Constelaciones: Muestra de Autores del Cine Español

Este jueves 31 de octubre, en el complejo Arte Multiplex Belgrano, comienza la Primera Muestra de Autores de Cine Español, "Constelaciones", que exhibirá once películas de origen español de reciente producción, en carácter de preestreno. El ciclo reúne tanto títulos de cineastas consagrados como de jóvenes realizadores en una programación que permite apreciar la diversidad de propuestas estilísticas que presenta actualmente el cine de la península. 

"Constelaciones" contará con otras actividades vinculadas con el cine y las letras. El martes 5 de noviembre, el reconocido realizador Alex de la Iglesia (La comunidad, El día de la bestia) brindará una clase magistral y al día siguiente presentará su más nuevo film, Las brujas de Zugarramurdi.

Además, el viernes 1º se llevará a cabo la mesa redonda “Cine sin fronteras”, con las directoras españolas Patricia Ferreira (Sé quién eres) e Inés París (actual directora institucional de Audiovisuales de la Fundación Autor) y sus pares argentinos Daniel Burman y Pablo Giorgelli.

Programación:

Jueves 31 - Inauguración:
Blancanieves (Pablo Berger, 2012)
A las 20.30 y 22.10

Viernes 1:
Grupo 7 (Alberto Rodríguez, 2012)
A las 20.15 y 21.50

Sábado 2:
Buscando a Emish (Ana Rodríguez Rosell, 2012)
A las 20.15 y 21.39
También la lluvia (Icíar Bollaín, 2010)
A las 20.30 y 00.15

Domingo 3:
Pa Negre (Agustí Villaronga, 2010)
A las 20.15 y 22.03
Los niños salvajes (Patricia Ferreira, 2012)
A las 22.30 y 00.05

Lunes 4:
Eva (Kike Maíllo, 2011)
A las 20.15 y 21.45
Diamond Flash (Carlos Vermut, 2012)
A las 22.30 y 23.50

Martes 5:
El cuerpo (Oriol Paulo, 2012)
A las 20.15 y 22.00
Secuestrados (Miguel Ángel Vivas, 2010)
A las 22.30 y 23.50

Miércoles 6:
Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013)
A las 20.00 y 21.50

Las funciones se realizan en el Complejo Arteplex Belgrano (Av. Cabildo 2829). Para más información, consultar aquí.

Densidades

"Poner en escena es organizar el espacio y el tiempo de forma tal que el otro levante vuelo, encuentre su propia densidad, su punto de gravedad."

Jean-Louis Comolli



En el documental Jean-Louis Comolli, ¡filmar para ver! (2013), dirigido por Ginette Lavigne, exhibido en el DocBuenosAires.

Resplandor

¿Es un imperio
esa luz que se apaga
o una luciérnaga?

Jorge Luis Borges
("Haiku") 

En la imagen: Gravedad (Gravity), de Alfonso Cuarón, una experiencia vigorosa y atípica. Imperdible.

Se viene un nuevo DocBuenosAires

Del jueves 17 al sábado 26 de octubre se desarrollará la trigésima edición del DocBuenosAires, la muestra internacional que cada año exhibe las mejores producciones en el campo el cine documental y el ensayo fílmico. El festival tiene como sedes principales a la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Corrientes 1530) y a la Alianza Francesa (Córdoba 946), aunque para esta edición se suman el Cine Arte Multiplex (Cabildo 2829), la Fundación Proa (Pedro de Mendoza 1929) y el auditorio de la Universidad del Museo Social Argentino (Corrientes 1723).

Este año el festival tendrá como invitada a la realizadora francesa Claire Simon, cuyos flamantes films Gare du Nord y Geografía humana integran la programación. Simon estará presente en la inauguración del Doc y además brindará una masterclass con entrada gratuita.

Por otro lado, hay que prestar atención a los grandes autores que aperecen en las secciones "Proyecciones especiales" y "Pasado": aquí podrán verse películas de Claude Lanzmann (El último de los injustos), Wang Bing (Hasta que la locura nos separe), Nicolas Philibert (La casa de la radio), Jean-Marie Straub (Un conte de Michel de Montaigne), Avi Mograbi (Una vez entré a un jardín), Thomas Heise (Consecuencia) y Helena Třeštíková (Universo privado), entre otros. En esta sección también participan dos películas centradas en la obra de los cineastas Jean-Luc Godard y Jean-Louis Comolli.

Dentro de las actividades especiales podemos destacar la masterclass que ofrecerá el realizador estadounidense J.P. Sniadecki, que además presentará sus dos nuevos trabajos, y una charla a cargo de Carmen Guarini y Eduardo Russo sobre el gran realizador Jean Rouch, creador del concepto de “cinéma-vérité”.

Por otra parte, se exhibirá una selección de documentales provenientes de Suiza, y una sección ("Nuevas voces, otros ámbitos") dedicada a difundir la obra de nuevos directores como Régis Sauder (Estar ahí) y Rubén Margalló (La tierra quieta), entre otros. También podrán verse dos estrenos argentinos y cinco latinoamericanos.

Las masterclasses y charlas públicas con los cineastas serán gratuitas y el precio de las localidades de las proyecciones en todas las sedes será de $25, con dos excepciones: en la Sala Lugones estudiantes y jubilados acreditados abonarán $15 y las funciones de los días sábado y domingo en el Arte Multiplex serán de $35.

Hay muchas más películas y actividades interesantes en el Doc, por eso para quienes busquen más detalles de la programación lo mejor es visitar los siguientes sitios:

DocBuenosAires 
Sala Leopoldo Lugones 
Alianza Francesa

Notas relacionadas:

Crítica de Coûte que coûte, de Claire Simon

Crítica de René, de Helena Třeštíková

Fachada

"La felicidad depende del grado de habilidad que tengas para el autoengaño. En ese sentido, el amor es el principal mecanismo de supervivencia que nos ha dado la naturaleza".

Woody Allen
En una entrevista publicada en el sitio Público.es (08/08/10). Ir al texto completo. 

La imagen pertenece, por supuesto, a la nueva película de Woody: la sólida e intensa Blue Jasmine. 

Allen en el blog:
Woody Allen, el autor y sus ventajas
A Roma con amor
Medianoche en París
Vicky Cristina Barcelona

Si me preguntan...

...hoy, en este preciso momento, qué es la felicidad, 

diría que se acerca mucho a esto.

Gángsters de la Warner, en la Lugones

Precisas. Adorables. Imbatibles. Así son las películas que configuraron el canon del cine de gángsters, y con este ciclo la sala Lugones nos permite volver a verlas en copias recientemente restauradas en formato digital. Son cinco películas producidas por Warner Bros., el estudio especialista en el género, tres de ellas realizadas en los primeros años de la década del '30, con anterioridad a la aplicación del código de autocensura que regiría Hollywood hasta mediados de los '60.

Programación: 

Todas las películas tienen cuatro funciones diarias: a las 14:30, 17, 19:30 y 22 

Viernes 11 
El pequeño César (Little Caesar, 1931)
Dirección: Mervyn LeRoy

Sábado 12 
Enemigo público (The Public Enemy, 1931)
Dirección: William A. Wellman

Domingo 13 
El bosque petrificado (The Petrified Forest, 1936)
Dirección: Archie Mayo

Martes 15 
Héroes olvidados (The Roaring Twenties, 1939)
Dirección: Raoul Walsh

Miércoles 16 
Alma negra (White Heat, 1949)
Dirección: Raoul Walsh 

Las funciones se realizan en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) - Las entradas cuestan 25 pesos (15 para estudiantes y jubilados que tengan credencial del complejo). 

Para más detalles sobre el ciclo y las películas, consultar la web del teatro.

Patrice Chéreau (1944-2013)

Murió Patrice Chéreau, director de Intimidad (Intimacy, 2001), 

una película que quiero mucho. 

"Para saber... cómo es la soledad..."

La propia voz

Por Sebastián De Caro*

“Hay un momento mágico que es cuando ves una película como El padrino y te decís: esta película no está filmada. Esto es algo que pasó y alguien lo registró. Es triste, pero cuando uno aprende de cine después le ve los hilos, sus pocos errores, se te arruina un poco el viaje. Me cansó el chiste posmoderno pelotudo, la referencia. En este momento me interesa más Coppola que Tarantino, que es siempre el personaje más importante de sus películas: él y sus vinilos y su cultura popular y su casa y su leyenda. Yo tengo que aprender de los autores invisibles cómo desaparecer: me falta mucho y ojalá en la próxima película estemos hablando de la trama, de la puesta, y no de mí.”

*En una entrevista publicada en RADAR/Página 12 (06/10/2013). Ir al texto completo.

La imagen pertenece a 20.000 besos, última película de Sebastián De Caro, estrenada el jueves pasado. Véanla.

Cielos

Vivir y morir en Los Angeles 

(To live and die in L.A.)

Dirección: William Friedkin

A propósito de la voz en off...

...en "Historias Extraordinarias".

Por Mariano Llinás*

La suposición era que la voz en off iba a permitir un trabajo de la ficción donde la ficción estaba puesta en duda. Iba a poder aplicar ciertos procedimientos que la literatura trabaja con muchísima facilidad. La literatura le había ganado en formas de debilitar la ficción al cine. Vos empezás a leer “El tema del traidor y el héroe” y dice “se me ha ocurrido un argumento y me faltan todavía todas las precisiones”. Está hablando de algo que nunca pudo hacer. Fantástico, está trabajando la ficción como algo hipotético en la década del '40. Nunca el cine pudo acercarse a ese nivel de hipótesis. David Lynch, que es lo más parecido a cierto juego mágico con la ficción, fracasa, se vuelve solemne, se vuelve intrincado, se vuelve pesadillesco. Entonces la voz en off era como una especie de herramienta para generar rápidamente ese juego donde la libertad sobre lo narrable es infinita, donde vos podés adelantarte, ir para atrás. La película es un trabajo sobre la forma, sobre las imágenes. Cada vez me siento más cerca de la producción de imágenes que de la producción de relatos. Para mí la ficción y el relato son un vehículo para poder generar imágenes conmovedoras.

*Fragmento de una entrevista publicada en la web de la revista Crisis. Ir al texto completo.

Al sol

Soldado, hay una guerra entre la mente
y el cielo, entre el pensamiento y el día y la noche.

Por eso el poeta está siempre al sol,
remienda la luna en su habitación y la cose

a sus cadencias virgilianas, arriba abajo,
arriba abajo. Es una guerra que nunca acaba.

Wallace Stevens

(Fragmento del poema "Soldado, hay una guerra")

En la imagen: Señales de vida (Lebenszeichen), film de Werner Herzog

How fragile we are

"Amar duele. Es como entregarse a ser desollado 
y saber que en cualquier momento la otra persona 
podría irse llevándose la propia piel".

Susan Sontag

En la imagen: la sorprendente Memento mori (Yeogo goedam II), dirigida por Tae-Yong Kim y Kyu-Dong Min.

Wakolda, de Lucía Puenzo

Atención: se revelan detalles de la trama.

Los títulos de apertura de Wakolda tienen como fondo el cuaderno de anotaciones y dibujos del médico protagonista, una serie de diseños inquietantes que me remitieron a la apertura de Dead Ringers, de David Cronenberg. En definitiva, el cuerpo de Lilith es una zona de intervención, un ensayo con la carne, como también parece serlo ese lugar al que llaman “la casa del vecino”. Y me pregunto qué habría sido del film de haberse jugado más plenamente por las ambigüedades del terror, allí donde los contornos de lo plausible podrían tornarse más elásticos frente a los matices específicos de esta historia. Me explico: creo que lo mejor de la película llega cuando ya estamos ingresando en su tramo final, con la visita a la fábrica de muñecas. Por primera vez el relato nos deposita en una dimensión verdaderamente ominosa y glacial, y alcanza un brevísimo plano de una máquina en acción para sentir que nuestra percepción se estremece. ¿Eso que atisbamos es tan solo plástico fundido? ¿Es algo más? Y entonces nos topamos con las hileras de empleadas que peinan a las muñecas construidas orgullosamente con... cabello real. En ese espacio de producción en serie y muñecos arrumbados retumban como en ningún otro los ecos de la Historia. Allí es cuando el científico -ahora devenido financista- impone sin rodeos su talante monstruoso, al tiempo que el film intenta extender el espanto hacia las escenas que vienen a continuación. Sin embargo, Wakolda no se arriesga. No perturba las vallas del género. Lucía Puenzo no está dispuesta a abandonar las garantías del drama-realista-que-aborda-una-cuestión-histórica-delicada, pero tampoco logra articular un verosímil lo suficientemente sólido como para sostener la tragedia y provocar alguna emoción.

Aunque no me considero una fundamentalista de lo verosímil en el cine, esta película presenta tantas grietas en ese aspecto que resulta necesario mencionar algunas, al menos. Retomemos el momento del viaje a la fábrica de muñecas: al regresar a la hostería, Lilith, su padre y Mengele se encuentran con que Eva ya dio a luz a los mellizos. ¿Pero cómo nacieron? ¿Cómo se produjo el parto? Este es un bache importante del guión, más aún si hablamos de personajes -como el de Oreiro- erigidos en base a su dependencia del saber médico. Luego tenemos la escena en donde Enzo y Lilith recorren “la casa del vecino” y escuchan sin problemas un cónclave nazi (lo que me recuerda otro detalle absurdo: ¿cómo es que los archivos ultrasecretos que delatan a los criminales son confiados a unos impetuosos escolares que entierran superficialmente esas cajas en el jardín del colegio?). La enfermera tampoco disimula mucho cuando le habla a Mengele de su fuga, sabiendo que a pocos metros los otros la pueden oír. Así y todo, supongamos que estos últimos “descuidos” de los alemanes se justifican porque ellos están sumidos en la desesperación. La gran incógnita de la película es: en medio de la tensión y la incertidumbre por los bebés recién nacidos en crisis, ¿cómo comprender que estos padres piensen en llamar a la fotógrafa?

Es posible que en esta lectura me esté equivocando, por eso aquí solicito la ayuda de los lectores que hayan visto Wakolda. Tal vez se me está escapando algo clave (y no lo digo con ironía). ¿Ustedes entendieron que Oreiro y Peretti intuyen que Elena Roger podría identificar al médico, y entonces la llaman para desenmascararlo? Nada indica que ellos sepan que Roger es una espía, pero quizás creen que en su oficio de “archivista” ella tiene más información. Por otro lado, ¿es disparatado pensar que en los '60 se contratara a un fotógrafo para hacer un retrato familiar? Claro que no, pero sí es ridículo que esto ocurra en el centro de un clímax caótico como el que narra el film. Salvo que, como hipótesis extrema, esbocemos que el relato quiere denunciar el grado de enajenación de estos sujetos (¿los cómplices de la impunidad?), que están preocupados por una foto en lugar de asumir lo que acaban de vivir. Pero no tiremos más de la cuerda, pues hay un hecho concreto: llamar a la fotógrafa implica, básicamente, justificar desde el guión la presencia de Roger en el escenario de la revelación final. Es un giro resuelto sin convicción que, junto a los muchos ya señalados, no hacen más que impedir una y otra vez el vínculo genuino con lo que sucede en la pantalla.

Abismo

"Cuando me sueltas la mano, es como si estuvieras 

a mil millas de distancia."

Land of silence and darkness,

enorme documental de Werner Herzog

The Wire (III)

You can't shut off the risk and the pain
Without losin' the love that remains
We're all riders on this train

Bruce Springsteen ("Human touch")

En la imagen: Dukie (Jermaine Crawford) y Pryzbylewski (Jim True-Frost)

The Wire (II)

Lord, won't you tell us
Tell us what does it mean
Still at the end of every hard earned day 
People find a reason to believe

Bruce Springsteen ("Reason to believe")

En la imagen: Bubbles (Andre Royo)