más de diez años. Patón lo observa con admiración y tristeza al intuir que quizás para él ese camino ya quedó atrás. Tal vez sea demasiado tarde para resucitar su afición por la música. Quizás ya pasó la mejor época para encarar algunas cosas… o quizás no.

¿Qué nos define? ¿Aquel deseo que elegimos seguir cuando éramos adolescentes? ¿Es posible empezar de nuevo cuando sentimos que ya dimos lo mejor de nosotros? El 5 de Talleres es también una película sobre la identidad. Su director, Adrián Biniez, se dedicó a la música antes de abocarse al cine. Nació y vivió en el partido de Lanús hasta los 29 años, y luego se mudó a Uruguay, su país de residencia desde hace una década. Fue ahí donde rodó su ópera prima, Gigante (2009), aunque a la hora de hacer su segundo film decidió volver a cruzar el charco para contar una historia sobre el club de fútbol de su barrio, Remedios de Escalada. Y así llegamos a la presentación de la película en el marco del 29º Festival de Mar del Plata. Allí conversé con el realizador acerca del film.

- Uno de los hallazgos de la película tiene que ver con la frescura que transmite la relación entre los protagonistas, Esteban Lamothe y Julieta Zylberberg, que son pareja en la vida real. ¿Ya conocías su situación cuando los elegiste?

- No, para nada. Primero escribí la película y después empecé a pensar quiénes podrían ser los protagonistas, hasta que en un Bafici vi un corto en donde estaba Julieta y enseguida sentí que tenía que ser ella. Y lo de Esteban surgió después, pero yo no sabía que ellos estaban juntos en la vida real. Nunca pensé que podía llegar a conseguir dos actores que fueran pareja. Ya me gustaban ellos por separado, así que lo que se dio finalmente fue buenísimo. Fue como una revelación.

- Hay un registro muy sutil de los mecanismos cotidianos que hacen a la convivencia. Da la impresión de que te importa más mostrar cómo gravita la pareja en la crisis de un hombre antes de detenerte en las explosiones o las situaciones límite.

- A mí me interesaba mostrar una pareja que no necesariamente estuviera en un momento de crisis. Tenían que tener sus problemas de convivencia, obviamente, como cualquiera, pero no quería mostrar el principio de una pareja ni una crisis final, porque ya lo había visto muchas veces en el cine. Hay muchas de esas películas que son muy buenas, pero no quería contar otra historia de ese tipo. Además, desde el principio, mi consigna fue no agregar otro quilombo más a la trama porque Patón ya tenía suficiente con la cuestión del retiro. Yo quería mostrar una pareja que acompaña. Una pareja unida.

- Es raro, porque continuamente el relato parece prepararnos para ver la gran pelea de la pareja, pero no. Enseguida se reconcilian.

- Eso lo buscamos en el ritmo de la película. Pensamos mucho las elipsis y creo que en la secuencia de Tandil se ve muy bien. Ellos se pelean, se joden, se va cada uno por su lado, pero no es que después viene la típica escena del "puchero”. Hay un corte y al toque ellos ya están arreglados, y no tenés que contar todo para darte cuenta de cómo funciona la cosa. Creo que ahí aparece algo de lo real, porque eso muestra cómo muchos nos manejamos en el día a día. 

- Por otro lado aparece el tema del fútbol. ¿Cómo se fueron integrando estos dos ejes de la trama?

- Desde el principio yo sabía que iba a ser una película sobre una pareja, pero después tuve que buscar el equilibrio porque también es una historia sobre un deportista, y tenía que estar la cuestión personal, la cuestión del grupo y de la comunidad. Encontrar el equilibrio, desde el guión y la edición, tal vez fue uno de los aspectos más complicados. Y otro de los dilemas fue cuántas escenas de fútbol había que incluir, y cuántas le aportaban realmente algo al relato. No es fácil filmar el fútbol, y a la vez nos vimos limitados por una cuestión básica de la trama: al personaje lo expulsan por ocho fechas y entonces, cuando él vuelve a la cancha, ya pasó casi toda la película.

- Creo que la película logra algo muy difícil: narrar una lección de vida sin declamación ni un subrayado en el mensaje. Pero se nota que te interesa mostrar la crisis de identidad de un hombre en la mitad de su vida, y lo que hace para superarla.

- Hay algo que me interesa en la dinámica de él, y es que parece estar "testeando" a todo el mundo, todo el tiempo. Él dice que va a terminar el secundario para ver cómo reaccionan los demás. Parece que no lo va a cumplir, pero finalmente lo hace, y lo mismo pasa con el tema del retiro, cuando dice “Me voy pero no se lo digas a nadie”. Es una forma de tantear a los otros. Creo que esa dinámica le aporta una estructura a la película. Tampoco quería que el desarrollo del guión fuera simplemente cumplir con la premisa, en donde lo único que uno puede esperar es el camino hacia el retiro. Al final él lo hace, sí, pero en el medio tiene dudas y le pasan cosas. Sufre un ataque de pánico mientras está trabajando. Se trata también de ver lo que cuesta tomar decisiones y sostenerlas. 

- Pensando en tus búsquedas como cineasta, ¿cómo sentís esta película en comparación con la anterior?

- A diferencia de Gigante, en esta película estoy mucho menos contenido. En mi primera película hay muchos silencios y acá, por el contrario, hay muchos diálogos. A la hora de filmar no me impuse ningún esquema riguroso -palabra que detesto-, porque lo que quería era probar todo lo que surgiera en el momento de la puesta en escena. Una idea de juego constante.

El 5 de Talleres puede verse completa en YouTube.

martes, 17 de septiembre de 2019

Sexta edición del Festival de Cine Coreano

Este jueves 19 de septiembre arranca la sexta edición de HAN CINE, festival que permite conocer -o volver a ver- las mejores películas del nuevo cine coreano. Este año HAN CINE coincide con los festejos por el centenario del cine coreano, por lo cual la muestra se expandirá a la sede Caballito del complejo Cinemark, además de la sede Palermo. La entrada tiene un valor de 150 pesos.

Esta edición incluye un total de 12 películas, entre estrenos y un foco dedicado al gran Bong Joon-ho, ganador de la última Palma de Oro Cannes por su película Parasite. De este autor se proyectarán The Host, Memorias de un asesino y Madre; sólo la primera se estrenó comercialmente en Buenos Aires. Los otros dos títulos son excelentes y sólo se exhibieron en festivales de cine. Ésta será la oportunidad para verlos en pantalla grande.

HAN CINE cuenta con películas de diversos géneros. Además del foco sobre Bong Joon-Ho, en la programación se destaca el intenso drama Hotel sobre el río, del director Hong Sang-soo. Otro de los principales estrenos es 1987, basada en hechos reales y situada en los últimos meses del gobierno militar en Corea del Sur. Otras películas basadas en hechos reales son El diccionario secreto, una historia de resistencia cultural en tiempos de la ocupación japonesa, y Default, que presenta un inquietante escenario de crisis económica en Corea (situación trasladable, obviamente, a muchos otros países). También se podrá ver el film de acción Imparable, con el fornido protagonista Don Lee (recordado por Tren a Busan), y las bélicas La gran batalla y La fortaleza.

Las películas del Han Cine se podrán ver hasta el miércoles 25 de septiembre en la sala 9 de Cinemark Palermo (Beruti 3399), y en la sala 1 de Cinemark Caballito (Av. La Plata 96) con entradas a precio promocional de 150 pesos o chequeras con mayores descuentos. Más información, aquí.

lunes, 16 de septiembre de 2019

Contacto visual


Nos reconocimos
por el trazado curvo
de nuestros destinos.

Alberto García-Teresa 

 
En las imágenes: Au hasard Balthazar, de Robert Bresson

viernes, 13 de septiembre de 2019

Señales sin cuerpo


Por Beatriz Janin* 

"El tiempo ha tomado un lugar diferente. No sólo todo es urgencia, sino que en el terreno de las comunicaciones se acabaron los tiempos de espera. Ya nadie espera la llegada de la carta, porque el correo electrónico es inmediato, y esto lleva a que se espere una respuesta también inmediata. Con el WhatsApp uno puede saber si el destinatario del mensaje recibió la información y hasta si la leyó y está escribiendo una respuesta. Se sabe si el otro está o no “conectado”. Y es frecuente escuchar en las/los adolescentes la queja: “Estaba conectado pero no me contestó”. Todo se supone en un “ya ahora”, sin tiempo de reflexión. La urgencia domina la actividad cotidiana y se piensa que todos estamos permanentemente pendientes de los mensajes de los otros. Una cuestión que nos debe llevar a preguntarnos por los efectos en las relaciones humanas de esta conexión permanente con las pantallas. ¿Cuáles son las desconexiones que acarrea? ¿O podremos estar con múltiples relaciones simultáneas? Hay una irrupción del otro que se presenta a través de señales sin cuerpo, como una presencia continua. Esta presencia, ¿conlleva un decaimiento de la fantasía?, ¿resta espacio a la imaginación?"

*Fragmento de un artículo publicado en el diario Página/12 (11/08/15). Ir al texto completo.

martes, 10 de septiembre de 2019

Coincido


En una entrevista reciente le preguntaron a Alan Pauls cómo se llevaba con el teléfono celular. Y el escritor dijo esto (impresión con la cual coincido plenamente):

"Es un aparato para comunicarte, no para ir chequeando si existís en el mundo. Es insoportable. Me parece una cultura repugnante. La calidad de vida de las personas se perjudicó mucho. La gente es cada vez más guaranga y descortés. Se preocupan por estar en contacto, conectados, por monitorear a los otros. Es un retroceso total de la humanidad y es catastrófico porque no tiene retorno."

Fragmento de una entrevista publicada en la revista del diario La Nación. Ir al texto completo.

La imagen pertenece a la serie Black Mirror.

lunes, 9 de septiembre de 2019

Contra la desconexión


Hay muchas series que están pensadas para que la gente desconecte, para que cuando lleguen a casa cansados del trabajo puedan escuchar algo de fondo mientras cocinan o limpian la ropa, pero yo no quiero hacer esas series. The Wire requiere que el espectador sea paciente y se fije en todos los detalles de la trama para poder entender algo más complejo.”

Esto lo dijo el productor y guionista David Simon en una entrevista publicada hace unos años en este sitio. Allí también señaló que "hay demasiadas series que tienen una buena premisa y arranque y en la segunda temporada hacen lo que no tienen que hacer, adaptar la trama a lo que el espectador quiere".  Por eso, en medio tantas producciones irrelevantes y condescendientes que circulan hoy, desde este espacio nunca voy a cansarme de recomendar la extraordinaria The Wire. Y de paso les recuerdo que la más reciente serie de Simon, The Deuce, también es excelente (está por estrenarse la tercera temporada).


viernes, 6 de septiembre de 2019

Privilegios del silencio


“El silencio se ha convertido en uno de los grandes privilegios de los cineastas actuales. Hay que luchar por él. Hace que el espectador se concentre en lo que ve. La tecnología va en sentido contrario, prima que cada vez el cine se oiga más fuerte.”

Wim Wenders 
En una entrevista publicada en el diario "El País" (04/04/18). Ir al texto completo.

En la imagen: la inmortal Las alas del deseo (Der Himmel über Berlin).

jueves, 5 de septiembre de 2019

Septiembre y octubre en el Colegio de Abogados - Preestrenos con entrada gratuita

El Museo del Cine continúa con su ciclo de Preestrenos en el Colegio Público de Abogados de la Capital Federal (Av. Corrientes 1441). Con entrada libre y gratuita, esta actividad -que se desarrolla durante todo el año- permite acceder a material inédito en las pantallas argentinas, exhibido en una sala con excelente calidad de imagen y sonido. Además de programar pre-estrenos, el ciclo también organiza proyecciones especiales: este viernes 27 de septiembre a las 20 se realizará una función en homenaje al crítico de cine uruguayo Jorge Jellinek, fallecido en junio pasado, que fue protagonista de la hermosa película La vida útil, de Federico Veiroj.

Las funciones se realizan todos los viernes a las 20 hs. 
Aquí va la programación: 

Viernes 6 de septiembre 

Mentiras piadosas, de Diego Sabanés (Argentina, 2009)
Función Especial 10° Aniversario. Pablo, el hijo preferido de mamá, viaja a París. Las semanas pasan y nadie tiene noticias de él. La incertidumbre agrava el frágil estado de salud de su madre, por lo que sus hermanos deciden escribir cartas falsas y enviarle regalos. Con Marilú Marini y Claudio Tolcachir.

Viernes 13 de septiembre 

Espero tu (Re)Vuelta, de Eliza Capai (Brasil, 2019) 
Este documental retrata la lucha estudiantil en Brasil en su momento más vigoroso desde la dictadura militar. Está narrado por tres estudiantes que representan puntos centrales del movimiento.

Viernes 20 de septiembre

El reino de la corrupción, de Rodrigo Sorogoyen (España, 2018)
Manuel, un influyente funcionario público, lo tiene todo a favor para dar el salto a la política nacional, pero unas denuncias lo implican en una trama de corrupción junto a Paco, uno de sus mejores amigos. Film ganador de 7 Premios Goya.

Viernes 27 de septiembre 

La vida útil, de Federico Veiroj (Uruguay-España, 2010) 
Un cuarto de siglo ha pasado en la Cinemateca para Jorge, de 45 años de edad, donde se desempeña en tareas de programación y además conduce un programa sobre cine. Pero la crisis de la Cinemateca lo deja sin empleo y Jorge debe adaptarse para sobrevivir... quizás su vínculo con el cine lo ayude en esa tarea. Función Especial en homenaje al crítico Jorge Jellinek.

Viernes 4 de octubre

Rosita, de Verónica Chen (Argentina, 2019)
Lola es una madre joven y ya con tres hijos: Gus, Alejo y Rosita, todos de padres diferentes. Con su madre internada y sin más familia, Lola lucha por sostener a sus chicos y vivir.

Viernes 11 de octubre

La reina del arroz con pollo, de Miguel Bou (Argentina, 2019)
Federico, un joven introvertido de 17 años, abusa en una fiesta de Antonella. Antonella y Federico carecen de apoyo parental, y el abogado de la chica logra encarcelar al muchacho.

Viernes 18 de octubre

El collar rojo, de Jean Becker (Le Collier Rouge, Francia, 2018)
Un héroe de guerra está encarcelado en un cuartel desierto. No muy lejos de allí, en el campo, una joven, agotada por trabajar la tierra, espera. El juez que llega para resolver este asunto es un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra.

Viernes 25 de octubre 

Red de libertad, de Pablo Moreno (España, 2017) 
Protagonizada por Assumpta Serna, este film ambientado la Segunda Guerra Mundial, narra la historia de Helena Studler, quien salvó la vida de miles de prisioneros de los campos de concentración nazis.

La cita es en el salón auditorio del Colegio Público de Abogados (Corrientes 1441, 1º piso). La entrada es gratuita.

miércoles, 4 de septiembre de 2019

Ser mito


"No tengo recuerdos espectaculares. Además, los vacié todos en las películas que he hecho. Los anulé cediéndolos al público. Ahora ya no distingo entre lo que pasó realmente y lo que he inventado."

Federico Fellini

domingo, 1 de septiembre de 2019

Comienza la séptima edición del FIDBA, con una excelente selección de películas

Este lunes 2 de septiembre arranca una nueva edición del Festival de Cine Documental de Buenos Aires (FIDBA), que viene con un cambio importante: este año se duplicará la cantidad de películas a proyectar al igual que las sedes con respecto a años anteriores. En total son 9 salas en distintos puntos de la ciudad, 9 competencias oficiales y más de 100 títulos en su programación. La muestra se extenderá hasta el 11 de septiembre.

El FIDBA es una plataforma cinematográfica, cultural y artística, enfocada en el cine de lo real, que busca explorar nuevos temas, nuevos abordajes, nuevas geografías, nuevos dilemas. El festival será inaugurado este lunes 2 de septiembre a las 20, en el centro cultural Caras y Caretas (Sarmiento 2037) con la proyección de la esperadísima última película de Agnés Varda, Varda por Agnés, un documental en el cual la realizadora –fallecida en marzo pasado- que da luz sobre su experiencia detrás de la cámara y brinda una visión personal de lo que ella llama "escritura de cine", viajando desde la Rue Daguerre de París a Los Ángeles y Pekín.

El prolífico Raúl Perrone también será parte del nuevo FIDBA con su película Hasta la Muert7, que representa su primera incursión en el cine documental. El film narra la historia de la pareja formada por María y Bonifacio, quienes frente a la desesperanza y el dolor de la realidad, encuentran el sostén mutuo en cada momento compartido.


Aquí abajo detallamos algunas de las películas destacadas por los programadores de la muestra:

Wishing you the same, de Arnaud de Mezama (Francia) 
Homo Botanicus, de Nicolás Van Hemelryck y Guillermo Quintero (Colombia) 
Vida a Bordo, de Emiliano Mazza De Luca (Uruguay) 
Ojo Guareña, de Edurne Rubio (España)
Meu nome é Daniel, de Daniel Gonçalves (Brasil)
A War of Memories, de Bora Lee-Kil (Corea del Sur)
In the mighty jungle, de Caroline Capelle and Ombline (Francia) 
Lembro mais dos corvos, de Gustavo Vinagre (Brasil) 
Una banda de chicas, de Marilina Giménez (Argentina) 
Love is potatoes, de Aliona van der Horst (Países Bajos) 


Este año las sedes del festival son: el Centro Cultural Haroldo Conti, el cine Cosmos, el auditorio Leonardo Favio (Biblioteca del Congreso), el cine Gaumont, el cine Helios (localidad de El Palomar), el centro cultural "Caras y Caretas", la sala del Museo de Arte Moderno, la sala de FADU (UBA), el auditorio del Museo del Cine y el cine Arte Mulitplex de Belgrano. Las entradas deben adquirirse en la boletería de cada sala (en algunos casos las funciones son gratuitas)

Hay muchísimas películas interesantes para descubrir, así como actividades paralelas y charlas a cargo de especialistas. En el sitio web del FIDBA pueden consultar todos los detalles sobre las salas y la programación. Si quieren ver un lista de todos las películas que participan en la muestra, pueden ir directamente acá.

viernes, 30 de agosto de 2019

Pedro, el más fuerte de los niños


Ayer, en el marco del Festival de Cine de Venecia, el inmenso Pedro Almodóvar recibió un León de Oro a la trayectoria. La realizadora Lucrecia Martel fue la encargada de dar el discurso en homenaje al maestro español, que comenzó así:

“Estamos hoy reunidos para celebrar a Pedro Almodóvar. 
Uso estas palabras que son las mismas de la misa católica. 
El cine es su religión, lo ha dicho muchas veces. 
El cine corregía lo que la escuela humillaba en él y en muchos niñas y niños. 
Su parroquia fue la sala de cine de barrio. 
En ese altar de luces, de canciones pegadizas, danzaron las divas de todos los tiempos que lo protegieron de la inutilidad moral, como debieran hacer los santos. 
En un reportaje dijiste que seguramente fuiste un niño muy fuerte para soportar la mirada de incomprensión. 
El más fuerte de los niños.”


Aquí pueden leer el texto completo leído por Martel, un poema tan preciso como hermoso.

En este video pueden ver la ceremonia de entrega del premio, que incluye una compilación de imágenes de películas del director, el discurso de Martel y unas palabras de Almodóvar. 

jueves, 29 de agosto de 2019

Las necesidad de las olas

"Pienso que el mundo está complicadísimo. Pienso que la máquina de legitimación que es el sistema económico, que tiene su propia moral, es tan poderosa, es tan inteligente, que hace mucho tiempo, creo yo, que el arte no perturba demasiado, no incomoda al orden social. O al menos lo hace en segmentos tan acotados que no genera olas."
 
Lucrecia Martel
En una entrevista publicada en el diario "La Nación" (29/08/19).

miércoles, 28 de agosto de 2019

Genio


Peter Bogdanovich: ¿Tiene el deseo de ser recordado? 

Alfred Hitchcock: No, no creo. 

Peter Bogdanovich: Quiero decir, ¿piensa en la posteridad? 

Alfred Hitchcock: ¿Qué hizo la posteridad por mí?


Fragmento de una entrevista publicada en el libro Who the devil made it, de Peter Bogdanovich.

viernes, 23 de agosto de 2019

Las armas secretas

Por Leopoldo Torre Nilsson*

"Yo no quiero expresar más que mi experiencia humana, no en un sentido limitativo, sino la experiencia contemporánea de las cosas, tal cual yo las he sentido o las voy sintiendo.

Mi único temor es tener perfeccionadas mis armas estilísticas cuando mis experiencias personales estén muy decrecidas. Siento que entre los quince y los treinta años tenía una experiencia emocional quizá mucho más rica que ahora y tenía una especie de mayor aspiración vital por contar cosas. Siento que en la medida que mi oficio estilístico se va perfeccionando, en esa medida mi entusiasmo metafísico por narrar decrece. Mi gran temor es tener unas armas y perder las otras. Hace algunos meses en un momento dado pensé en dejar de trabajar por un año. Quedarme en el no hacer nada justamente para no ser dominado por el trabajo. Eso no es fácil de hacer por razones obvias. Sin embargo es una aspiración y sigue latente en mí."


*Fragmento de una entrevista publicada en la revista Tiempo de Cine (Número 3, octubre de 1960).

lunes, 19 de agosto de 2019

Cuando falta la potencia subjetiva...


Por Franco “Bifo” Berardi*

La posibilidad de una liberación de las energías intelectuales y técnicas de la sociedad del paradigma de la acumulación sigue existiendo. Esta posibilitad se encuentra inscripta en el conocimiento y en la creatividad de millones de trabajadores cognitivos dispersos en el mundo, pero vinculados por la red. Consiste en la liberación del tiempo de vida del vínculo con el trabajo asalariado, y la reactivación de las energías afectivas e intelectuales al servicio de la sociedad. Pero falta la potencia subjetiva para actualizar esta posibilidad. Y nadie puede remplazar esta potencia subjetiva, esta solidaridad social. No lo puede lograr la política. Me parece que la política no está a la altura del problema actual. La política es una técnica –o un arte si quieres– que se consolida en la Modernidad gracias a condiciones particulares del sistema comunicacional, que se manifiestan en la facultad de la crítica, de la razón discriminante. Estas condiciones se disolvieron. La razón crítica no es un estado natural de la raza humana, es una modalidad de elaboración que se hizo posible cuando el sistema comunicacional (la prensa, el libro, la formación de una burguesía urbana) lo permitió. La tempestad de mierda que se alimenta de la tecnología en red no permite la formación de la razón crítica, no permite la democracia como actuación libre, voluntaria y eficaz. No creo que exista una salida política a la situación actual, no hay salida democrática de la barbarie nacionalista. La salida –si la hay– la encontraremos en la práctica psicoterapéutica y en la práctica artística: en la reactivación del cuerpo erótico del conocimiento, en el matrimonio del ingeniero con el poeta.

*Fragmento de una entrevista publicada en el diario Clarín. (16/08/19)

La imagen pertenece a la película Código desconocido (Code inconnu), dirigida por Michael Haneke.

viernes, 16 de agosto de 2019

25 Años de Cine Argentino - Ciclo en la ENERC, con entrada gratuita

Mañana sábado a las 17, en el microcine de la ENERC (Moreno 1199), comienza un nuevo ciclo organizado por la CINAIN (Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional), titulado “25 años de nuevo cine argentino. Continuidades y rupturas”. Programada por el crítico Diego Lerer, la muestra ofrece la posibilidad de descubrir o volver a ver algunas de las obras más relevantes del cine argentino contemporáneo. “Hay una decena de recorridos posibles para transitar -afirma el programador- del realismo suburbano hasta el documental personal, del drama íntimo al thriller político, del mundo del trabajo al de la apatía, la nocturnidad o la soledad. Son temas pero también estéticas”.

El ciclo se inaugura este sábado con la proyección de la excelente Caja Negra, ópera prima de Luis Ortega, quien estará presente para dialogar con el público sobre la película. Luego se exhibirá Mauro, de Hernán Roselli. La entrada es gratuita.

Programación:

Sábado 17 Agosto 
17:00 - Caja Negra (Luis Ortega, 2002)
19:00 - Mauro (Hernán Rosselli, 2014) 

Domingo 18 Agosto 
18:00 - Bolivia (Israel A. Caetano, 1999) 
20:00 - Vikingo (José C. Campusano, 2009)

Sábado 24 Agosto 
17:00 - Ostende (Laura Citarella, 2011) 
19:00 - Mi amiga del parque (Ana Katz, 2015) 

Domingo 25 Agosto 
18:00 - La Libertad (Lisandro Alonso, 2001)
20:00 - Boca de pozo (Simón Franco, 2014)

Sábado 31 Agosto 
17:00 - Los rubios (Albertina Carri, 2003)
19:00 - El silencio es un cuerpo que cae (Agustina Comedi, 2017)

Domingo 1 Septiembre 
18:00 - Un año sin amor (Anahí Berneri, 2005) 
20:00 - La noche (Edgardo Castro, 2016) 

Sábado 21 Septiembre 
17:00 - La prisionera (Alejo Moguillansky y Fermín Villanueva, 2006) 
19:00 - Viola (Matías Piñeiro, 2012)

Domingo 22 Septiembre 
18:00 - La sangre brota (Pablo Fendrik, 2008) 
20:00 - Historia del miedo (Benjamín Naishtat, 2014)

Sábado 28 Septiembre 
17:00 - La niña santa (Lucrecia Martel, 2004) 
19:00 - Una semana solos (Celina Murga, 2008)

Domingo 29 Septiembre 
18:00 - Leonera (Pablo Trapero, 2008) 
20:00 - El estudiante (Santiago Mitre, 2011

Las funciones se realizan en el microcine de la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), ubicada en Moreno 1199. La entrada es gratuita, hasta agotar la capacidad de la sala. Para más detalles sobre las películas programadas, consultar el sitio del INCAA. 

lunes, 12 de agosto de 2019

Si no imaginas, nunca vibras


Por Franco "Bifo" Berardi*

“Yo no creo en los valores. Yo creo en las expectativas. Si queremos traducir la palabra “valor” en términos más materialistas, tenemos que hablar de expectativas. ¿Qué esperas tú de la vida? ¿Qué estamos esperando? Y aquí aparece el problema de la imaginación. ¿Qué es la imaginación? La imaginación es la capacidad de esperar algo. ¿Puedo esperar volar por la ventana? No, eso no existe. Y al mismo tiempo, me pregunto: ¿puedo imaginar vivir en condiciones que no sean de explotación, de esclavitud? Actualmente no. Actualmente es lo mismo que esperar volar por la ventana. Pero sabemos que una vida sin explotación es posible. Es posible, pero no la vivimos. Es posible, pero no la imaginamos. Autonomía significa capacidad de construir mundos de imaginación. La imaginación no es algo abstracto e inútil. ¡No! La imaginación es la condición indispensable para vivir. Si no imaginas, nunca vibras.”

*Fragmento de una excelente conferencia brindada en la Facultad Libre de Rosario. Aquí pueden acceder a la charla completa en YouTube.

viernes, 9 de agosto de 2019

martes, 6 de agosto de 2019

Puntos de fuga


"A veces, una pequeña película puede sentirse 
tan grande como el cielo."

Stephanie Zacharek


Nebraska, de Alexander Payne.

jueves, 1 de agosto de 2019

Ciclo en la Lugones: La pasión según Dreyer

Hoy comienza un ciclo dedicado al realizador danés Carl Theodor Dreyer, uno de los más grandes de la historia del cine, autor de obras maestras como Ordet, Días de ira y La pasión de Juana de Arco (esta última en copia restaurada en DCP, enviada especialmente desde París). La muestra incluye además títulos que no se ven en nuestro país desde hace más de 30 años, como Los desheredados y La novia de Glomdal. En total se exhibirán nueve largometrajes, en un ciclo que se extenderá hasta el sábado 10 de agosto.

“Dreyer es quizás, con Eisenstein -escribió André Bazin en 1952- el único cineasta cuya obra iguala la dignidad, la nobleza, la potente elegancia de las obras maestras de la pintura, no sólo porque se inspira en ellas, sino más en concreto porque reencuentra su mismo misterio en unas profundidades estéticas semejantes. No tengamos ninguna falsa modestia con respecto al cine: un Dreyer se puede comparar con los grandes pintores del Renacimiento italiano o de la escuela flamenca”.

Programación: 

Jueves 1° de agosto 
Honrarás a tu esposo (Dinamarca, 1925) 
Esta adaptación de la obra teatral de Svend Rindom se centrar en la tormentosa relación que un marido mantiene con su familia. Dreyer retrata a una ama de casa que, con la ayuda de una niñera, logra dar vuelta el tablero de juego de su tiránico marido. Una comedia de venganza adelantada a su tiempo. 
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Viernes 2 de agosto 
Los desheredados (Alemania, 1922)
El cuarto largometraje de Dreyer está basado en la novela “Amaos los unos a los otros”, de la escritora danesa Aage Madelung. La historia está ubicada en 1905, antes y durante la revolución que sacudió las tierras rusas durante todo ese año.
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Sábado 3 y domingo 4 de agosto 
La pasión de Juana de Arco (Francia, 1928) 
Único film en su carrera producido enteramente en Francia, esta película ofrece la notable participación de Maria Falconetti en el rol central (considerada como una de las grandes actuaciones de la historia del cine) y un retrato realista y al mismo tiempo lírico de los últimos días de la heroína y mártir francesa. Una de las películas indispensables de finales del período mudo.
A las 14, 16.30 y 21.30 hs 

Lunes 5 de agosto 
Michael (Alemania, 1924) 
Notable kammerspiel sobre un artista ya anciano, llevado a la desesperación por su relación con su ex modelo y ahora joven protegido, Michael, que no tardará en traicionarlo. 
 A las 14, 16.30 y 21.30 hs 

Martes 6 de agosto
La novia de Glomdal (Noruega/Suecia, 1926) 
Filmada durante el verano no- ruego, La novia de Glomdal es la película que por su sensualidad, su textura y su espontaneidad, más se acerca al estilo del sueco Mauritz Stiller, a quien Dreyer admiraba. 
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Miércoles 7 de agosto 
Vampyr (Alemania/Francia, 1932)
Un joven viajero se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera densa y enrarecida se vuelve alucinatoria. El joven tiene visiones, y así descubre a una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro. 
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Jueves 8 de agosto 
Dieas Irae (Dinamarca, 1943)
Dinamarca, siglo XVII, durante la era de la caza de brujas. Anna, la segunda esposa de un viejo y respetado pastor, se enamora de su hijastro cuando éste regresa al pequeño poblado. Cruzar las fronteras del estricto código moral del pueblo tendrá resultados desastrosos. 
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Viernes 9 de agosto 
Ordet (Dinamarca, 1955) 
En un pueblo rural de Dinamarca, hacia los años 30, uno de los hijos del patriarca Morten Borgen cree que es Jesús y el segundo se declara agnóstico, mientras que el tercero se enamora de la hija de un creyente fundamentalista. Obra maestra absoluta, con uno de los finales más conmovedores en la historia del cine. 
A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Sábado 10 de agosto 
Gertrud (Dinamarca, 1964)
Basada en la pieza homónima de Hjalmar Söderberg, Gertrud es una reflexión sobre la tragedia, el deseo individual y el rechazo a las componendas personales. Una mujer abandona un matrimonio frustrante para embarcarse en la búsqueda del amor ideal. 
 A las 14, 16.30 y 21.30 hs

Las funciones se realizan en la sala Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). La entrada tiene un valor de 60 pesos (30 pesos estudiantes y jubilados con acreditación). Para más información, consultar el sitio web del Teatro.

miércoles, 31 de julio de 2019

Frente a una hoja en blanco


En una entrevista publicada hoy en Página/12, Silvina Friera le pregunta a Paul Auster, en referencia a una inquietud del escritor que circula en su libro Diario de invierno

¿Por qué se ha pasado toda su vida de adulto "vertiendo palabras como sangre en una hoja de papel"? ¿Ha encontrado una respuesta a este misterio?

Y Auster responde: "Todo artista, ya sea que se dedique a las artes visuales o a la escritura, es gente lastimada, dañada, herida. La compulsión de hacer este trabajo viene de ese dolor que uno ha experimentado. A lo mejor sucedió cuando era tan joven que ni siquiera se puede acordar cuando fue que comenzó todo. Por supuesto que esto se opone a la aproximación psicoanalítica que trata de de entender literalmente todo lo que ha pasado. A menudo pienso que la escritura es una enfermedad, pero que uno lo tiene que hacer porque el mundo no es suficiente. Yo estoy tan impresionado con la gente que le encanta vivir en el presente y está conforme con el mundo, con la idea de ir a trabajar, tener amigos, tener familia, disfrutar los días lo mejor que puede sin estar encerrada en una habitación todo un día enfrente de una página. Entonces no puedo explicar lo que es."

*El artículo fue publicado hoy en el diario Página/12 (Ir texto completo)

En la imagen: la maravillosa Cigarros (Smoke), dirigida por Wayne Wang, con guión de Paul Auster.

martes, 30 de julio de 2019

Crisis vitales


"Los momentos de crisis te concientizan a la fuerza. ¿Qué vas a hacer, cómo? Tienen vitalidad cinematográfica. Viste cuando se para el subte y de golpe la gente que estaba en la suya se empieza a mirar, hay gente que habla, que hace caras... sin esa situación de ruptura no aparecen las personas."

Ana Katz

En una entrevista publicada en el diario Clarín.  

En la imagen: Mi amiga del parque, de Katz.

lunes, 29 de julio de 2019

La reina del miedo, de Valeria Bertuccelli y Fabiana Tiscornia


“No sé si se fue o si me dejó”, dice en un momento Robertina (Bertuccelli) en referencia a su marido. Esas palabras se cuelan en su verborragia nerviosa y pasan casi inadvertidas, casi divertidas, aunque en ellas se esconda un verdadero huracán existencial. Me importa poco el diagnóstico clínico del personaje o que sus miedos se deban a traumas no resueltos que arrastra desde siempre: ser abandonado sin aviso (sin la dignidad de una despedida, al menos) debería alterar la psiquis de cualquier persona con un mínimo grado de sensibilidad. Todo en nuestro entorno queda borroneado, agrisado, corrido de eje, al borde del colapso, aunque la rutina siga y debamos atender con solvencia todos los compromisos previamente pactados (para eso elegimos ser profesionales independientes, ¿no?). Y encima ese amigo del alma a quien quisiéramos abrazar hoy está muy lejos… muy pronto ya no estará más. Los temas esenciales en esta historia son la soledad y la muerte, justamente esos frentes que nadie puede dominar. Sin embargo, según muchas de las reseñas publicadas sobre La reina del miedo, parece que resulta muy fácil distanciarse de la protagonista, catalogarla como un caso excéntrico y reducir sus conflictos al cuento de una mujer fóbica/insegura/histérica, con un plus de estrés por el inminente estreno de una obra de teatro. Desconfío de toda persona que se jacte de controlar con éxito su inestabilidad emocional. Esa persona miente, o no está realmente viva.

Un grácil pero persistente temblor atraviesa todo el relato. Bertuccelli sabe perfectamente cómo matizar la congoja con humor y simpatía, pero aun así en cada escena la incertidumbre termina ganándole a cualquier otra sensación. La aparición de Lisandro (Diego Velázquez) resulta clave, ya que él trae la ternura que Robertina necesitaba. Pero también trae el abismo, involuntariamente. La mejor escena del film -por su precisión y su calado- transcurre durante una noche en el departamento de Lisandro, en Copenhague. El viento golpea las ventanas y Robertina no consigue dormir. De repente percibe una sombra detrás suyo. De repente aterrizamos en una película de terror. Ahí está su amigo devenido fantasma, sentado en la escalera, encorvado, abstraído. Lo que leemos en el rostro de Lisandro no es miedo: es pavor. Un pavor inconmensurable. En ese instante ella parece intuir una profundidad desconocida. Tal vez sea una intuición-bisagra.


En la ficción, Bertuccelli debe montar el unipersonal “El tiempo es oro”, título que confirma la vocación existencialista que impulsa la película. En varias escenas el reloj se hace sentir en su urgencia opresiva y uno teme que Robertina no logre llegar nunca, ni a los ensayos, ni al aeropuerto, ni a la noche del gran debut, ni a ningún puerto sereno. Y además a cierta edad -y esto es un hecho, aunque la ciencia y el discurso de autoayuda pretendan negarlo- también comienzan a acortarse los tiempos para alcanzar esas otras cosas, esas metas que supuestamente son las que le imprimen un sentido a nuestro tránsito por la Tierra: tener un hijo, escribir un libro, plantar un árbol. 

Robertina vuelve de Europa y descubre, para su sorpresa, que le han plantado decenas de ficus en el parque de su casa, cuando su prioridad era quitar de allí un cerezo seco para trasladarlo al escenario de su obra. La trama vinculada al teatro, más allá del bucle autorreferencial, funciona principalmente como dispositivo abierto a la circulación de símbolos y preguntas. ¿Por qué llevar al teatro ese árbol incómodo de ramas peladas y tristes? ¿Por qué la insistencia en arrancarlo de raíz? ¿No es mejor plantar un árbol joven, para cuidarlo y verlo crecer? ¿Por qué colocarlo justo allí, en su espacio de creación? ¿Para salvarlo del tornado que aún no terminó de devastar su hogar? ¿Aspira a resucitarlo, quizás? Ya no tenemos 20 años. No podemos plantar un tallo y sentarnos a esperar. Por eso me gusta la idea del crítico Shikhar Verma, quien postuló que esta película, en el fondo, se trata del miedo a empezar de nuevo. Ni siquiera es una cuestión de coraje. Hay que asumirlo nomás. Lo único que realmente importa es aprender a decidir, minuto a minuto, qué hacer con el tiempo que nos queda.

La reina del miedo puede verse completa en YouTube.

miércoles, 24 de julio de 2019

Alma y cuerpo


Por Jean-Luc Nancy*

El cuerpo es material. Es aparte. Distinto de otros cuerpos. Un cuerpo empieza y termina contra otro cuerpo. Incluso el vacío es una especie sutil de cuerpo.


Un cuerpo no está vacío. Está lleno de otros cuerpos, pedazos, órganos, piezas, tejidos, rótulas, anillos, tubos, palancas y fuelles. Un cuerpo también está lleno de sí mismo: es todo lo que es.


El alma es la forma de un cuerpo organizado, dice Aristóteles. Pero el cuerpo es precisamente lo que dibuja esta forma. Es la forma de la forma, la forma del alma.


El alma está extendida por todas partes a través del cuerpo, dice Descartes, está enteramente por todas partes a lo largo de él, en él mismo, insinuada en él, escurrida, infiltrada, impregnante, tentacular, insuflante, modelante, omnipresente.


Nada más singular que la descarga sensible, erótica, afectiva que ciertos cuerpos producen sobre nosotros (o bien, inversamente, la indiferencia en que nos dejan ciertos otros). Tal conformación, tal tipo de ligereza, tal color de pelo, un aspecto, cierta distancia entre los ojos, un movimiento o un dibujo del hombro, del mentón, de los dedos, casi nada, pero un acento, un pliegue, un rasgo irremplazable... No es el alma, sino el espíritu de un cuerpo: su punta, su firma, su olor.


El cuerpo es una prisión o un dios. No hay término medio.


*Fragmentos del ensayo "58 Indicios sobre el Cuerpo".

Las imágenes pertenecen a la extraordinaria película Girl, dirigida por Lukas Dhont.

viernes, 19 de julio de 2019

Padre e hijo


En la película lo llaman “el velo negro” (el término en inglés, “blackout”, es un poco menos poético). Lo recuerdan, claro: es el clímax de Apollo 13, esos minutos de suspenso exquisito durante los cuales los astronautas pierden todo contacto con Houston durante su reingreso en la Tierra, y a nosotros se nos corta la respiración esperando saber qué pasó. Y no importa si conocemos la historia real o si hemos visto veinte veces la película: uno igualmente espera. Como si fuera la primera vez, la única. Aunque varios diálogos se ocupen de dar la explicación técnica de lo que ocurre durante el velo, tengo la impresión de que no podemos o no queremos comprenderlo del todo. Alcanza con saber que hay fuego, mucho, y que ese calor impide la comunicación entre la cápsula espacial y el mundo. Todo depende entonces de ese fuera de campo visual y sonoro. Menos los astronautas, todos los demás personajes se convierten en espectadores durante esos tres minutos eternos. Todos, a la espera. Cine purísimo, emoción a la enésima potencia. Ellos y nosotros mirando las mismas pantallas, deseando ver la misma imagen, la única. Que esta vez no es la del superhombre conquistando la Luna. Esta vez el hombre vuelve a casa, resignado, aceptando que es simplemente eso: un hombre.


Pero hay algo más en esta película. Apenas un instante, un enclave extraordinario, una fracción de segundo que hace la diferencia. Desde la primera vez que vi Apollo 13 hasta hoy me pasa lo mismo con esta escena: quisiera traducirla, descifrar esa imagen del tiempo, aunque sé que no puedo ni debo. Porque ahí, justo ahí, es cuando habla el silencio del cine. O la fe, que es casi lo mismo. Pero algo nos dice esa mirada sobre el vínculo entre padre e hijo. No me refiero a un núcleo espiritual o místico. Pienso más bien en una transmisión y un aprendizaje. Esperar. El hijo adolescente de Jim Lovell está en el colegio mientras la televisión sigue en directo la misión de regreso a la Tierra. El montaje paralelo va mostrando cómo viven el acontecimiento los familiares, los periodistas, el personal de la NASA en Houston, y también el muchacho en la escuela. Pasaron los tres minutos del velo ya. Todos los rostros se transforman. Los expertos intentan contener su desesperación. Cuando todo parece perdido, el chico alza su vista y mira el reloj. Un instante. Un segundo más. Y entonces sí, se abre el paracaídas y vuelve la comunicación. 


Ahora sí. A celebrar. Dos últimas fotos para el cuadrito: mientras todos aplauden y se abrazan, Gene Kranz (Ed Harris), el jefe de la misión, cae vencido de cansancio y alivio en su silla. Por su parte, Ken Mattingly (Gary Sinise, transpiradísimo) tiene ganas de llorar pero antes debe cumplir con el reglamento y decirle a Lovell "Welcome back". Y en medio de la felicidad uno siente que a veces no hay nada más lindo que el protocolo. Después de tanta angustia, es hermoso que las palabras por venir sean exactamente aquellas que uno espera escuchar.