lunes, 30 de mayo de 2011

Bafici 2011 - Parte 10



American Passages (Austria, 2011)
Dirección: Ruth Beckermann
Sección: Panorama / Trayectorias

Película-río generosa en recodos y afluentes, American Passages avanza como un torrente erosionando la tierra de las oportunidades, trazando un cauce agudo y original a pura elocuencia audiovisual. Desde Harlem a Las Vegas, la documentalista austríaca Ruth Beckermann recorre Estados Unidos con su cámara especialmente entrenada para la escucha y el color, en una búsqueda exhaustiva de las pinceladas certeras capaces de aunar Historia, denuncia social, antropología y, si es posible, algunas gotas de felicidad. Descartada la voz over como anclaje de la interpretación, aquí es el montaje el que se luce en su labor primigenia y política: asociar imágenes para que los contrastes construyan el discurso, y que esas chispas lleguen a la conciencia para activar un relámpago revelador, como anhelaba la utopía eisensteniana.

Festejos callejeros por el triunfo de Obama. Una mujer que perdió a su hijo en Irak. Una tilinga adinerada en un acto solidario, acompañada de un señor desfigurado por una cirugía estética. Hombres que roban para drogarse. Creyentes emocionados mientras cantan en la Iglesia y se autoconvencen con la máxima “I’m a winner and not a loser” (Soy un ganador y no un perdedor). Jornaleros mexicanos en Arizona. Un abogado confiesa que su gremio factura muy bien “en los tiempos buenos y en los tiempos malos… pero en el medio, ahí nadie quiere estar”. La lucha ancestral por los derechos de los afroamericanos. Una pareja gay que pudo adoptar hijos. Mujeres en la cárcel recuperándose de las adicciones. El crecimiento del parque automotor. Pobreza. Jugadores abalanzados sobre una ruleta. La belleza de una ruta desierta. Oh, Lord, hallelujah!


Todo esto es American Passages: básicamente, un vigoroso desfile de estampas representativas de la Norteamérica actual, como aquellas fotografías que Robert Frank compiló en el libro “The Americans” en los años '50. Por este motivo el documental de Beckermann fue comparado con el emblemático trabajo del fotógrafo suizo. Sin embargo, y esto es una impresión personal, una escena del film me remitió puntualmente a una imagen que no pertenece a Frank, sino a Dorothea Lange: me refiero a "Migrant Mother".

Por supuesto, la crisis hipotecaria de 2008 es parte del contexto económico que marca las historias de la película. En una secuencia asistimos al testimonio de dos madres de familia preocupadas por la precariedad de sus viviendas (de las que incluso podrían ser desalojadas). Se trata de un complejo de departamentos en un barrio humilde, a cuyos habitantes el Estado les debe la "ayuda" prometida. Las mujeres que hablan son jóvenes y están sentadas en el frente de una casa. Una de ellas dice tener muchos hijos. Percibimos que una pequeña juguetea al lado de la mujer, aunque de la nena apenas vemos fugazmente sus manos. La madre cuenta que su marido murió en medio de un asalto. “¿Y nosotras también nos vamos a morir?”, pregunta la vocecita desde el fuera de campo. Es un instante estremecedor, pero la cámara permanece con la madre y no busca en ningún momento encuadrar a la nena. Ese segundo de cine fue para mí el pico más alto del festival, un mazazo de lo real sólo posible en el arte documental, si bien la directora se abstiene de explotarlo. Lo mismo ocurre con los rostros de las hijas en la foto de la madre migrante: nunca sabremos por qué las niñas se ocultan, pero es la franqueza de la imagen la que nos hace responsables de inferirlo. No es necesiario ver los ojitos para intuir el tamaño de la desesperación. No es otra cosa que el capitalismo practicando uno de sus rituales más oscuros: la profanación de la inocencia. 

domingo, 29 de mayo de 2011

Casa aislada


cuando me despierto
la casa está en silencio.
sólo se oyen los pájaros.
por la ventana no veo
a nadie. ningún

camino pasa por aquí.
ningún hilo en el cielo
ningún cable por tierra.
todo cuanto está vivo
reposa bajo el hacha.

pongo agua al fuego.
corto mi pan.
hago girar inquieto
el botón rojo
de mi pequeño transistor.

crisis del caribe... lava blanco
más blanco que el blanco...
listos a responder a la agresión...
that' s the way i love you...
fuerte alza de valores metalúrgicos...»

no cojo el hacha
no rompo el aparato.
y es la voz del terror que me serena,
que me dice:
aún estamos con vida.

la casa está en silencio.
yo ni siquiera sé cómo tender las trampas
o hacerme un hacha de pedernal
cuando la última cuchilla
se habrá enmohecido.

Hans Magnus Enzensberger

La imagen pertenece a The Turin Horse, film dirigido por Béla Tarr, una de las experiencias más angustiantes y a la vez fascinantes del último Bafici.

sábado, 28 de mayo de 2011

Muestra de Cine Europeo, con entrada gratuita


Del 30 de mayo al 6 de junio en la Alianza Francesa y en el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires se realizará la 8va Muestra de Cine Europeo, integrada por 18 largometrajes y 2 documentales provenientes de España, Italia, Francia, Portugal, República Checa, Reino Unido, Polonia y Eslovaquia, entre otros países. La selección de films intenta exponer diversos temas actualmente en discusión en Europa, como la situación socioeconómica (sobre todo desde el punto de vista de los jóvenes), la lucha por la igualdad de géneros, la conciencia medioambiental y el trasfondo histórico de las relaciones personales.

Todas las películas fueron realizadas en los últimos años pero nunca tuvieron estreno comercial ni distribución en la Argentina (y sólo algunas se exhibieron en festivales). Dentro de la atractiva programación podemos destacar el galardonado film español Celda 211; California dreamin', una obra importante pero poco conocida del Nuevo Cine Rumano; Made in Dadenham, film británico sobre la huelga de mujeres en una planta de la compañía Ford en 1968; y la película de André Techiné La chica del tren, protagonizada por Émilie Dequenne, la gran actriz de Rossetta (foto).

Las funciones tienen entrada gratuita y se realizan en el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires (M. T. de Alvear 1119) y en la Alianza Francesa (Córdoba 946: aquí hay que retirar las entradas media horas antes de cada proyección). Todos los detalles de las películas y la programación se pueden consultar haciendo click en esta página, o en los sitios web del Instituto Italiano y la Alianza.

miércoles, 25 de mayo de 2011

Bafici 2011 - Parte 9


El fabricante de cepillos (Francia, 2011)
Dirección: Alberto Yaccelini
Sección: Foco Alberto Yaccelini

“Cuando debo filmar a ese otro que me produce temor a la vez que me seduce, no lo imagino, no puedo pensarlo como un ángel o un cordero. Lo supongo, al contrario, con toda su violencia, la de su deseo, la de su miedo. E imagino perfectamente que, como a mí, el film que va a hacerse a la vez lo tienta y lo estremece. Es precisamente esa violencia que existe entre nosotros, latente, no declarada, lo que me importa.”

Jean-Louis Comolli

El fabricante de cepillos tiene como protagonista a Emil Dupont, un señor oriundo de Bélgica y luego habitante de la ciudad bonaerense de Saladillo, dueño de un pasado que constituye el eje del film: fue nazi. Murió en 2006, pero en los años previos a su fallecimiento su testimonio de vida quedó registrado en una serie de entrevistas realizadas por Alberto Yaccelini, el documentalista argentino radicado en Francia a quien el 13º Bafici le dedicó una retrospectiva.

Tal como lo hacía en esa espléndida película llamada Volvoreta, aquí Yaccelini se convierte en un partícipe clave del relato desde la locución: narra en primera persona y explicita todas las ansiedades y las dudas que lo asaltan durante la filmación. En efecto, como advierte Comolli, se trata de un combate entre el director y el objeto del documental. Ese otro -el objeto de estudio- en este caso es un anciano que no tiene remordimientos porque no se considera un criminal. Sin embargo, Yaccelini quiere juzgarlo, quiere hacerlo declarar, quiere empujarlo a aceptar que aquella decisión política estuvo mal. El personaje sólo cuenta con su persona -su cuerpo, su conciencia- mientras que el director cuenta con todo el arsenal que otorga el cine, porque la cámara es a la vez armadura y ballesta. La lucha es desigual y Yaccelini no lo oculta, por eso esta película, detrás de una fachada de aparente sencillez, encierra una compleja reflexión sobre lo que significa ser documentalista.

De un lado, Dupont y su historia. “No me siento belga, sino flamenco. A nosotros durante años nos aplastó el gobierno central”, explica el personaje, y uno intuye que ese sentimiento de inferioridad fue uno de los motivos por los cuales se afilió al nazismo (inferioridad, humillación, búsqueda de un nuevo padre: los temas de La cinta blanca). Fue empleado de una compañía alemana constructora de aviones, luego se enroló en el ejército y alcanzó el rango de suboficial. “Aprovechá la guerra porque la paz va a ser terrible”, era una de las frases que Dupont solía escuchar en Alemania antes de exiliarse en la Argentina. Según recuerda él, este país en aquella época “era un paraíso”, y fue en Saladillo en donde se asentó, formó una familia y montó una fábrica de cepillos. Es evidente que fue un hombre respetado por sus hijos y muy querido en el pueblo. Pero resulta ontológicamente imposible registrar de qué forma el personaje se representa a sí mismo la idea del holocausto.  

Del otro lado, Yaccelini y su ambición. En su investigación descubre que, después de la Segunda Guerra, Dupont fue condenado a tres años de cárcel por traición a la patria. Más allá de este dato, el director carece de pruebas fehacientes que incriminen a Dupont como ejecutor de algún crimen. Entonces hay que presionar. Cada vez que el personaje desliza una frase inquietante, Yaccelini aplica una pausa en la imagen e interpela a su adversario desde la voz over (desde el tiempo presente de la edición). El otro queda acorralado en el silencio. Congelar la imagen no es un recurso simpático, y sin embargo el realizador lo repite más de una vez: en definitiva, es él quien detenta el poder.

Y la cámara puede causar daño. Daño moral y también físico. Ya en Volvoreta Yaccelini ensayaba esta posibilidad: allí la yegua protagonista se lastimaba durante una práctica y el director-narrador temía que los errores se debieran a su propia presencia en el escenario. Por supuesto, toda naturalidad queda anulada frente al efecto-cámara. Durante la filmación de El fabricante de cepillos ocurrió algo incluso más delicado: la salud de Dupont comenzó a debilitarse aceleradamente luego de un encuentro con Yaccelini. “Me arrepentí… me arrepentí…”, es todo lo que balbucea Dupont en su último testimonio, pero no llega a decir de qué se arrepintió. ¿Acaso se arrepintió de su adhesión al nazismo? ¿De algo indecible que él hizo en esos años? ¿O del hecho de haber dejado entrar en su vida a un cineasta inquisidor? No lo sabremos nunca, porque Dupont murió.

Mientras pretendía materializar la culpa en el otro, Yaccelini terminó cercado por vallas incómodas, preguntándose si no habrá sido él mismo el verdadero culpable de esta historia. Hay que tener mucho coraje para asumir que con su coacción obsesiva el documentalista también puede transformarse en victimario.  

lunes, 23 de mayo de 2011

El pan nuestro de cada día


"Es preciso que en la escena todo sea tan complicado y, al mismo tiempo, tan sencillo como en la vida. La gente come, no hace otra cosa que comer; pero, mientras tanto, se van forjando sus destinos dichosos, se van destruyendo sus vidas. En la vida real la gente no se mata, ni se ahorca, ni hace declaraciones de amor a cada paso, ni dice a cada paso cosas inteligentes. Lo que más hace es comer, beber, galantear, decir tonterías: esto es lo que hay que mostrar en el escenario. Todo el sentido y todo el drama del hombre se encuentran en su interior y no en sus manifestaciones exteriores."

Anton Chéjov

La imagen pertenece a Another Year, el más reciente film del británico Mike Leigh. Muy, muy recomendable.

viernes, 20 de mayo de 2011

Vueltas de la vida


El mundo es más sagrado
allá en donde es más animal:
pero sin traicionar su poesía,
la fuerza originaria,
a nosotros nos toca
agotar su misterio,
para bien y para mal del hombre.
Esta es Italia y, al mismo tiempo,
no lo es: juntas historia y prehistoria
convivan en ella si es que la luz
es el fruto de una semilla oscura.

Pier Paolo Pasolini (fragmento del poema “La humilde Italia”)

La imagen pertenece a uno de los grandes estrenos del año: el film Le quattro volte, dirigido por Michaelangelo Frammartino.  

jueves, 19 de mayo de 2011

El caso Fernando Carrera, hoy

Personalidades de diversos ámbitos solicitaron a la Corte Suprema de Justicia que revea la causa de Fernando Carrera, detenido por un episodio conocido como la “Masacre de Pompeya”, ocurrido a principios de 2005, por el cual se lo condenó a 30 años de prisión.

A través de testimonios que se pueden ver en Internet, personas de renombre y prestigio reclamaron a la Corte la revisión de la causa y la liberación de Carrera, por entender que se trata de un caso de abuso policial de “gatillo fácil”, con manipulación y alteración de la evidencia en el lugar de los hechos. “Este hombre (por Carrera) que está en la cárcel, padre de familia, vive por milagro de las balas que recibió injustamente perseguido por la Policía llamada del gatillo fácil, la que planta pruebas para incriminar quizá a un inocente. Pedimos a la Suprema Corte que revea toda esta causa, que lea entre líneas, que insista en quienes dan sus versiones y como las dan y que hay un ser humano imprescindible para su familia que esta en prisión”, dijo la presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo, Estela Carlotto.

Asimismo, el Premio Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel, aseguró que se trata de “un juicio donde se ha condenado a un inocente, frente a todo un armado que hizo la Policía, responsable de esos delitos”. “Nos preocupa que la Corte no revea este caso, debe buscar la verdad, la justicia y la reparación del daño. Que aquellos que cometieron esos delitos sean sancionados”, indicó. En tanto, la titular del bloque de Diputados Nacionales del Partido GEN, Margarita Stolbizer, advirtió: “No debemos naturalizar el escándalo que significan las causas armadas por policías para inculpar a personas inocentes. Si convalidamos esta actuación vamos a estar convalidado una no justicia en nuestro país”. Stolbizer solicitó a la Corte Suprema revisar “profundamente la causa por la que se está inculpando a Fernando, que es una persona inocente y necesita volver a vivir con su familia”. Otro testimonio fue el del periodista Nelson Castro, quien consideró que “hay culpables impunes de lo que fue esa tragedia”, para después añadir que “Fernando (Carrera) es otra de las víctimas”.  (...)

El 7 de junio de 2007 Fernando Ariel Carrera fue condenado a 30 años de prisión y hasta hoy sigue detenido en el penal de Marcos Paz. Su caso fue investigado y expuesto por Enrique Piñeyro en la película El Rati Horror Show.

Fuente: Agencia NA (Leer el texto completo)

El film El Rati Horror Show se exhibirá este martes 24 de mayo a 22:00 en el Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635), dentro del XIII Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos que se desarrollará en Buenos Aires hasta el 25 de mayo. Aquí se puede consultar la interesante programación de esta muestra.

miércoles, 18 de mayo de 2011

El salto


“¿Quién puede decirnos que algo es imposible? Casi todo lo grande que se ha hecho en la historia parecía imposible. O alguien había vaticinado que lo era. Ese filo peligroso, ese camino estrecho flanqueado de abismos, es la praxis. Hay que evaluar con enorme sutileza si es realizable o no. Pero no tendremos certezas matemáticas. En algún punto hay que decidir, y se decide en medio de la incertidumbre. La acción es siempre un salto al vacío, luego de agotadas todas las tácticas y estrategias racionales que la desataron.”

José Pablo Feinman

Fragmento de una entrevista publicada en el diario Página/12 (15/05/11). Ir al artículo completo.

La fotografía pertenece a Steve McCurry.

martes, 17 de mayo de 2011

Triple Agenda

Encuentro con el cine de Nueva Zelanda

Desde el miércoles 18 hasta el domingo 22 de mayo, en la sala Leopoldo Lugones se desarrollará este ciclo que incluye siete largometrajes y seis cortos en su mayoría inéditos en la Argentina. A partir de la trascendencia global de un realizador como Peter Jackson y de la empresa de efectos digitales Weta Workshop, la industria de cine de Nueva Zelandia empezó a tener mayor visibilidad en las pantallas de todo el mundo.

Para acompañar la exhibición de Noches en los jardines de España (foto) y Jinete de ballenas, dos películas basadas en sendas novelas de su autoría, visitará Buenos Aires el escritor de origen maorí Witi Ihimaera. Con los libros "Pounamu, Pounamu" (1972) y "Tangi" (1973), Ihimaera se convirtió en el primer escritor de cuentos maorí en ser publicado. Escribió once novelas y seis colecciones de cuentos, incluyendo "Jinete de ballenas" (1986), que sería adaptada para la premiada y exitosa película homónima en el año 2002. Witi Ihimaera brindará un seminario en la Universidad del Cine.

El ciclo comienza mañana en la sala Lugones del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530). El detalle de la programación puede consultarse en la web del teatro.


Cine-Debate a la gorra: Mulholland Dr.

Este ciclo está pensado como un espacio de reflexión en el que se abordarán temas actuales utilizando el cine como disparador. Al concluir la película se proyectará una presentación que articulará lo visto con conceptos que van del campo individual al social, tales como los sueños, los fenómenos de masa, la violencia de género y el amor, a la luz del paradigma de la posmodernidad. 

Este viernes 20 de mayo a las 20:30 el film programado es Mulholland Dr. (El camino de los sueños), de David Lynch. La cita es el en Centro Holístico Semilla (H. Yrigoyen 48 - Localidad de Martínez). Coordina: Martín Escribano (Lic. en Psicología).


Robert Doisneau en el C.C. Recoleta

La bellísima obra del fotógrafo francés Robert Doisneau puede verse en una retrospectiva organizada por el Centro Cultural Recoleta. Titulada "Simplemente Doisneau", la exhibición incluye 137 imágenes originales del fotógrafo mundialmente conocido por su famoso “Baiser de l’Hotel de Ville” que retrata a dos amantes que se besan en una calle de París. La muestra se exhibirá hasta el 26 de junio en el C. C. Recoleta (Junín 1930) de lunes a viernes de 14:00 a 21:00 y los sábados, domingos y feriados de 10:00 a 21:00, con entrada gratuita.

domingo, 15 de mayo de 2011

Lo abierto


Darlo todo por perdido.
Allí comienza lo abierto.

Entonces cualquier paso
puede ser el primero.
O cualquier gesto logra
sumar todos los gestos.

Darlo todo por perdido
Dejar que se abran solas
las puertas que faltan.

O mejor:
dejar que no se abran.

Roberto Juarroz
(Poesía vertical 24)

La imagen pertenece a la película Los labios, dirigida por Iván Fund y Santiago Loza.

viernes, 13 de mayo de 2011

How do you know, de James L. Brooks


El cine de James L. Brooks despliega un don que él no puede permitirse en su acendrado trabajo como guionista de sitcoms: sus películas tienen tiempo. Al no estar sometido a la tiranía del gag, la brevedad y el remate televisivos, Brooks en sus films se toma revancha y prolonga las escenas un poco más de lo que es habitual en las comedias del mainstream. How do you know dura 121 minutos (¡no es para tanto!) y es una de las películas más cortas en la obra del director. Sin embargo, muchos críticos protestaron por su “duración excesiva” y su consecuente falta de timing. Algo pasa con la crítica y la impaciencia, pero éste no es un problema que incumba a Brooks. Por suerte, él deja que sus relatos respiren sin correr a los personajes con un cronómetro, sobre todo cuando ellos conversan y necesitan construir la intimidad, el descubrimiento progresivo del otro.

“¿No desearías a veces poder apretar el botón Delete y borrar todo lo que decís, incluso mientras lo estás diciendo?”, le dice George (Paul Rudd) a Lisa (Reese Witherspoon) luego de un comentario desafortunado. Ella lo entiende porque se siente igual de ansiosa y desorientada. Ambos están en una forzosa etapa de transición y no tienen idea de lo que vendrá. A él lo obligaron a dejar su cargo como ejecutivo, acusado de manejos turbios en la empresa en la que trabajaba y que pertenece a su padre (Jack Nicholson), que a su vez es el verdadero responsable del delito. Ella es una jugadora de softball que ya pasó la barrera de los treinta y por eso acaban de desplazarla del equipo que lideró durante años. Ambos están nerviosos, cometen torpezas, hablan de más. George no sabe cómo enfrentar a su padre; Lisa no logra definir qué le pasa con Matty (Owen Wilson), el tercero en discordia.

Si algo debemos agradecer al guión es su voluntad de esquivar la fórmula del malentendido. En lugar de fomentar los típicos enredos que brincan veloces de una acción a otra, el realizador prefiere destinar a cada situación el tiempo de expansión que merece, haciendo que los personajes atraviesen en cada caso todo el arco de incomodidades iniciales, desvíos y consecuencias (una de las cuales, claro, es enamorarse). Este ritmo particular en la evolución dramática ayuda a airear la puesta en escena y hallar sutiles espacios para la contemplación. Y aunque Brooks escribe diálogos brillantes, con varias líneas muy divertidas, lo que uno más recuerda de sus películas son los momentos en donde los personajes callan, como aquel de Mejor Imposible (As good as it gets) en el que Helen Hunt posaba desnuda para Greg Kinnear, una escena de inesperada felicidad en la cual el protagonista principal del film estaba ausente. En How do you know, de repente, el verborrágico Paul Rudd elige el silencio y la mirada atenta para confirmarle a Witherspoon lo que ella necesita: es un hombre que sabe escuchar.

Hay muchas cosas para decir de este film, pero voy a señalar sólo dos más. En primer lugar, los colectivos. Ni George ni Lisa poseen un auto en la ficción, y por lo tanto deben tomar el transporte público, un hecho original -para el cine de hoy, no para el mortal- que además aporta una escena hermosa y cercana (¿quién no dejó pasar colectivos cuando quien nos acompaña en la parada es alguien a quien no queremos despedir?). Segundo, el personaje de Matty, un ídolo del baseball que no quiere compromisos pero termina enganchado con la protagonista. Al principio este personaje amenaza con ser la apoteosis de la arrogancia y la banalidad, un sujeto de un solo color que vendría a funcionar a la vez como comic relief y como polo villanesco opuesto al bueno de George. Sin embargo, sorpresivamente, Matty va exhibiendo sus matices hasta conquistarnos definitivamente a fuerza de dignidad, y todo gracias a ese inmenso comediante llamado Owen Wilson, la verdadera frutilla de esta película encantadora. 



How do you know (EE. UU., 2010)
Estrenada en DVD con el título ¿Cómo saber si es amor?

Dirección y guión: James L. Brooks
Intérpretes: Paul Rudd, Reese Witherspoon, Owen Wilson, Jack Nicholson.
Editado por Sony.

lunes, 9 de mayo de 2011

Cine africano inédito en la sala Lugones

Creada en 1961 por el Ministerio de Cooperación de Francia, la Cinémathèque Afrique conserva una de las colecciones más completas de películas africanas. Atesora más de 1.500 títulos producidos desde los años 60 hasta hoy, material que difunde regularmente en París en el Musée Dapper. En la muestra denominada "Antología de la Cinémathèque Afrique", que se desarrollará desde el 10 al 17 de mayo, la sala Leopoldo Lugones exhibirá once películas inéditas pertenecientes a esta cinematografía. En estos trabajos se abordan algunos de los grandes temas relativos al continente africano: la inmigración, las identidades, el lugar de la mujer, las guerras coloniales y los movimientos de liberación.

Programación:
Todas las funciones están programadas en los tradicionales horarios de las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas.

Martes 10: Carta campesina (Senegal, 1975).
Dirección: Safi Faye.

Miércoles 11: Safrana o el derecho a la palabra  (Mauritania, 1977)
Dirección: Sydney Sokhona.

Jueves 12: Bako, la otra orilla (Mali / Francia, 1978)
Dirección: Jacques Champreux.

Viernes 13: Fad’Jal (Senegal, 1979)
Dirección: Safi Faye.

Sábado 14: Jom, o la historia de un pueblo (Senegal, 1981)
Dirección: Ababacar Samb Makharam.

Domingo 15: Finzan (Mali, 1989)
Dirección: Cheick Oumar Sissoko.

Lunes 16: Taafe Fanga, el poder del paño (Mali, 1997)
Dirección: Adama Drabo.

Martes 17:  Mediometrajes reunidos:
África en el Sena (Senegal, 1957)
Dirección: Mamadou Sarr y Paulin Vieyra.
Y la nieve no estaba (Senegal, 1965)
Dirección: Ababacar Samb Makharam.
París es bonito (Nigeria, 1974)
Dirección: Inoussa Ousseini.
Los príncipes negros de Saint-German des Prés (Senegal, 1975)
Dirección: Ben Diogaye Beye.

La entrada tiene un costo de 12 pesos (y 5 pesos para estudiantes y jubilados).
Las funciones se realizan en la sala Leopoldo Lugones del Teatro General San Martín (Av. Corrientes 1530). Para mayor detalle sobre las películas, recomendamos consultar la web del teatro.

La imagen pertenece al film Finzan.

domingo, 8 de mayo de 2011

Revelación


Lo supe de repente:
hay otro.
Y desde entonces duermo solo a medias
y ya casi no como.

No es posible vivir
con ese rostro
que es el mío verdadero
y que aún no conozco.

Rosario Castellanos


La imagen pertenece a la película La última ola (The last wave), dirigida por Peter Weir.

sábado, 7 de mayo de 2011

Convenciones


"Por ahora, comprenda Ud. bien cuál sería la rebelión de un tipo inteligente en mis circunstancias. ¿Qué es lo que ve por el mundo? Uno nace hijo de un millonario, protegido desde la cuna contra aquellos infortunios, y no son pocos, que el dinero puede evitar o atenuar; otro nace miserable, para ser, cuando niño, una boca más en una familia donde las bocas resultan de sobra para la comida que puede haber. Uno nace conde o marqués, y tiene por eso la consideración de todo el mundo, haga lo que haga; otro nace así, como yo, y tiene que andar derechito como una plomada para ser al menos tratado como gente. Unos nacen en tales condiciones que pueden estudiar, viajar, instruirse, volverse (puede decirse) más inteligentes que otros que naturalmente lo son más. Y así por ahí adelante, y en todo...

"Las injusticias de la Naturaleza, vaya y pase, no las podemos evitar. Ahora las de la sociedad y de sus convenciones, ésas, ¿por qué no evitarlas? Acepto, no tengo incluso otro remedio, que un hombre sea superior a mí por lo que la Naturaleza le dio: el talento, la fuerza, la energía, no acepto que él sea mi superior por cualidades postizas, con las que no salió del vientre de su madre, sino que le ocurrieron por azar después que apareció por aquí: la riqueza, la posición social, la vida fácil, etcétera. Fue de la rebelión que le estoy pintando, por estas consideraciones, que nació mi anarquismo de entonces: el anarquismo que, ya le dije, mantengo hoy sin ninguna alteración."

Fernando Pessoa - El banquero anarquista (Fragmento)

jueves, 5 de mayo de 2011

Fuera de campo


Por Samurai Jack *

Ni "24", ni "The west wing". La realidad.
El presidente de la mayor potencia mundial mira junto a su gabinete lo que hoy sabemos que fue una ejecución lisa y llana. Una ejecución de la que no podemos ver las fotos porque no las soportaríamos. Ellos sin embargo lo vieron en vivo y en directo.

¿Se acuerdan de La guerra de los mundos de Spielberg?
Tom Cruise y sus hijos huyen de los extraterrestres y van a parar a una casa en la que encuentran un personaje medio enloquecido interpretado por Tim Robbins, que se ha armado una especie de fortaleza. Cruise no tarda mucho en darse cuenta de que el personaje de Robbins es un demente peligroso. La situación es límite así que el padre de la familia protagónica toma una decisión extrema: matar a quien les dio protección. Le tapa los ojos a la hija, Dakota Fanning, y asesina al demente que los pone en peligro. Todos somos hoy Dakota Fanning, en un mundo incierto y loco, protegidos por un padre que decide taparnos los ojos para que no veamos lo que no debemos ver.

Pero yo creo que es tarde.

* Texto publicado en el blog del autor: La espada vengadora.

martes, 3 de mayo de 2011

Bafici 2011 - Parte 8


La Lisière (Alemania/Francia, 2010)
Dirección: Géraldine Bajard
Sección: Competencia oficial internacional

Hace unos días comentaba la película sueca Burrowing, protagonizada por un niño que escapaba hacia un bosque cercano para evadir la maleza afectiva del barrio en donde vivía. El film franco-alemán La Lisière, casualmente, también gira en torno de un bosque, un barrio nocivo y un personaje que quiere huir, salvo que acá no hay un sendero filosófico que opere como guía. En esta película no hay mapa alguno y encima, cuando el relato avanza, en la ruta sólo se vislumbra niebla y más niebla, y sin embargo uno sigue adelante creyendo que en algún punto se despejarán las ideas, pero resulta que no. A veces, simplemente, lo único que importa es perderse.

En el centro del film está François (Melvil Poupad), un joven médico a quien le acaban de ofrecer un puesto en el pequeño pueblo de Beauval, para lo cual debe abandonar París, alejándose de su novia y de sus amigos, un círculo snob que ya parece aburrirlo. Quizás el hombre quiera entrar en otros ritmos existenciales, más serenos, más francos. Habrá que adivinarlo, porque cuando Poupad empuña su sonrisa insondable, no tenemos otra opción que consolarnos con el quizás. Sí sabemos que en el nuevo barrio al protagonista lo esperan códigos extraños, un paisaje que sólo ostenta dos colores: sexualidad y amenaza. Allí una banda de preadolescentes se entretiene jugando al borde de la ruta. Las chicas se disfrazan de prostitutas mientras los chicos dan órdenes, todos peinados y arropados con look anacrónico, como si vivieran una fábula atemporal en donde sólo gobierna el instinto básico. De a poco la película nos lleva al áspero terreno de la atracción entre adolescentes y adultos, mientras la narración nos hace recorrer geografías típicas de un Chabrol o un Dumont que aquí tienen sabor al Pueblo de los Malditos, con una atmósfera saturada de inestabilidad lyncheana.

Según sus propias declaraciones, la realizadora Géraldine Bajard intentó, por un lado, cuestionar la actitud de los adultos posmodernos que pretenden prolongar su juventud, y por otro, mostrar que los chicos pueden ser perversos y manipuladores cuando sus padres los crían en estructuras de valores confusos. En un principio esta voluntad provocadora parecería acompañar cierta impronta lúdica de la puesta en escena, hasta que en la historia alguien muere y ya no pueden recobrarse los aires eróticos. Pero más allá de las interpretaciones sociológicas, lo interesante del trabajo de Bajard reside en su inclinación por las formas abiertas, por los contornos volátiles que concientemente eluden las suturas entre una escena y la siguiente. Al igual que Burrowing, en el film francés hay muchas situaciones que necesariamente no cierran, porque ésa es la única manera de hacernos sentir esa carencia que en cada personaje se traduce en una especie diferente de ansiedad. En medio del vértigo que acarrea todo festival de cine, hay que agradecer un recreo como La Lisière, la clase de película que me gusta calificar como perfecta transición entre otras proyecciones. Un film para reacomodar los reflejos, para entrenar las expectativas, para recuperar las ganas de caminar por la cornisa del enigma sin sentirnos obligados a resolverlo.  

lunes, 2 de mayo de 2011

Los labios en la Lugones + Todo Santiago Loza

Hace ya mucho tiempo que esperaba el estreno de la muy elogiada Los labios, película que compitió en el Bafici 2010 y luego participó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes (y que no pude ver en su momento).

Durante el mes de mayo el último film de Santiago Loza e Iván Fund se proyectará dentro de una retrospectiva de la obra de ambos directores organizada por la Sala Leopoldo Lugones del Teatro General San Martín. La película también se exhibirá en el Malba, los sábados y domingos de mayo a las 18.

En la sala Lugones habrá 19 funciones de Los labios, programadas entre el 5 y el 29 de este mes. Del jueves 5 al sábado 7 habrá proyecciones de la ópera prima de Iván Fund, La risa, junto a la obra completa de Santiago Loza, joven realizador con una prolífica y muy atractiva trayectoria.

Programación:

LOS LABIOS (Argentina, 2010)
Dirección: Santiago Loza, Iván Fund.
Con Eva Bianco, Victoria Raposo, Adela Sánchez. 

19 únicas funciones
Jueves 5, viernes 6 y sábado de mayo a las 19.30 y 22 horas
Domingo 8 a las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas
Viernes 13, sábado 14 y domingo 15 a las 22 horas
Viernes 20, sábado 21 y domingo 22 a las 22 horas
Viernes 27, sábado 28 y domingo 29 a las 22 horas

Jueves 5
A las 14.30: Extraño (2003)
Dirección: Santiago Loza. Con Julio Chávez, Valeria Bertucceli.
A las 17: Cuatro mujeres descalzas (2005)
Dirección: Santiago Loza. Con María Onetto, Eva Bianco, Mara Santucho.

Viernes 6
A las 14.30: Rosa Patria (2008)
Dirección: Santiago Loza. Un film sobre la obra del poeta Néstor Perlongher.
A las 17: Ártico (2008)
Dirección: Santiago Loza. Con Pablo Seijo.

Sábado 7
A las 14.30: La invención de la carne (2009)
Dirección: Santiago Loza. Con Diego Benedetto, Umbra Colombo.
A las 17: La risa (2009)
Dirección: Iván Fund. Con Leandro Airaldo, Gabriel Zaragoza.

Valor de la entrada: 12 pesos (Estudiantes y jubilados: 5 pesos)
Teatro General San Martín: Avda. Corrientes 1530
En la web del teatro hay más detalles sobre el ciclo y las películas.

domingo, 1 de mayo de 2011

La lengua balbuceante


Hay cien caminos para llegar al gris.
Mezclas entre alumbrar y oscurecer.
Instantes que no son
de la luz, la penumbra ni la noche.
Hay grados de quietud,
ondulaciones en las líneas rectas,
incontables maneras de estar solos.
Las palabras no son jamás las mismas.

El agua no se explica en su elemento,
hay peldaños de líquido, hay estados
que funden hielo y rabia con bondad.
Todavía no sé qué nombre darle
al deseo de carne pensativa,
a la risa brotando del dolor.
Quiero identificar el cosquilleo
que detiene mi mano mientras odio
como el freno de un huésped más alegre.

Me faltan los milímetros en tránsito.
Tengo a medias los poros del sentido.
Para eso sucede la poesía,
esa lengua esquimal que balbucea
los matices del blanco,
temperaturas ínfimas.

Andrés Neuman

La imagen pertenece al film Aíta, fascinante trabajo del español José María de Orbe presentado en el último Bafici.